Одновременно это седьмой номерной альбом группы и четвертый в ее дискографии в стиле "electro". На первых трех альбомах Kraftwerk исследовали пространства Краут Рока и вообще авангардной музыки.
А потом что-то произошло. С диска «Autobahn» (1974) музыканты увлеклись электроникой, да так, что стали одними из законодателей моды в новом стиле электро. Ко всему прочему Kraftwerk считаются изобретателями стиля техно.
Критики бесновались, они всегда негодуют, когда видят что-то новое и непонятное. Группу упрекали, что они создают неживую музыку, будто ее пишут не люди, понимаешь, а роботы.
"А что, хорошая мысль" - крикнули музыканты и начали записывать сабжевый альбом.
Некоторые источники рассказывают, что в 1977 году для Kraftwerk персонально изготовили секвенсор. Это такая штука, которая позволяет упростить некоторые творческие музыкальные процессы - создать ритм, ввести музыкальную фразу, и работать с ней по тембру, громкости, скорости воспроизведения... Это очень упрощенно, к тому же секвенсоры начали быстро усложняться ввиду того, что музыканты требовали все более навороченных эффектов и взаимодействий.
Тот секвенсор был достаточно простым (ну еще бы - более 40 лет назад) и потому диск получился, условно говоря, не очень сложным. Прежний альбом «Trans-Europa Express» обитал в областях авангарда, так что здесь сделали ставку на доступность.

Ну еще расскажу одну историю. Один автор написал, что песня «Die Roboter» перепугала западную общественность своим маршевым темпом и словами на русском языке: «Я твой слуга, я твой работник». Ну и типа, никак не стала из-за этого хитом. Видимо, он имел в виду, что номером первым не стала. Для этого синглу пришлось бы биться за вкусы массовой публики с Boney M, ABBA и другими попсовыми ансамблями, которые расположились на тот момент на более высоких строчках сингл-чартов. В Германии (по данным Media Control) этот отдельно выпущенный сингл занял 18 место, а в США (Billboard — чарт Hot Dance Club Play) — 39. По-моему, это очень высокие места для немецкой группы, играющей в стиле электро. И в самой Германии, а тем более в Штатах, в которых свои запросы и свой широчайший музыкальный рынок.

«Die Roboter» как раз начинается звуками общения трех роботов, которые на большой скорости передают модулированный звуковой сигнал. Далее включается драм-машина, которая отрабатывает будто бы повторяющийся ритмический рисунок. И тот секвенсор, видимо - риффовый паттерн. Вокал, действительно, примоченный так, что потерял человеческую окраску, приобрел механистические тембры... А вот когда по-русски произносится известная фраза, то она примочена минимально, все четко слышно.
И если сравнивать этот альбом Kraftwerk с альбомом группы Tangerine Dream (другой основоположник электронной музыки) - «Electronic Meditation» 1970 года, то понятно, что ТD создавали футуристический эмбиент и гитарную психоделию. Kraftwerk же любуется ритмами самодостаточными и бесконечными, тут нужно себя сдерживать и вовремя останавливаться, ибо винил выдерживает всего 40 минут. Хотя, конечно, надо сравнивать с диском Tangerine Dream 1978 года, в его «Cyclone» есть и примоченный вокал (точечно, а большинство - чистый), и синтовые массивные куски с пульсацией. Но Tangerine Dream упорно держится краут рока, чем «матери истории» и ценен, а Kraftwerk сбросил все вот эти человечьи одежки, оставив технологический каркас.
Музыканты применяют синтезаторы и ритм-машины, и чувствуется, что это им доставляет истинное удовольствие. Конструирование синтетических музыкальных коллажей не заходит слушком далеко или глубоко (аппаратура!), но слышно, что авторы «видели края» эксперимента, за которыми может получиться обратный желаемому результат.
Группа на «Die Mensch-Maschine» выплёскивает на слушателя то ли кибернетическую мечту, то ли фантастическую идею. А может проекцию будущего мира? Или описывает музыкальную экспансию искусственного интеллекта? Все это находится в музыкальном энергетическом поле Kraftwerk.

Можно ли сказать, что этот проект в некоторый степени дегуманизирован? Мелодически музыканты, конечно, да - СУРОВЫ, и иногда динамическая пульсация заменяет им эту важную музыкальную составляющую. В этом и есть авангард - когда форма начинает довлеть над содержимым. Что ж, обалдевшему музыкальному критику придется увидеть еще и не то, лет этак через 10.
Конечно же, в 1978 году на фоне счастливых диско-песенок Bee Gees, которые находились в чарте повыше, этот опус Kraftwerk кажется дерзким, антимузыкальным, вызывающим и шокирующим. До первых опусов проекта Burzum оставалось каких-то 13 лет. Казалось бы, при чем здесь Burzum? Варг Викернес рассказывал в одном своем интервью, что он слушал музыку Jean-Michel Jarre, а в другом называет команду Tangerine Dream одним из своих влияний.

resurgamresponses   4 июн 2024

Сведения о том, что свою профессиональную карьеру мультиинструменталист Майк Олдфилд начал в 14 лет, всякий интересующийся отыщет в любой современной энциклопедии. Дело было в 1967 году. Тогда он и его сестра Салли образовали вокальный фолк-дуэт, с которым у самогó Майка остались не самые приятные воспоминания: "Когда мы выходили на сцену, нас, как правило, представляли: 'Две очаровательные девушки... '"; В 15 лет М. Олдфилд стал инициатором создания группы Barefoot, в активе которой даже был кассетный альбом "Sallyangie" (уже из названия понятно, кто в той группе заправлял); В возрасте 16-ти лет юный музыкант уже обладал репутацией, которая ко многому обязывала. Но вот какая непубличная жизнь сопровождала этого парня помимо общедоступных энциклопедических данных.

При всей природной скромности М. Олдфилда (тут за него, пожалуй, следует пояснить), он являлся носителем "голубых кровей". В самом деле, в кровеносных сосудах Майка циркулировала что ни есть настоящая кровь древнего рода Плантагенетов, королей, правивших Англией с 1154 года. Впрочем, сам потомок легендарной династии к этому обстоятельству относился весьма самокритично: "Одним из немногих преимуществ, что давало мне моё происхождение, это право не снимать шляпу в присутствии её Величества королевы Англии. Быть может, в этом и был какой-то смысл, не знаю, пока не предоставлялась возможность это проверить. А ещё у меня была привилегия бесплатно подковать свою лошадь в Вестминстерском аббатстве, но у меня нет лошади, и я понятия не имею, как для этой процедуры на ней добираться до центра Лондона".

И в то же самое время представитель старинного аристократического рода признавался, что едва ли ни самым большим потрясением в его жизни стало неожиданное открытие, о чём он однажды сам поведал: "Если снять с магнитофона стирающую головку, на него можно записать потрясающие вещи! И если таким способом два-три раза записать гитару, коллеги умрут от зависти!". Таков был он, потомок древнего королевского рода, его куда больше занимали текущие практические моменты, чем реестр привилегий, который можно было периодически не без выгоды использовать благодаря славной родословной.

Кстати, именно фокус со стирающей магнитофонной головкой лёг в основу его триумфального альбома "Tubular Bells". Только случилось это немногим позже, а в 1970 году 17-летний Майк приглашается Кевином Эйерсом в его группу Whole World, в которой выполнял обязанности и гитариста и басиста. Но недолго, на следующий год М. Олдфилд покидает группу, чтобы всего себя посвятить записи 50-минутного демо-тейпа. Однако все компании, куда Майк обращался с предложениями издать это его творение, ему вежливо отказывали. Но один отчаянный всё же нашёлся. Им оказался приятель Олдфилда Ричард Брэнсон, только что ставший у руля новенькой независимой компании Virgin Records. И когда летом 1973 года уже 20-летний Майк Олдфилд завершил титаническую работу по записи своего самостоятельного альбома "Tubular Bells", Р. Брэнсон был вне себя от счастья - это был самый первый LP, что выходил на его фирме грамзаписи.

Это уже десятки лет спустя в списках исполнителей, что пользовались услугами Virgin, значились такие звёзды как Nirvana, сами "роллинги", Робби Уильямс. The Prodigy, Бен Харпер, Culture Club и много кто ещё, а в 1972 году, когда и была основана Virgin Records, желающих записываться на ней не оказалось. "Мы были в равном положении, - вспоминал о тех временах Майк, - включая и обоюдный риск. Всё надо было делать очень быстро и очень качественно. Ричард сумел арендовать студию The Manor в Оксфордшире всего на одну неделю, мне пришлось вкалывать по двадцать часов в сутки! Я и понятия не имел как работает студийная аппаратура, мне даже не объяснили, что я мог делать дубли. Окажись я в такой ситуации сегодня, не протянул бы и пары часов! А тогда всё получилось неплохо”.

Совместный дебют музыканта и компании Virgin оказался невероятно успешным для обеих сторон, и первый тираж "Tubular..." на Британских островах разошёлся мгновенно. И уже в том же 73-м в Объединённом королевстве, Штатах, во многих странах Европы, в Южной Африке, Бразилии, Японии и много где ещё, компания Virgin Records совершила массовое переиздание альбома.

Вспоминая свою "виниловую" молодость, должен признаться, что в своё время ни разу не дослушал эту пластинку до конца. И не только потому, что своего "Tubular..." у меня никогда не было, в то время как у некоторых из моих "братьев по разуму" эти пластинки, что называется, стояли в домашних коллекциях. Именно стояли и никак иначе. И что-то мне и сейчас подсказывает, что ими пользовались не часто, скорее даже редко. А если быть до конца откровенным - ими вообще мало кто пользовался. Продолжая при этом крепко за них держаться - быть обладателем "Tubular Bells" было столь же престижно, как, к примеру, обладателем King Crimson или Santana; При этом, само собой, нам не ведома была история этой пластинки, да мы и не задумывались тогда об этом.

Сейчас - совсем иное дело. Наверное, поэтому и нынешние мнения по этому вопросу полярно разделились, даже среди тех, кто лет 40-45 тому назад считал эту работу Олдфилда превосходной и увлекательной. Что уж говорить о его потенциально новых слушателях, этих вообще мало чем удивишь.

Что же до нас, людей, что называется, поживших, то в большинстве своём вне зависимости от впечатлений далёкой молодости, многие из нас теперь вполне резонно и решительно заявили бы "да, но". При этом, несмотря на то, что альбом "Tubular..." уже со стажем, скажем так, он и по нынешним временам звучит свежо и качественно. Но даже не советую делать над собой усилия, чтобы запечатлеть в памяти какие-либо из пространных атмосферных фрагментов с пульсирующим или струящимся звучанием, чтобы мысленно прокручивать затем на досуге. Мало надежд, что подобное получится, как не следует пытаться разделять эти фрагменты на составляющие и пунктуально их анализировать.
Мне, допустим, эти обе, казалось бы, независимые части "Tubular..." представляются этаким единым неприступным массивом, постичь который и с уверенностью объявить "я всё понял", даже сейчас задача не по плечу. Чего уж было ждать от юнца, уже 40 с лишним лет назад считавшим себя достаточно искушённым знатоком рок-музыки, но так и не дослушавшим ту пластинку до конца, а эталоном исполнительского мастерства считавшим музыку Deep Purple и Rainbow. А ведь тому юнцу было тогда едва ли больше лет, чем Майку Олдфилду, который почти в одиночку справился с такой грандиозной задачей.

Да, это тоже музыка. Необычная, пожалуй, для того времени, где-то даже странная, но оказавшаяся как бы то ни было такой своевременной, а для кого-то просто необходимой. Только вот то, что казалось бы хорошо с позиций оценки её звучания, то не совсем хорошо с точки зрения заложенных в неё идей. Можно с разной степенью восприятия прослушать 20-минутные (условно говоря) сюиты King Crimson, Yes или Pink Floyd, в тех композициях содержались хотя бы какие-то мысли авторов. Потому, как и у пространных эпосов без слов, у них имелись какие-никакие мелодические связи и некая концептуальная цель. В "Tubular Bells" нет лирики, не просматривается концепции и, осмелюсь заявить, нет какого-либо смысла. И даже название альбома М. Олдфилда происходит от некоего случайного инструмента, который звучит в завершении первой части и который используется редко и крайне избирательно.

Судя по всему, Майк тогда ещё в должной мере не владел нотной грамотой. А мелодические темы были плотно спрессованы в его памяти задолго до начала студийной работы (хотя, не исключено, что-то было им спонтанно наиграно уже в студийных условиях); И не отдать должное его упорству и заряженности на конечный результат, согласитесь, никак нельзя. Майк был одержим целиком поглотившей его идеей исполнить запись на виниле, и он это сделал. И если принять во внимание тот факт, что почти всё он тогда исполнил сам, сам же делал запись, стараясь обходиться единственным дублем, то получается, что "Tubular Bells" - это работа эпохальная, единственная в своём роде. И вряд ли кто ещё тогда был способен повторить подобный опыт. Уже только за это честь и хвала этому музыканту.

И всё же, по большому счёту, программа альбома есть не что иное, как слабо связанные между собой мелодические темы с невнятными идеями, понятными, пожалуй, только самому автору. Думаю, не у одного меня где-то подсознательно кроется крамольная мыслишка: "Tubular Bells" - это работа, проделанная в спартанских условиях и трогательно обнародованная самим Олдфилдом лишь для того, чтобы продемонстрировать своё незаурядное мультиинструментальное мастерство и буйную фантазию. И тем самым вызвать сомнительные эмоции у сентиментального слушателя.
Больше скажу, ошеломляющий успех пластинки (прежде всего коммерческий) скорее принёс Мику вред, чем пользу. Вот уже несколько десятилетий М. Олдфилд носится с "Tubular Bells" как с писаной торбой. Не единожды он возвращался к этому главному своему творению всей жизни и в 1992 и 1998 годах им были изданы "Tubular Bells II" и "Tubular Bells III". Более того, на рубеже 2002 и 2003 годов М. Олдфилд вновь рискнул и переписал "Колокола" в очередной раз (попутно пополнив свой банковский счёт), так и назвав эту свою вариацию "Tubular Bells 2003", просто и без затей. В записи применены более 40 инструментов и могучий компьютер с оперативной памятью в 1,5 гигабайта. Определённо за три десятка лет Майк научился пользоваться студийными чудесами.

Вот только из обилия самой разной музыки, что помимо "Tubular..." этот музыкант сочинил, мы кроме "Колоколов" очень мало что слушали. И, быть может, напрасно.

МихаилБогданов   3 июн 2024

Скажу честно, первый сингл произвёл на меня эффект разорвавшейся бомбы. Впервые аж с 2003 года Тони Какко и Co. выпустили яркую, быструю, запоминающуюся, атмосферную песню, в которой нет ничего лишнего. В итоге, неожиданно для самого себя, одиннадцатый альбом финнов стал для меня одним из самых ожидаемых альбомов года.

Однако то, чем оказался в реальности "Clear Cold Beyond", вызвало во мне крайне противоречивые эмоции! С одной стороны, очень обрадовало возвращение группы к своей классической стилистике песен, так как сонатовский альбом 2019 года остался в памяти беззубым стариком-импотентом, хлипкими ручонками размазывающим какие-то риффы, сбивки, мелодии, которые он словно сочиняет на ходу. Кроме отличнейшей "First In Line", которая бы могла стать лид-синглом к "Гильдии Сердца Зимы", мне понравились такие песни, как "California", "Cure For Everything", "Clear Cold Beyond", а также баллада "The Best Things" (всё-таки баллады у современной Сонаты получаются достаточно хорошо).
Хочется выделить и сильную лирическую часть альбома, которая мало идёт в сравнение с наивными текстами Тони времён "Silence", а также отличное оформление обложки и буклета.

К сожалению, чем больше я слушал и вникал в альбом, тем сильнее падало отношение к нему. Сознание всё более настойчиво указывало на бедное звучание вокала и инструментов, и если несовершенная вокальная часть объяснялась возрастом Тони, то вот беззубость и ватность гитар я не мог никак оправдать.
Следующей ложкой дёгтя стала, судя по всему, неизлечимая прогрессивность головного мозга Какко, ибо только так я могу объяснить попытки усложнения структуры некоторых песен, которые не только не прибавляют им разнообразия, но и делают песни более пресными. Многие классные и действительно хитовые идеи тонут в постоянных сменах тем, не получая достойного завершения, в отличии от "атмосферных" кашеобразных мотивов.
Наконец, совершенно непонятен выбор синглов. Уж не знаю, чем руководствовался Тони при их выборе, но он умудрился выбрать для двух из трёх синглов самые скучные и затянутые песни во всём альбоме, которые бы слабо смотрелись и как бонусы к какому-нибудь "The Ninth Hour".

Идеальный слушатель "Clear Cold Beyond" - это тот самый молодой и наивный слушатель "Эклиптики", который почувствовал на себе суровую реальность жизни, повидал много и грустного, и весёлого, понял сложность человеческого мира, но при этом смог пронести тот самый животворящий огонь в сердце через все невзгоды. Тони Какко и его компания действительно сумели перезагрузиться и выдать альбом наиболее близкий к любимому многими раннему творчеству, но при этом не оставив предыдущий опыт в стороне. Лично мне, как ненавистнику Унии - альбом понравился, и в личном рейтинге Sonata Arctica я его поставлю на четвёртое место, но всё-таки проблемы со звуком и наполнением некоторых песен не позволяют рассматривать эту работу на равных с настоящими шедеврами данного финского коллектива.

ChatGPT  26 май 2024

Долгих 10 лет прошло с выхода последнего альбома HIM "Tears on Tape", который собственно говоря и стал заключительным аккордом долгого творческого пути "Его Адского Величества", как полноценной рок-группы. Пластинка вышла в 2013 году, а команда распалась четырьмя годами позже, в 2017-м. После чего, бывший фронтмен успел "натворить" кое-что уже на стороне. Это были некоторые одноразовые проекты, главным из которых, стало сотрудничество с музыкантами из поп-рок коллектива Agents. Однако, преданные поклонники, наподобие меня, конечно же ждали новый Love-Metal. Ждали и надеялись. Таким образом, время и фора на создание качественного альбома, ценителями Вилле Вало как автора и исполнителя, были даны с лихвой.

И вот, спустя три года, под вывеской уже нового проекта VV(Ville Valo) выходит первая ласточка с тремя новыми треками, релиз - "Gothica Fennica Vol. 1". Надо заметить, что впечатление от услышанного было неоднозначным. Из трёх композиций действительно интересной оказалась только одна - Saturnine Saturnalia. Кто же знал, что в итоге, все эти треки войдут в будущий альбом.

Но вот прошло ещё три года и Вилле Вало зачем-то, порционно, стал выдавать новые песни с уже грядущего запланированного альбома. Была ли такова маркетинговая задумка или конкретного плана не было - мне неизвестно, но, во многом из-за этого исчезла интрига к цельному восприятию пластинки, ибо, забегая вперед, склеить все новые треки в один альбом после порционного ознакомления сложно.

Теперь, что касается концепции нового альбома, который получил название "Neon Noir". Она такова: Вилле Вало на обложке, в черной вуали с выпученными глазами. Он как бы говорит нам о том, что "время Икс" наступило. Проект HIM мёртв, а двигаться дальше - нужно. А давайте-ка я сделаю так, дорогие поклонники - скажу, что с HIM всё действительно кончено, даже в будущих клипах буду постоянно делать на это отсылки (плак-плак), но при этом, т.к. другую музыку отличную от HIM я делать все равно не умею, "Neon Noir" будет звучать в том же ключе, что и последние пластинки HIM, только это будет альбом сделанный моими собственными руками. Да-да. Все партии мои, гитары мои, клавишные и ударные. Так сказать покажу, что я и сам могу всё, ибо я мультимузыкант 21 века. Ах да, ещё скажу, что это новый взгляд на вещи, там конечно же что-то будет от Depeche Mode, новой волны и капелька от Black Sabbath. Бла, бла, бла.

Ну и безусловно, новый релиз должен отражать "нового Вилле Вало" вне коллектива как повзрослевшего, и забегая вперёд, к сожалению, постаревшего исполнителя.

Тем не менее, звучало тогда это всё довольно заманчиво, однако, болтовня болтовней, настало время серьёзно рассказать о том, что представляет из себя на самом деле альбом "Neon Noir" 2023 года выпуска.

Если вкратце, то это очень сырой продукт. Большинство треков с него, в лучшие времена HIM, заняли бы места би-сайдов и бонус-треков. Всё плохо настолько, что синглами были выбраны настолько невзрачные треки как "Loveletting", в клипе которого творится какая то несусветная дичь с овцой и "Echolocate Your Love", с очень и очень размытым припевом, и опять же, клипом, созданным вероятно после употребления каких-то запрещённых веществ. Отсутствие более-менее приличного гитариста на записи, коим наш главный герой не является, привело в конечном счете к тому, что это первый релиз от Вилле Вало, где практически отсутствуют соло-партии. Вообще, с гитарами здесь всё очень и очень плохо. Впрочем, каких то ударных партий, привычных для прежнего HIM, вы здесь так же не услышите, ибо материал по большой части среднетемповый.

Взамен этого, Вало решил перевести игру в свою любимую плоскость - больше синтезатора и электроники в звучании. Выиграл от этого релиз? Навряд ли. Да, какие то дыры через компьютер удалось закрыть, но в целом это не помогло.

Что ещё повлияло на конечный результат первого сольника Вало, так это пение. Помните знаменитый, бархатный, низкий и томный голос вокалиста, который он активно эксплуатировал на протяжении всей карьеры в HIM? Так вот, забудьте. Здесь его практически нет. Вероятно не только здесь, а нет и не будет уже в принципе. Как это не парадоксально, Вилле бросил курить, и наверное это должно бы отразиться на его голосе в положительном аспекте, но этого не произошло. Теперь вокальные характеристики Вилле Вало схоже с образом овечки из клипа "Loveletting". Это то ли блеяние, то ли нытье. Нет здесь не надрывных моментов, ни низкого, ни высокого вокала. Исключением является опять же трек "Saturnine Saturnalia", вероятно записанная одной из первой и сохранившей прежнее томное звучание голоса. Возможно на пении отразилось и то, что вокалист поставил себе новые ужасные белые зубы, которые ему совершенно не идут, изменился прикус, а с ним и манера исполнения, равно как и внешний вид. Теперь ещё более исхудавший Вало, активно прячет свои волосы, постоянно носит одну и туже кепку, ну а образ дополняют костюм и кеды. Хотя насчет зубов - лишь предположение. Всё таки годы берут своё и связки уже не те. В любом случае, крайне печально лицезреть на альбоме такой довольно слабый и невзрачный вокал.

Это всё минусы альбома, но есть ли плюсы? Да, есть. Например, при всей скудности материала и звучания в целом, альбом достаточно мажорен и не напряжен. Он прекрасно подойдет для фона. Из треков которые можно отметить как интересные - "Baby Lacrimarium", "Heartful of Ghosts" и "Vertigo Eyes". Последняя кстати получилась действительно с шикарной концовкой, но, как я уже писал ранее - это заслуга Вало в плане работы с электроникой, что получалось у него отлично во все времена. Из всех синглов годный лишь один, собственно одноимённый "Neon Noir". "The Foreverlost" симпатичен, но очень быстро надоедает. С "Run Away from the Sun" проблема аналогичная, тем более песня вышла, как я уже писал выше, гораздо раньше нового релиза.

В целом, нельзя сказать, что пластинка "Neon Noir" категорически провальная, нет. Она определённо найдёт своего слушателя, особенно из преданных поклонников HIM, однако, релиз очень сырой, в нём очень много дыр, скучный вокал, не хватает гитар и оригинальных моментов. И самая главная моя претензия к данному альбому, как поклонника творчества Вилле Вало, который внимательно следит за его работами уже 22 года, заключается в том, что вот это вот всё пришлось ждать, внимание, 10 лет! Я бы ещё как то понял, если бы альбом вышел сразу после распада HIM, в году так 2017-м, хотя даже это было бы несправедливо, ведь с релиза "Tears on Tape" прошло целых 4 года. Допустим, музыкант искал сессионных музыкантов для тура, думал над обложкой и работал над записью в студии. Но 10 лет ожидания и такая сырость на релизе?! Достаточно вспомнить сколько отличных песен было придумано и записано HIM, с 1997-го по 2007-ой, с "Greatest Lovesongs Vol. 666" по "Venus Doom". Целых 6 альбомов, более полсотни треков, и любой из прошлых релизов безоговорочно утрёт нос "Neon Noir".

Складывается стойкое ощущение, что Вилле Вало как композитор элементарно кончился. Одновременно, "кончился" он и как исполнитель, ибо подобное нытье не сравнится с тем вокалом, за который мы все так любили HIM. Лично меня, релиз "Neon Noir" не столько расстроил, сколько возмутил, ибо за это всё, VV ещё и требует денег, хотя покупать себе в коллекцию "подобное" нет никакой нужды. Место подобным релизам - в папке "Музыка" на компьютере, но никак не на виниле. Потому, при всём уважении к прошлым заслугам музыканта, в честь некой ностальгии по добрым временам HIM, рекомендую данный релиз лишь в качестве ознакомления с современным творчеством музыканта. Однако, если вас интересует творчество Вилле Вало в положительном ключе, то безусловно лучше обратиться к ранним релизам, где действительно есть где развернуться. Пластинка "Neon Noir" это повод для Вало серьёзно задуматься, а так ли нужен ли был распад HIM? Возможно, где то в глубине души, он понимает, что вместе они творили в разы более качественную музыку, нежели та сырость, что вышла на сольнике. Возможно нужен реюнион музыкантов. Либо, что самое страшное, Вало действительно "исписался" и решение 2017 года было верным, ибо всё кончается и ничто не вечно. В этом случаем, "Neon Noir" станет отправной точкой для новых бездарных альбомов. Впрочем, время покажет, ибо всё в руках и голове самого Вилле Вало - уже бывшего "Его Адского Величества".

NightRider  20 май 2024

В мае 2024 года чилийская дэт-метал группа Rotten Tomb разродилась вторым студийником «The Relief Of Death», который включает в себя 9 треков.

На обложке диска нас встречают жуткие женские образы, как будто сошедшие с «черных картин» испанского художника Франсиско Гойи. За артворк отвечает Даниэль Джопиа (Grotesque Art).

Открывашка «Oblivion», которая сразу следует за 2-минутным инструменталом «Dissonant Death Ritual», очень мелодичная, этот номер вполне можно охарактеризовать по стилю, как мелодик-дэт-дум-метал.

Затем идёт трек «Psychopathic World», который начинается очень бодро, а затем перетекает в скучное и однообразное пережевывание размеренных риффов в духе поздних Incantation. (К слову сказать, последние записи этих американцев меня тоже совсем не впечатляют).

Далее всё продолжается опять слишком мелодично и медленно. Лично мне не хватает в песнях с этого альбома какой-то динамики, развития внутри самой композиции.

«Rumble For The Cult Of Death» - чрезвычайно нудный инструментал (впрочем, как и открывающее диск интро), который я так и не смогла дослушать до конца, т. к. мне стало чертовски скучно, ибо длится эта тягомотина почти целых 6 минут.

Следующая песня «Funeral Urns» мне ничем не запомнилась, а вот «Let The Death Takes Us», «Illusions Of A False World» и, отчасти, заключительная «Mental Persecution» кажутся, вроде, в большей степени удачными и интересными на фоне блеклых и сомнительных треков с первой половины альбома.

Вообще это какое-то странное совпадение: и Rotten Tomb, и их более именитые соотечественники Unaussprechlichen Kulten на своём последнем опусе «Häxan Sabaoth» (2024) нежданно-негаданно ударились в мелодэт. На мой взгляд, это не слишком благоприятная тенденция для чилийской дэт-метал сцены.

Со звуком на «The Relief Of Death» всё в порядке, в целом, альбом звучит довольно олдскульно (хотя и немного глуховато).

Из плюсов отмечу, пожалуй, уже узнаваемый мощный демонический вокал Диего Молины, сразу ставший визитной карточкой банды, который придаёт музыке Rotten Tomb ужасающую и зловещую атмосферу.

В общем, ребятам, к сожалению, не удалось переплюнуть свой мега-крутой дебютник «Visions of a Dismal Fate» (2022), который я заслушала буквально до дыр. А вот этот альбом вряд ли ещё буду когда-нибудь переслушивать, как-то он меня совсем не зацепил.

Elena_Kalistka  18 май 2024

Парадоксальная дэт/грайнд-группа из финского Турку Xysma в 1991 году вылезает из подполья с первенцем "Yeah". Что оформление, что содержание, не передать таким нелепым, на первый взгляд, названием. Из этого делается вывод, что содержание там такое, что думать над этим посреди прослушивания не выйдет. И как раз для послевкусия это название, похоже, и готовилось. Причём без восклицания, как некоторые имеют осторожность писать это наименование. Ведь именно слушателю его необходимо поставить. Будь то аляповатое и довольное "Yeah!", или потерянное, запутанное "Yeah?", или же чванное "Yeah..." на грани отвращения.

Созданный этими чудаками метал сложно вставить в имеющиеся категории даже сейчас. Он неординарен. Но при этом альбом абсолютно неэклектичен. И абсолютно неидеален. Словно это отделение, составленное из разных ярчайших индивидуальностей, которые только из необходимости не погибнуть уживаются друг с другом и продолжают блестеть в тех местах, куда не попала вся грязь месива войны (в нашем случае - дэт-сцены). Вокал "Уборщика" глух и едва отличим от тарабарщины, хотя темы текстов требуют вдумчивости. Большинство риффов либо вовсе не входят в то, что можно считать дэтовым или грайндовым стандартом, либо проходят с натяжкой, при этом напор и низкий строй на месте. Барабаны Теппо Пулли меньше всех отъехали в сторону от экстремальных канонов, но и в них ощутимы проблески тлетворных влияний. Причём в свете всех этих извращений не в своей тарелке оказывается собственно первичный материал - самые страннные ощущения возникают на самой грубой "Importance Of The Dimensionless Mirage". О проблесках грайнда на ней и на "Aspirations - Reflections of Eternity" думаешь: "А зачем? Умерла - так умерла". Общее впечатление усиливает не самый чистый звук - возможно, будь звучание у альбома качественнее, большей доли неестественности альбом б лишился.

Вообще, удивительный коллектив эта ваша ранняя Xysma. Философию сей пластинки едва можно понять. Это не какие-нибудь "Звуки Му", чтобы ходить под Богом и где странность оправдывается юродивостью. В музыке нет порядка, который техно-дэтстерам даёт убежище гениев, нету острых тем и злобы, под которой прячутся любые нешаблонные грайндкорщики. Да и к дэт-н-роллу этот альбом причисляют скорее от бессилия. Можно сказать, что этого Франкенштейна даже сама группа испугалась настолько, что вскоре ушла буквально в гаражный рок. Зря. Как мне кажется, "Yeah" всё-таки не стоит бояться, хоть малюют его не весть как. Попытаться понять можно, но если не выходит - лучше всего не ломать об него зубы, а сразу смириться. Так, между прочим, сделали многие коллеги по финской сцене, переняв черты альбома в своём дальнейшем творчестве.

IJzerklompje  13 май 2024

Перезаписи старого материала - сама по себе штука очень рискованная и очень часто отторгаемая. А что если всё помножить на одного деда, который продолжает всё время думать, что чисто на опыте обойдётся без "12 капсул" и который гордо заявляет о том, что метал старается не слушать вообще, надеясь каждый раз на открытие третьего глаза? "Levels of Perception" - проект, который с самого начала был воспринят в штыки - сначала из-за уродливой ИИ-обложки, выданной за работу некоего Марека Сухи, потом из-за банального выбора песен с сильным перевесом в пользу новодела. Когда дошла очередь до тизеров, то начался полный разнос - лавина критики была такой мощной, что комментарии под всеми видео лейбл Agonia Records предпочёл отключить. Неужели всё ну уж настолько плохо?

Ответ: да. То, за что подавляющее большинство мгновенно возненавидело альбом - звук. Делал его сам Патрик Мамели, отмечая, что "главная цель - вернуть звучание подпольных времён, демо 80-х". Только вряд ли можно поставить знак равенства между хорошо и с душой сыгранной музыкой, записанной на примитивном оборудовании, и нарочито неотёсанными треками, созданными в современном оборудовании. Звук тут катастрофически плох. Он катастрофически глух. Он катострофически туп. Всё звучит так, словно было записано на диктофон сотового и проиграно через вьетнамские наушники. Бочка барабанов звучит до колик отупляюще, гитары очень неприятны на слух, в целом не блещущие благозвучием соло превращаются в вариант пытки Гуантанамо. Вариант вокала Мамели был позаимствован из альбома 2009 года, и мало того, что сильно слабеет из-за размытого звука всего альбома, так ещё является самым безэмоциональным. Кроме того, сильно во вред песням идёт тоновая "уравниловка" звука - несмотря на относительную разношёрстность материала, всё звучит слишком однообразно. При этом ни одна песня не превзошла оригинал. Даже если отбросить всё это, релиз не предлагает ничего нового - тут нету песен, которые обделены вниманием. В основном тут то, что и так каждый раз исполняется вживую, посему возникает ещё один вопрос: в чём была проблема сделать обычный лайв-альбом, который получился бы всяко лучше, даже несмотря на наличие в игре вживую своей кучи косяков?

Вряд ли я слышал альбом одновременно настолько ужасный и настолько бесполезный, чтобы получить настоящий "кол" не на эмоциях, а по сущности. Это, похоже, тот случай. У этой компиляции не было причин появиться или быть исполненной и выпущенной в таком виде. Это кромешный ужас на крыльях эго музыкантов, хтонический кошмар за гранью логики. У него нет ничего, что можно было бы положить на другую чашу весов, в противовес вагону недостатков. Репутация Pestilence значительно подкошена, и вполне возможно, что очередная истерика Мамели в соцсетях, которая почти обязательно последует, может свести её к нулю. Про то, что какие-то черты этого релиза перенял запланированный десятый альбом, не хочется и мысли допускать. Если да, то этого лучше не ждать, а группу уносить вперёд ногами - на этот раз уже навсегда. А господину Патрицио Мамели назначить отдых, вдали от звукозаписывающего оборудования.

IJzerklompje   1 май 2024

Версия. Группа, которая точно имеет в своем арсенале машину времени. Причем знаете, эти ребята не жадные, у них есть машина для себя и для нас. Как так?
А вот так. Когда они решают, что пора засучивать рукава на репточке, они сначала слетают в Ганновер в начало 80-х или в Манхэттен того же времени, или в Гамбург того же времени. Тусуются там недели две с командами, которые отковали мажорный подстиль хард-н-хэви. Так сказать, лучше один раз увидеть... А потом возвращаются в наше время, дико репетируют и тут выходят такие альбомы как, например, Mastermind.

Что там насчет нас? А нам эта команда дает возможность тоже вернуться в 80-е, мистическим образом проникнуться духом пестования и формирования одного из самых значительных и коммерчески успешных поджанров рок музыки. И знаете, я даже подумал, что группе Amalgama нужно поразмышлять об издании виниловой пластинки, как в те времена. Или все-таки компакт-кассеты, которые были в ходу на территории одной шестой части суши?
Mastermind предлагает 11 трэков забойного хард-н-хэви, в хорошей мере разнообразного, держась почти в рамках жанра. Нужно ли было чуть выскочить за красные линии? Хотелось бы сказать: да, конечно, руби, ломай, круши! Это же лозунг рок-н-ролла. А по здравому размышлению: нет, не надо. Потому что на руках у нас — ровная, стильная работа безо всяких экивоков и шипов. К тому же чувствуется, что авторы музыки ставили себе именно такую задачу (и не забывайте про машину времени).
И тут на этом диске почему-то совершенно не удивляет высокое качество записи и исполнительского мастерства. Ну может и сами постарались на большие баллы, а может профессиональные продюсеры поработали, а также songwriter...
Может оттого всё здесь на удивление органично, и что-то не хочется подсказать: ребята, вот здесь вам надо было гроулингом подпевать... А ведь я уже прослушал пол альбома.
После входного билета «Протон», группа с самого начала начинает сыпать песнями, нацеленными на хитовый результат и бешеное выступление со сцены, ведь вся эта стилистка была мощно направлена на концертные выступления и беспрерывные турне (и об этом чуть позже).
А вообще попервоначалу как-то не врубаешься, ну и играют Heavy Metal - старомодный и будто стухший уже в коллекциях олдовых меломанов (ну - это самый депрессивный взгляд).
А потом — упс!, магия начинает работать. «Где мои семнадцать лет, где мой черный пистолет» (стоп, это Высоцкий). Группа мало того, что включает волшебство у себя, на этом недавно выпущенном диске, так еще и транслирует его через наши колонки. В принципе - это известный музыкально-временной феномен.
И черт возьми, как-то пытаешься проанализировать отдельно вокал (это обязательно), инструментал, и что-то выявить, но получается это плохо, и тем хуже, чем глубже и больше слушаешь пластинку. Цельность музыкального послания находится на высоком уровне.
Гитарист на 101 процент в теме и исполняет мелодии, соляки, которые «цепляют и тащат». Оказывается - это главное, это работает, если знаешь секреты. Опять же звукоинженер все сделал по куражу, будто ему пришлось попахать еще в 80-х. Ребята, так сколько лет вашему звукачу?
Про вокалиста. Умеет. Стопудово человек знает хэви 80-х, и не только увлечен им, но совершенно точно несет его в душе. И из трэка в трэк доносит нам свою состоятельность. И вот это — пара слов слушателям, которые, как и я сначала, подумали насчет 101-го студийного подхода к микрофону и аппаратной подработки. Группа Amalgama сейчас находится в мировом турне, где будет (нет, не доказывать что-то, избави бог) играть перед слушателями и нести красивое, доброе, вечное. Офигеть, я сказал это.
Heаvy Metal Forever \m/

resurgamresponses  19 апр 2024

Agent Steel - группа с историей, переполненной взлётов и падений. Команда множество раз распадалась, меняла вокалистов и игроков, возвращалась, боролась с Джоном Сирисом в залах суда за право носить имя и выступать, и выпустила после перерождений несколько альбомов. Качество их с каждым последующим релизом скорее падало, и записанная Сирисом с сессионниками "No Other Godz Before Me" - такая пакость, что достойна она отдельной разгромной рецензии. Добрая память о группе сохраняется в контексте двух первенцев. Второй, из 1987-го, что-то залежался без рецензии, потому его и затронем.

Что же тут сказать, материал здесь - это форменный спид-метал, местами подогнанный под трэшевые формы и содержащий острые триплетные риффы. Но идеологически это скорее спид-метал. Разбор начать следует с вокала. Сирис ставит очень многое на высокие ноты и тянет их долго, большинство сильных строк в текстах своим голосом он раз за разом уводит на опасные высоты. Во многом, потому что на нижних регистрах у него получается намного бледнее. По ритмике и риффовке ощущается огромное влияние Judas Priest, Accept и всех иных групп того же направления. Многого сказать тут нельзя, разве что отметить, что местами риффы выходят качовыми, соляки не очень часто выдают что-то животрепещущее, да и какие-то прочие общие, скорее дежурные характеристики. В рамках жанра же всё тут в полнейшем порядке, и эмоционально именно риффы не дают скучать во время прослушивания. Нет таких моментов, как, например, у Rage или Grave Digger, где в дебютных альбомах часть риффов ну уж слишком долго варится в собственном соку. Звучит альбом довольно сыро, всё ещё заметно, что на записи альбома экономили. Но по сравнению с предыдущим альбомом улучшение заметно. Я бы предпочёл чуть более чистый звук, возможно, местами он бы помог материалу зазвучать чётче. Из отличных песен альбома стоит указать на открывашку "Unstoppable Force" - вот она прям безупречна, инструментал "The Day at Guyana", где умения Гарсии и Версалля раскрываются куда лучше, и более балладоподобную "Still Searchin'".

В целом альбом очень приятный, слушается на ура, не оставляет после себя неприятного послевкусия, но при этом у "Unstoppable Force" явно имеется лицо. Ощущаешь, что в музыке есть скелет, который, хоть и не может двигаться, манипулируется ниточками, подёргиваемыми дуо гитаристов-сонграйтеров вполне легко. И нет такого момента, где у этого скелета не прописаны мелкие движения, которые легко забыть вовсе или не заметить со стороны. Нельзя забывать, что эти же движения играют бесконечно важную роль в создании ощущения (уместно ли здесь говорить об иллюзии?) живости, подвижности музыки. На эмоциональном уровне он крайне пригляден. А вот дальше хрящи скелета начали сыпаться в прах. Можно отдельно спорить о том, почему очередной бороздящий рок-океаны корабль Тесея под флагом Agent Steele отметился полным позором, но лучше всё же для этого залезть сюда и прослушать этот в действительности приятный альбом и соотнести их.

IJzerklompje  15 апр 2024

Бригада Хаме-леоН выпустила свой новый, пятый полноформат. Добавлю, что команда уверенно (и не первый год) располагается среди лучших команд России в этой стилистике.
И буквально с первых же трэков Хаме-леоН открывает свои карты, и они все в солидном, козырном исполнении.
Слушаю в лучшем качестве и потому констатирую: на свежем диске группа удачно и артистично совмещает гитарную мощь и мелодику. С одной стороны - это так и положено в стиле, с другой - далеко не все группы осуществляют приемлемый баланс. А с третьей - кому приемлемый? Является ли точка зрения исполнителя близкой (и родной) самым широким кругам слушателей? Это решит каждый сам.

Ныне диск купается в полифонии, сложносочиненном гармоничном звуке, с клавишным наполнением. Но в первую очередь, само собой, отмечаем рельефную гитарную работу. Мелодическую, как уже отмечалось, и вдохновенную, но не перегибающую палку в затейливости, полностью адекватную моменту и поставленным задачам.
Казалось, что тут сложного. Да абсолютно ничего, но когда почти каждый трэк является четким законченным произведением (и понятно - над ним тотально впахивали безлимитное количество времени), то как-то доходит: не все так просто. Обратил внимание на джаз-роковые соло (трэк «Новые пути»), которые тут же были поддержаны соответствующими клавишами.
Композитор Хаме-леоНа сделал на этом альбоме немалую ставку на клавиши, все ж таки оставаясь в реально металлическом измерении. Тут есть НО*, но о нем попозже.
Клавишник явно выбран не случайно, и этот исполнитель внес большой вклад как в общее звучание альбома, так и в создание мелодического антуража. Стилистически все верно, создавалась настоящая синергия инструментала, когда в итоге имеем гораздо больше, нежели простая сумма результатов. К тому же в одном месте доигрались до Synth Wave Rock и Neue Russische Harte - трэки «Нейросеть» и «Zombie disco».
НО*. Более того, скажу, что автор в некоторых локациях встал на скользкую дорожку поп-рока. В качестве ли эксперимента или еще чего... но, черт возьми, по факту этот опыт был органичным в общем звучании диска. Не знаю, комплимент это альбому или наоборот.

Ну и конечно пару слов о вокалисте Хаме-леоНа. Роковый вокал, эстрадный, с вариациями того и другого. Удивительное (в контексте метал-альбома) следование русской певческой традиции (трэк «Ветры», «Навсегда»). Артистическое интонирование. Интересные вокальные решения. С такими способностями можно воплотить любую тему. (Так вот, заказываю: — Speed Metal надо сыграть в следующем альбоме в германском стиле, ну или, может быть, кавер на ранний Anthrax, не знаю прямо, что бы выбрать).
Не помню, уже писал это в прошлых рецензиях или нет, - певец Хаме-леоНа удивительным образом создает рок-оперу, так сказать, на наличном материале, при том, что этот диск не является концептуальным.

resurgamresponses   9 апр 2024

Бытует теория про снаряд, который не падает в одну воронку дважды. Как и поверье, что невозможно два раза войти в одну и ту же реку. Это всем известно.
Применительно к рассматриваемому альбому The Rolling Stones данную теорию (как и поверье тоже) можно сформулировать и по-другому: снаряд "роллингов", названный ими весной 1976 года "Black And Blue", не попал ни в одну из ранее проделанных группой воронок. Скажу больше, они тогда выстрелили совсем в другую сторону.

И далеко не все представители мирового околомузыкального сообщества в том самом 76-м году эту пластинку приняли. Да что там "далеко не все", не приняли многие. Потому, что это было нечто нежданное и необычное. И совсем не похоже на всеми привечаемый "Exile On Main Street", и невероятно далеко от более свежего "Goat's Head Soup" и уж тем более от "It's Only Rock' n' Roll". Но вот минуло много десятков лет и именно эта непохожесть делает "Black And Blue" своеобразным индикатором творческого непостоянства The RS; И это не есть плохо. Что-то подобное рано или поздно должно было случиться. Случилось именно тогда. И произошло это в то время, когда группу сопровождал шлейф сопутствующих факторов, не учесть которые никак невозможно.

Как-то так вышло, что именно по ходу работы над "Black..." они затеяли поиски замены Мику Тэйлору, нежданно для всех покинувшему группу гитаристу. Удивительно, но сразу несколько кандидатов (Харви Мэндел, Уэйн Перкинс и всех в итоге опередивший в той гонке Рон Вуд) с разной степенью участия отметились в той работе. Это во многом было и спонтанное и случайное участие, но не отразиться на конечном результате никак не могло. Хотя не одно лишь это на этом самом результате отразилось.

Многими экспертами было отмечено, что когда в 1969 году совсем ещё молодой М. Тэйлор влился в состав The RS, у гитаристов группы неотвратимо стала меняться методика владения своими инструментами, а с этим и музыкальная стилистика "роллингов" в целом. Не обошлось и без влияние перемен в мировых тенденциях того времени и Мик Тэйлор был несомненным носителем тех тенденций. И если у The RS эти перемены не стали революционными, как, допустим, у Deep Purple или Pink Floyd, то весьма заметными это уж точно. И не следовало ожидать, что с приходом к "роллингам" Ронни Вуда, становление которого как гитариста состоялось ещё до всех этих реформаций, часы этой группы повернут вспять.

Уже лет, наверное, десять в записях своих песен они активно применяли струнные, духовые, клавишные инструменты, а в бытность Брайана Джонса ещё и экзотические (к примеру, ситар). Что в сочетании с инструментами традиционными, да ещё и эксцентричными вокальными выкрутасами Мика Джаггера, делало музыку "роллингов" своеобразной и неповторимой, хотя, как и прежде основанной на блюзе, буги и классическом рок-н-ролле. И никакой гитарист был бы не в силах это кардинальным образом изменить.
И вот "Black And Blue". В общем, надо признать, у The RS случился определённый откат от традиций последнего десятилетия. И это в той ситуации, в которой группа оказалась.

Основная проблема, ясное дело, была связана с выбором нового гитариста. Но и других хватало. Изрядно выдохся Кит Ричард. Наркотики неотвратимо делали своё гнусное дело и у Кита всё чаще возникали трудности с мелодическими идеями. И пока рядом находился Тэйлор, это было не столь очевидно. С его уходом музыка группы утратила энергию. Такое, как правило, происходит с возрастом, но говорить о критическом возрасте "роллингов" было ещё преждевременно, и ссылка на возраст не работала. Что действительно могло загасить их былую неуёмную энергию, так это отсутствие организованности и контроля. Впрочем, главным образом это пока что сказывалось в, так сказать, производственном плане, хотя сбои в песенной структуре уже можно было считать симптомом. Утрата организационной составляющей начала проявлять себя уже в процессе записи "It's Only Rock' n' Roll". Эта же беда перекинулась и в работу над новой пластинкой. К тому же, обременённые личной жизнью, повзрослевшие музыканты всё больше отдалялись друг от друга, на создание программы следующего альбома им потребовалось значительно больше времени. И всё чаще стала проявляться усталость от совместного времяпрепровождения.

Объективный голос авторитетного продюсера мог бы, пожалуй, изменить ситуацию. Но музыканты сами лишили себя столь необходимого, хотя и недешёвого удовольствия. Однажды попробовав продюсировать свою работу самостоятельно (всё тот же "It's Only Rock' n' Roll"), "роллинги", что называется, с избытком хлебнули опьяняющей свободы творчества и закусили удила. Напомню, The Glimmer Twins - это, по-сути, Мик Джаггер с Китом Ричардом. А придуманный ими псевдоним Glimmer - это по-хулигански обыгранная фамилия предыдущего многолетнего продюсера The RS Джимми Миллера.

В декабре 1974 года они заехали в Musicland (Мюнхен, Западная Германия), где уже готовили свой "It's Only..."; Здесь же они собирались начать работу над новым альбомом. Его выход планировался к летнему гастрольному туру по Северной Америке. Но, пока суть да дело, настали рождественские и новогодние каникулы. "Роллинги" разъехались кто куда. После отшумевшего веселья они вновь собрались в континентальной Европе, но уже в Голландии, чтобы и альбомом заниматься и параллельно осуществлять прослушивания потенциальных кандидатов-гитаристов. Их было достаточно, в том числе и именитых (Джефф Бек, Питер Фрэмптон, Рори Галлахер и уже отмеченные выше Х. Мэндел, У. Перкинс и Р. Вуд). Но та история явно затянулась и мешала работе над записью, в результате "роллинги" выбились из графика. И тогда всё решено было отложить до лучших времён, а вместо новой студийной пластинки выпустить очередную компиляцию с мощным содержанием "Made In The Shade", которая и вышла в 1975 году. В общем, всё, что группа смогла заготовить для будущего LP, это была кавер-версия песни "Cherry Oh Baby" ямайского регги-исполнителя Эрика Дональдсона. В 1971 году этот островитянин с брутальной внешностью выступил с нею на местном "Конкурсе ямайской музыки" и выиграл гран-при фестиваля. А "Cherry..." естественным образом стала суперхитом солнечной Ямайки.

Кстати, и у The RS с этим южным островом было кое-что в недавнем прошлом связано. Значительную часть диска "Goat's Head Soup" (1973 г.), напомню, наши герои записали именно там. По прозрачной, как слеза, причине - привлекательно-незначительные налоги даже относительно американских, не то, чтобы британских. К тому же у К. Ричарда тогда возникли юридические проблемы, и в Штаты путь ему был заказан.
Из воспоминаний Чарли Уотса в его автобиографической книге: "Влияние регги на "Black And Blue" излучал Кит Ричард, да и Мик интересовался этой музыкой. У меня дома во Франции было полно пластинок с музыкой регги. Когда мы собрались на юге Франции что-то записывать для "Exile On Main Street" в особняке Кита, какие-то пластинки оказались с нами. Тогда-то мы и прослушали тот самый диск с песней Дональдсона..."

Историки утверждают, что это была первая пеня, что Ронни Вуд записал в составе The RS; Мелодичная регги-композиция с примитивным текстом про молодого повесу, у которого ни гроша за душой, но с избытком пылкого желания овладеть красоткой Черри. Однако именно этот номер шёл у "роллингов" на ура в ходе их американского тура.

Лишь в октябре 1975 г. группа вернулась к делу, которым пыталась заняться уже без малого год. Вначале был швейцарский Монтрё, затем привычное посещение немецкого Мюнхена, а завершились те муки творчества уже в Нью-Йорке в феврале 1976-го;

В релиз "Black And Blue" вышел уже ближе к концу апреля. Это было совсем не то, к чему The RS приучили своих почитателей за годы пребывания в их составе Мика Тэйлора, и чего те самые почитатели ожидали. Из арсенала The RS почти исчезли гитарные рок-н-рольные риффы, их сменили фанковые, джазовые и даже соул-тональности. В былые времена нечто подобное если и проскакивало в звучании группы, то крайне редко. И сопровождались такие проявления, как правило, активным участием в записях приглашённых инструменталистов. Вот и сейчас, допустим, в "Hot Stuff" в глубокий фанк "роллинги" погрузились благодаря усилиям перкуссиониста Олли Брауна. Подобного грува в своей музыке музыканты The RS прежде не демонстрировали. Но именно песня "Hot Stuff" проложила путь к диско-фанковому хиту 1978 года "Miss You". Кстати, партию на гитаре здесь уверенно исполнил Харви Мэндел, напрасно, как оказалось, претендовавший на место в группе.

При всё при этом, норму номеров со звучанием, близким к рок-н-рольному, они привычно выполнили. Более того, задвинутая в самую концовку программы альбома песня "Crazy Mama" весьма оживляет инфантильность "Black And Blue" и вместе с тем подчёркивает его неоднородность. И, пожалуй, даже неоднозначность. Что же до "Crazy Mama", то есть ощущение, что исполнив пару коротких куплетов, Джаггер завёлся и в дальнейшем нёс всякую пургу, что взбредала ему в голову:

"...Ты можешь шокировать меня,
Игнорируя моё имя.
Ты можешь оставить меня без карманных расходов,
Это мало что изменит.
Потому, что если ты думаешь,
Что сможешь это сделать,
Я прострелю тебе колени пулей.
Ты сумасшедшая, мама, так-то вот..."

Что там дальше у М. Джаггера я просто не берусь цитировать.

В "Fool To Cry" Мик плывёт против волн синтезатора Ники Хопкинса. Вообще-то, эта меланхоличная баллада об отношениях Джаггера с маленькой дочерью (в 1975 году Джейд Шин Изабель было 4 года). Хотя в то же самое время Мик вовсю крутил очередной роман, на этот раз с моделью Бэби Бьюэлл, при этом находясь в законном браке с Бьянкой Перес Мора Масиас, креолкой из Никарагуа. В 1978 году М. Джаггер по инициативе Бьянки с нею разведётся, но всё это время будет считаться хорошим отцом (во всяком случае, в глазах остальных "роллингов"); Но однажды пройдёт слух, что настоящим отцом малышки Джейд является некто Стивен Тайлер, мало кому тогда ещё известный фронтмен Aerosmith. Такая вот Санта-Барбара.

"Когда я являюсь домой,
А работаю я в основном все ночи напролёт,
Я сажаю дочку на колени, и она мне говорит:
"Папочка, что случилось?"
Она так мило шепчет мне на ухо...
И знаете, что она шепчет?
Она так тихо говорит:
"Папочка, ты дурак, что плачешь".
И это вынуждает меня задуматься,
Почему это папочка дурак?"

В этой трогательной песне Джаггер поёт фальцетом, имитируя диалог с ребёнком, чуть ли не рыдая. Ничего подобного за долгую карьеру с ним больше не случалось. Или я что-то пропустил.
Сингл с "Fool To Cry" вышел у "роллингов" каких-то пару дней спустя вслед за LP "Black ..." и мигом стал мировым хитом (6-е место в UK Top 50 Singles и 10-е по версии Billboard Hot 100 в Штатах, что по тем временам считалось хорошим результатом); Сам же альбом в UK Top 60 Albums не поднялся выше второй строчки, а вот чарте Billboard несколько недель провёл на самом верху, став "платиновым"; Однако мнения критиков полярно разделились.

В семиминутном опусе "Memory Motel" замешано сразу несколько стилей, а солируют на два голоса М. Джаггер и К. Ричард (тот ещё, надо сказать, вокалист!). Что бы там ни было, на сегодняшний день эта сентиментальная баллада занимает своё законное место где-то рядом с "Moonlight Mile" и "Angie"; Предположительно, что песня эта о даме, с которой у Джаггера были реальные близкие отношения. А стержневая мысль в ней о том, что время, потраченное на ту девицу, оказалось более ценным, чем он сам предполагал. Хотя на самом деле "Memory Motel" о нелёгких буднях гастролирующей рок-группы:

"... На седьмой день наших скитаний
Мои глаза закрывались сами собой.
Мы проехали десять тысяч миль
Через пятнадцать штатов.
Казалось, все прочие женщины
Исчезли из моего сознания.
Я приложился к бутылке,
Лёг в постель и прослезился.
Но что там за шум на двадцать втором этаже?
Оказалось, мои друзья ломились в двери своих номеров.
Это была самая одинокая ночь в мотеле Memory...
................................................................................
Ты просто девушка из воспоминаний,
Одно из многих.
Но как много это значило тогда для меня..."

Совсем иная ситуация в композиции "Melody". Отношения героя этого номера с его избранницей никак не назовёшь душевными:

"...Она набралась за мой счёт
И когда я начал приглашать её на танец, заявила:
"Только припудрю носик и вернусь, не переживай".
А потом я где её только не искал,
Словно горчицу для ветчины.
А она тем временем вырубилась в ванной
В объятиях моего лучшего друга.
.......................................................................
Melody, таково было её второе имя..."

Многие, несомненно, обратили внимание, что The RS (иными словами, Мик Джаггер) стали чаще сочинять тексты о семьях, детях и прочей сентиментальной чепухе, хотя и вряд ли больше, чем о своих глупеньких подружках (не таких уж, впрочем, и глупеньких). При этом, однако, большинство из нас старается бережно сохранить некий собственный, сообразно своему пониманию образ этой легендарной группы. Своего рода идеал, по которому сверяются какие-то новые явления, происходящие с The RS или её участниками. Да, тогда это были не те The Rolling Stones, что когда-то подарили миру "12х5" или, скажем, "Aftermath". Но это не отменяло того факта, что и в 1976 году "роллинги" продолжали оставаться великой группой.
Это были всё те же "роллинги", лишь слегка подкорректировавшие состав и играющие другую музыку.

МихаилБогданов   7 апр 2024

Уж от кого не ожидали камбека, так это от Houwitser. Нидерландские дэтстеры свой последний релиз издали аж в 2012 году - силами отечественного Coyote Records вышел DVD "Moscow Atrocity", а новый материал в виде "Bestial Atrocity" вышел ещё в 2010-м. Там, правда, группа впечатляла разве что скоростью, с которой из музыкантов сыпался песок - энергетика была на нуле, звук был не самый объёмный. Достаточно сравнить "Shredded to Pieces" с максимально агрессивного дебютника и версию 2010 года, чтобы осознать масштаб этой импотенции, показанной коллективом. В 2012-13 годах появлялись отрывки данных о новом альбоме, но ничего из этого как-то не выходило, а с 2014 года группа вообще отложила завершение альбома в долгий ящик и впала в летаргический сон. Команда крайне редко давала концерты, лишь по мере того, разрешали ли им это жёны и артриты-артрозы. Также группа забросила сайт, не публиковала информацию на страничках в соцсетях, не публиковала смены состава, разве что пару раз дала отмашку на переиздание старья. Тем удивительнее внезапное возвращение в 2024-м с новым альбомом на Vidar Records - практически без предупреждения.

Судя по гуляющему по Интернету старому демо, по крайней мере большая половина альбома была написана уже в 2014 году. Судя по звучанию, оттуда же взяты и некоторые треки и вокал Майка ван Мастригта, что вернулся в коллектив в 2012 году. Обложка, как сейчас модно, создана ИИ - вероятно, из-за дешевизны. Путаница также и с участниками записи - в сетевых релизах указать персонал банально забыли, а сканов буклета в свободном доступе пока нет. По звуку - явное улучшение в сравнении с предшественниками. До этого момента звук у Хаувитсера проседал, растеряв раннюю остроту. Здесь же всё вновь стало более старомодным и яростным. Хороши и жилисты на этот раз барабаны. На вокал вернулся легендарный ван Мастригт и сразу заткнул за пояс всех предшественников, показав, что со времён "Cross the Styx" его рык ещё никуда не делся. Бас пульсирует, периодически клином прорезаясь сквозь гитарный слой. Риффы мало отличаются от классических работ нидерландцев и олдскульны по своей природе - никаких премудростей и сверхнизких строёв. Из самых интересных для меня номеров стоит отметить вступительный "Burning Dogma", миниатюру "Warmonger", и среднетемповый ужастик "Ruin of Man".

Вот таким вышло пробуждение ветеранов богатой нидерландской дэт-метал-сцены. Эта банда на обломках Sinister уже в 2000-е своей тупорылой олдскульной манерой игры выгодно отличалась от новичков по типу Disavowed и Severe Torture и едва ли изменила себе четверть века спустя. Посмотрим, сможет ли группа быстро набрать форму после 10 лет хиатуса.

IJzerklompje   6 апр 2024

Название альбома такое внушительное и яркое, что проще через него пройти, чем обойти стороной. Но, впрочем, и без этого есть причины послушать этот альбом. Работа "Goetia" от фанатичных бразильских блэкарей Mystifier давно стала классикой жанра. На альбоме 1996 года нашлось чуть больше места разнообразию.

С самого начала нас встречает драматичный голос (потом он ещё не раз вернётся), сменяющимся дэтовым риффом. В дальнейшем на протяжении музыкального полотна в кучу смешаются и мелодичные элементы, и исконно блэковые - воображение у коллектива в этот раз хватило на разные, порой неожиданные, комбинации. Однако элементы, присущие классикам по типу земляков из Sarcofago, не вымерли полностью. Сырость, присущая раннему творчеству Mystifier, на продакшене уже не так очевидна, однако блэковая основа сонграйтинга сохранена. Группа знает своё дело, и все соло и клавишные куски не создают ощущения "заколхоженного" блэка. Нет таких моментов, где бы хотелось что-либо выкинуть. Все участники группы, что неудивительно, скрыты за демоническими псевдонимами. Барабанная игра Lucifuge так же крепка и богата, как на предшественнике. Клавишник Asmoodeus, если верить буклету, ответственен за все вокальные партии. И в таком случае многоликости его голоса могут позавидовать многие коллеги. От псевдооперного пения до злодейских причитаний, от гроулинга до блэковых визгов - всякий стиль, что на себя взял бразилец, вышел достаточно качественно. Это, конечно, в том случае, если на драматичные отрезки нам не требуется исполнение уровня Паваротти - эмуляция тенора вполне достаточна. На гитару был приглашен Пауло Лисбоа из Headhunter Death Cult, и отыграл он стандартно, включая добротные соло. Тем не менее, чувства катарсиса они не пробуждают. Названия песен не менее длинные, чем у альбома, и внутри них на слова коллектив не поскупился. Темы такие же, что раньше - оккультные, спиритуальные, дьявольские. Самые интересные, пожалуй, это "Give the Human Devil His Due" и "The Death of an Immortal...".

Данный альбом бразильцев можно смело рекомендовать к прослушиванию тем, кто не считает дэтовые элементы в блэке излишеством. Однако второй альбом Mystifier мне нравится больше. Хоть он попроще и чуть более затянут, зато в "Goetia" именно каноничный блэкенд-дэт получился чистым и очень отточенным. Здесь группа решила избежать стагнации и поэкспериментировать - не идеальный, но любопытный результат.

IJzerklompje   6 апр 2024

The Moaning (рус. Стоны) - коллектив из задворок Швеции, который по праву можно отнести к одному из самых лучших представителей скандинавской волны мелодэта, а также к категории "одной из самых недооцененных групп в жанре за всё время его существования". Музыкальный проект The Moaning создан при поддержке братьев Торквинстов, больше известных массовому слушателю по группе Scheitan, и привлеченных музыкантов из Satariel и Gates of Ishtar. В контексте названия коллектива так и напрашиваются строки выдающегося Некрасова: "Этот стон у нас песней зовется - Что же значит твой стон бесконечный?". Хоть и стоит внести ремарку, что на "стон" эта творческая артель явно не тянет, а вот под агонизирующий, воинственный и предсмертный вопль вполне подпадает. Вокал Пьера Торквинста, созданный горловым расщеплением (этакий каркающий скриминг а-ля croak), плотная по звучанию ритм-секция и мелодичные гитарные пассажи как минимум укажут на данный фактор творческой мысли коллектива. Прибавить сюда ещё величину инженерных идей Петера Тэгтгрена, где он явно воспользовался наработками из опыта своих проектов, типа Hypocrisy и The Abyss, и можно смело вешать ярлык одной из лучших записанных пластинок на волне золотой эпохи жанра. Что, в общем-то, недалеко от истины, особенно если учесть, что 1997 год стал неким камнем преткновения для стиля, когда он начал скатываться в коммерцию, ещё буквально только встав на ноги и толком не оперившись, стал подвергаться множественным, весьма спорным экспериментам в звучании. Супротив этому, исполнители из The Moaning выступили отъявленными ортодоксами, взяв за основу истоки истинного мелодик-дэта, базирующегося на стыке трэш- и дэт-метала, с явными мелодическими музыкальными фразами и гармониями, напрочь отметая уже приемлемые тогда своего рода новоявленные тенденции в жанре.

Альбом "Blood From Stone" - квинтэссенция шведского мелодичного дэта, впитавшая в себя все самые темные аспекты этого подвида металла, начиная от злобной лирики и заканчивая музыкальной составляющей, практически полностью пропитанной мрачной леденящей атмосферой. Большая часть музыки The Moaning буквально насквозь пронизана "чернушным флёром", более подходящим какому-нибудь заурядному блэк-металлическому акту. По эстетике восприятия это, конечно, ближе всего к легендарному в узких кругах творению "A Bloodred Path" от Gates of Ishtar, только ещё более лаконичному в своем исполнении. Где материал группы, безо всяких раскачек и прелюдий, рвет нахрапом, что называется, "с места в карьер", и держит в напряжении на протяжении всей длительности пластинки. Без малого практически 40 минут бескомпромиссного и мелодичного исполнения, явно не лишенного творческого таланта, учитывая, конечно, тот факт, какими глыбами от мира экстремальной музыки был создан этот продукт. Стоит также отметить интересную структуру песен, где на преобладающей дэт-металлической основе нашлось место вкраплению элементов из трэш-, хэви- и блэк-метала. В общем и целом, вырисовывается картина как минимум весьма качественного во всех аспектах альбома, который не только выдержал проверку временем, но и является своего рода жемчужиной в рамках жанра. А учитывая что коллектив, в силу многих обстоятельств, так и не обрел какой-либо приемлемой популярности при всех своих положительных сторонах, то и вовсе является поводом к прямому ознакомлению для всех ценителей мелодэта, которые по каким-либо причинам обошли этот шикарный альбом стороной.

Uncle Drown   6 апр 2024

Немцы Dust Bolt всю свою карьеру неплохо совмещали угар европейской и профессионализм американской школ thrash metal, и на предпоследнем, четвёртом альбоме «Trapped In Chaos» (2019) дали крен в сторону второй. Прошло ещё пять лет, и «американщина» окончательно взяла верх и, как уже видно из обложки, тевтонцы решили примодниться и даже, я бы сказал, немного поугорать. И хотя свежий опус «Sound & Fury» всё-таки можно отнести к трэшаку, но традиционных запилов стало в разы меньше, звучание и мелодика группы сильно изменились, но при этом в качестве группа не потеряла, а даже, пожалуй, приобрела.

Да, относительно скоростные композиции (а скорее всё-таки фрагменты) всё ещё присутствуют и неплохо бодрят, но адекватное восприятие этого в некоторой степени экспериментального альбома лежит через понимание такого стиля, как… stoner! Именно так группа решила разнообразить свой стиль, предпочтя среднетемповые и грувовые риффы с налётом southern, эпизодами индастриала, а местами и даже традиционного heavy. Но снижение скорости компенсируется неплохим плотным звучанием и, что самое главное, грамотно акцентированными и цепляющими припевами, уверенно исполненными достаточно умелым голосом Ленни Би.

Открывают альбом две самые бодрые композиции – модерново-грувовая Leave Nothing Behind с чуть ли не поп-панковским припевом и более энергичная традиционно-трэшевая I Witness, которая любителям олдскула должна прийти по вкусу. I Am The One – увесистый хэви-боевик, лично мне напоминающий последние альбомы Metallica, энергичная разухабистая New Flame отдаёт задором классического Anthrax. Burning Pieces – это уже практически чистый southern/stoner metal в духе лучших работ Corrosion Of Conformity. А заглавная и самая неоднозначная композиция хоть и не радует альтернативными ноющими куплетами, но цепкие предприпев и особенно припев вытягивают и этот трек до, как минимум, слушабельного.

Далее стилистический винегрет, который способны распробовать лишь истинные меломаны, продолжается, и каждый трек отличается от предыдущего, сохраняя некую интригу на всём протяжении альбома. Love & Reality – ещё один грувово-стоунеровый полухит и опять довольно простой и цепкий припев с хорами на бэках. После невнятного полутораминутного полу-интро Bluedeep идёт ещё один неоднозначный, но также довольно неплохой индастриально-хэвийный трек Disco Nnection (ахтунговый клип на который я был бы рад развидеть) и не совсем удачный заезд в альтернативу (но снова на основе стоунера) в You Make Me Feel (Nothing).

Feel The Storm тоже полна southern-фишками, но с трэшевым драйвом и (снова) классным мелодичным припевом, чем-то напоминающим… ранний Alice In Chains. Ну, и заключительный трек Little Stone с мелотроном, олдскульным ревером на вокале и ретро-аранжировками – привет то ли битлам, то ли позднему Marillion, то ли просто дань 70-м. Очень странная полу-баллада, закрывающая крайне неоднородный, но удачный альбом, который я бы назвал успешным экспериментом, что коллегам Dust Bolt по thrash-металлическому цеху удаётся далеко не всегда. Ну, а что касается излишней модерновости, которую отмечают многие критики, то фрагментарно «перехардкоренный» вокал и пару чисто юморных полу-танцевальных моментов – это всё, к чему бы я придрался. В остальном – очень неожиданный и прикольный альбом.

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum   2 апр 2024

Секрет теоретически невозможной популярности в России немецких трэшеров Exumer знает всякий, кто начал слушать экстремальную музыку еще в конце 80-х: дебютный альбом «Possessed By Fire» (1986) этой группы из Висбадена был довольно-таки оперативно переиздан на LP в Польше, и, соответственно, в немалом количестве попал на просторы тогдашнего СССР. Существует масса людей, которые даже сейчас имеют мало представления о том, что Exumer – группа вовсе не одного альбома, а уже целых четырех, невзирая даже на полное лицензирование их бэк-каталога в 2013 году. Но даже такие обскуранты будут очень рады «The Raging Tides» – он, как и «Possessed By Fire» является весьма технократической работой в первую очередь в смысле студийного продюсирования. Если дебют был записан главным на тот момент немецким специалистом по трэш-металу Харрисом Джонсом, то новинка в смысле звучания – дело рук бывшего технического директора фирмы Century Media и гитариста Grip Inc. Вольдмара Зорюхты. Герр Зорюхта знает толк в трэш-метале и в том, как сделать его коммерческим в нормальном смысле слова, то есть не идя ни на какие музыкальные, аранжировочные и звуковые компромиссы, В результате все композиции «The Raging Tides» записаны с невероятной чистотой, в которой слышно каждый самый малейший нюанс игры инструменталистов. Другое дело, что в музыкальном смысле Мем фон Штайн, Рэй Менш и их коллеги, по-прежнему остаются верны творческому наследию Slayer в объеме их трёх первых альбомов (1983–1986) – да так, что иногда оторопь берет. За пределами такого прямолинейного подхода остаются только номера «Shadow Walker» (не без попыток добавить в ритмическую структуру некоторого модного грува), да «Death Factory» с намеками на опять же старообразный хардкор. И, конечно, туда же попадает и бонус-секция с парой кавер-версий: в номере Pentagram «Forever My Queen» музыканты снижают темп до среднего и вязкий звук гитар начинает напоминать о понятно чьей композиции «South Of Heaven», а «Hostage To Heaven» Grip Inc., посвященная памяти вокалиста этого состава Гаса Чэмберса недалеко уходит от техно-трешевого оригинала. И пусть немало экспертов и даже простых меломанов в очередной раз осудит Exumer за их непреодолимое желание сочинять и играть как Slayer, однако делать этого не хочется - где теперь тот старый добрый Slayer? Да и слушать подобный материал на столь чистом звуке – одно удовольствие, пусть и своеобразное. Поэтому просто хочется присвоить «The Raging Tides» звание толкового ретро-трэшевого альбома и еще раз поставить CD в проигрыватель.

FallHammeR  29 мар 2024

Австрияки из Disastrous Murmur - достаточно заслуженная группа, из коллективов "австрийского триумвирата", однако поросятся сии вепри нечасто: "Santo Subito" - лишь пятый полноформатник за 30 лет. Австрияки всегда придерживались и продолжают придерживаться наиболее чисто металлического звучания в тройке. Обложка альбома на то намекает - эталонный мутант-уродец в соответствующем пост-эксгумационном обличии. Сейчас она не удивит никого, но своей простотой и незамысловатостью может пробить олдскулщиков на скупую слезу (как и положено тру-дэтстерам, плакать будут кровью). Но праздник для них на одном оформлении, по идее, заканчиваться не должен.

Звучание альбома несколько "цифровизировалось" и стало "тоньше", в девственном виде, какой-то атмосферы начала 90-х тут не валялось, однако, нет здесь и лоска, который не мешало бы навести группе. Вокал грубый, но не "всеразрушающий" - в миксе он негромкий, разнообразие достигается в основном лишь редкими эффектами. Риффы, в большинстве своём, недалеко уходят от шаблонов стиля - Эльвар Вармют не прыгает по нижней части грифа большую часть времени, а вот соляки, которые больше походят на квази-мелодэтовые риффы, кажутся рудиментарными, не подходящими в большинстве мест, куда были запиханы. В целом данный альбом можно сравнить с ручным волком - если есть настроение и если хозяин знает подход, можно сымитировать безопасную версию его диких повадок, а кое-где и поиграться с обыкновенными собачьими игрушками (проводя аналогию с миленькими "соло" тут и там). Однако это скорее не фальшь, а "реплика" из более простых композитов. Чуть удлинённые песни не кажутся полностью оправдывающими хронометраж - словно обычный трёхминутный боевичок удлинили схожими конструкциями (вышли эдакие кубинские кустарные лимузины из "Жигулей", но в формате дэтовой песни). Барабанщик Манфред Перак, уже единственный бессменный музыкант в коллективе, наоборот, представил вниманию небанальные партии, игра его притягивает на себя наибольшее внимание. Из наиболее интересных песен (а здесь они в достаточной степени одинаковы) отмечу немецкоязычный шлягер "Menschenfresser", стартовую "Stop Talking - Start Dying", да прикольную "Partially Executed Self-Cannibalism".

Итоговая оценка будет довольно субъективна - с точки зрения конкуренции на всеобщем водопое этот альбом не самый крепкий - выручает его заслуга лет музыкантов. Но по своей сути, для группы, которая имеет свою лояльную фан-базу, в Европе, которая играет дэт себе в удовольствие, гастролируя в своём темпе без боязни забвения - альбом вполне нормальный. Учитывая то, что группа не выдавливает из себя мириады штампованных новых пластинок, вполне приемлемый результат, который, как минимум, не разочаровывает. Так что шестёрка - не повод списывать альбом со счетов. Если вы любили Disastrous Murmur старого разлива, то полюбите и альбом 2019 года.

IJzerklompje  29 мар 2024

Wings Of Existence - это очень даже неожиданная группа - во всяком случае именно так она начинает свой свежий мини-альбом на три снаряда. Как-то очень резко и забойно.
Когда я снова начал понемногу ориентироваться в пространстве, то сразу и заметил (и это всего пятая строчка рецензии) нереальный саунд. Machine Culture обладает выстроенным звуком, подобным тому, как если бы их саунд-инженер обрел какие-то паранормальные способности. Ну, правда, я-то слушаю в высшем качестве, и потому все звуковые особенности мини-альбома у меня как на ладони.
Ну и что же нынче в меню Wings Of Existence? Все нелегко - Индустриализированный Прог-Дэткор. Стиль динамичный и злобно интенсивный.
Ритм-секция очень занятно здесь молотит, а потом и вовлекает в этот интегрированный производственный процесс, причем где-то не так глубоко в трэках прописаны синт-партии (иногда прямо-таки хищные и античеловеческие — мечта мизантропа). Там присутствуют даже синтезированные голоса, или точнее говоря, примоченные электроникой голоса.
Основной вокал - интенсивный харш, записанный, как мне показалось, в пару-тройку проходов, ибо положен он очень плотно — с небольшими паузами. И так же не очень глубоко здесь прикопана милая атмосфера индустриального эмбиента, которая только на небольшой срок напрямую открывается уху слушателя. Но она там есть всегда.
И чтобы покончить с синт-существами (пока они не покончили с нами), надо сказать, что электронные клавиши присутствуют на мини-альбоме повсеместно - где-то скользкие, где-то, наоборот, шершавые, а где-то будто выныривающие из пятого измерения - для адреналина.
Гитары здесь работают в стиле парового молота, а также в виде производителей главных аудиальных опор в этом странном музыкальном мире. Можно сказать и об особом украшательстве за счет струнных, но не стоит сильно переоценивать этот фактор. Так - на бетонной колонне черкнули пару ласковых.
Всем ли металлистам это можно слушать? Конечно, не всем. Потому что некоторые их них погрязли в собственноручно созданных клише и предрассудках. Но попробовать стоит. Так интереснее жить.
В плане лирики автор обратился к фантастике, которая повествует о нашем ближайшем будущем - когда тупиковую ветвь Homo Sapiens сменят андроиды или типа того. Почему я об этом говорю, если практически никогда не касаюсь текстов исполнителей? Только потому, что идея дегуманизации данной планеты весьма под стать хорошо обезжиренному(зачеркнуто) обесчеловеченному музыкальному содержанию.

resurgamresponses  27 мар 2024

Очень часто лучшие альбомы получаются у метал-групп тогда, когда они находятся на стадии перехода. Обретя себя в определённой нише, будучи на ее вершине, они находятся в поиске новых творческих решений, разбавляя своими находками стандарты поджанра. Так было у Amorphis с их гениальным "Tales Of The Thousand Lakes", так было у Therion в 1995-1996, так случилось и у Tiamat: войдя в высшую лигу Death/Doom-метала, Юхан Эдлунд двинулся в сторону психоделического готик-рока, и на этом пути выпустил свой эталонный "Wildhoney", одно из лучших произведений музыки 90-ых.

Открывая альбом тихим гитарным перебором под поющие звуки леса в одноименной композиции, первым же полноценным треком "Whatever That Hurts", группа погружает нас в свой новый мир - незадолго до записи альбома Юхан уволил всех музыкантов и собрал новый состав для записи, чтобы единолично реализовать все накопившееся идеи. И если "Whatever That Hurts" создает мостик с "Clouds", то уже "The Ar" открывает нам новый Tiamat: древние символы, марширующий основной бридж, с сохранением грязноватого звука и с хоралами - лучи солнца мелькают в этом калейдоскопе, прерываясь в середине трека на какие-то промышленные звуки, создавая всем этим очень яркую песню. Далее, этот же кусок индустриальщины в инструментале "25th Floor" обрастает какими-то совсем психоделическими звуками, для того, чтобы... Чтобы явить главную жемчужину альбома - "Gaia". Посвящение родной планете прекрасно. Открываясь изумительным клавишным мотивом, подобно свежему весеннему воздуху, трек наполняет лёгкие, всего тебя, ощущением красоты и лёгкости полёта. Бесподобное соло как кульминация. "Gaia" выпускалась отдельным синглом, но полностью красота её раскрывается именно после подводки "Whatever That Hurts" / "The Ar". Но любой полёт заканчивается, и качающаяся лодочка "The Visionaire" снова возвращает нас в думовое прошлое группы, не без влияния арт-рока, конечно же.

Следом начинается последняя часть альбома, целиком и полностью написанная под влиянием Pink Floyd. Причём не являющаяся их копией, а представляющая самостоятельное произведение, вдохновленное классикой. "Do You Dream Of Me"? Подобно сну, имеющая стройную акустическую линию повествования, восьмая композиция обволакивает всё плотнее, делает воздушным, и отрывает от поверхности. Щемящее соло в конце окончательно заставляет распасться на частицы и оказаться среди мириад планет... И лишь последний трек, "A Pocket Size Sun", самая галлюциногенная песня альбома, путём каких-то медленных жутковатых мелодий неведомой тропой возвращает нас обратно, в повседневный мир.

Tiamat выпустили настоящий шедевр, и даже если бы "Wildhoney" был их единственным альбомом, "дикий мёд" навсегда обессмертил эту шведскую команду.

Zmej Gorynych  27 мар 2024

Ну да, - мелодик, но такой мелодик, который на ура заходит и любителям погорячее и побрутальнее.
Да к тому же у меня возникли кое-какие ассоциации уже буквально с самого начала, например, с олдовым US Death Metal. Не таким олдовым, который совсем в клочья, а который аккуратно и очень драйвово проезжает меж полушарий мозга слушателя.
Мелодично, с хорошей порцией (по нашим понятиям) гитарного музицирования, которое отлично поддержано вокальными темами, - ибо тут есть основной вокалист и два музыканта, которые иногда помогают ему, исполняя бэк-вокалы. Бэки - не постоянно, но как опция имеются, и довольно толково и профессионально добавляют угара в общее железобетонное полотно.
Дабы уж закруглить тему с певцами, скажу, что с общим саундом альбома группа принципиально озаботилась (стремилась к этому) и насколько могла, воплотила свои не самые простые мечты в области вокального сопровождения. Во всяком случае, необходимые ингредиенты, такие как суровая резкость, рыковая эмоциональность, исполнение на пару голосов и собственно внушительность - выполнила=добавила. А если учесть, что в некоторых позициях (The Guest Of Heritage) вокальные экзерсисы стали УЛЬТРАведущими (перетянули на себя стальное одеяло), да еще и к тому же вдруг музыканты припилили высокий Power Metal вокал (прикольно, неожиданно, респект), то в итоге понятно, отчего пока все крутится вокруг вот этих вокалов.
Группа применила в альбоме атмосферные решения — звучки, фишки. И удивительно, что они почти всегда к месту. И это - достижение INNERSIDE - ибо другие команды нередко перебарщивают с такими темами. Тут очень тонкая грань, и для каждого слушателя своя «красная линия».
Атмосферно, впрочем, иногда музыканты строят и сами треки, вот вам пример - Xenomorf Invasion. Мид-темпово, развернуто, не спеша - будто раскладывают улики после завершения вторжения ксеноморфов (ксеноморфы и раскладывают). И думается - этот трэк неплохой образчик песни Innerside, в которой музыкальное давление реализовано в сторону расширения сознания(зачеркнуто) объема композиции.
Не стоит думать, однако, что музыканты только и терли бошки кулаками: «А чего такого придумать, типа, позаумней». На альбоме - ряд композиций просто угарных, как дэтовых, так и с трэшевым влиянием и классным драйвом, нацеленных на исполнение на концертах, когда толпа должна бесноваться и слэмовать — Funeral Debauchery. Очень приятно, что гитарист и здесь исполнил такую дерзкую и «заумную» космическую фразу на 3.25. Ха, нашел инфу - Funeral Debauchery outro solo by D. Miroshnichenko. \m/
В целом - имеем вполне себе разнообразный альбом в рамках стиля. Нормально (профессионально) сыгранный и записанный.
Кто еще нет, пора.
P.S. В финале музыканты исполняют нетленку America the Brutal (Six Feet Under cover). Органично и в тему получилось. Дань грандам. Причем сместили акценты, как мне показалось, в дэтовую сторону.

resurgamresponses  21 мар 2024

В 2005 году из состава именитых шведов Entombed выпал Ульф Сенделунд - постоянный участник группы, годом позже за ним последовал и ударник Петер Стярнвинд. Восполнение кадровых потерь было решено лишь частично - Алекс Хеллид взял на себя все гитарные обязанности, а на место барабанщика позвали Олле Дальстедта. Примерно идущий в том же ключе, что и предыдущие две работы, "Morning Star" и "Inferno", новый полноформатник оказался последним для группы на данный момент. Насколько хорошей вышла работа, ставшая относительно неожиданно для самих дэтстеров, лебединой песнью коллектива?

В первую очередь следует отметить смену звучания на более дэт-металлическое, от сырости отказались в пользу возвращения элементов старой, шведской брутальности. На диске изменился и вокал Ларса-Йорана Петрова - он вернулся к манере более привычного и глубокого полугроула. К былой загробной технике вокалист уже не прибегает, его хрипящий вокал достаточно легко разобрать. Касаемо музыкальной части, то новый барабанщик стучит чуть менее уверенно, чем оба его предшественника, ударные сбивки представляют собой стандартную работу и сильно обделены оригинальностью. Хеллиду же не нужно доказывать, что он умеет играть на гитаре, качество игры не позволяет накинуть камней в его огород. Совсем другой разговор - качество исполняемого материала. Относительно прошлых работ, музыка на "Serpent Saints" является, пожалуй, наиболее скучной. Риффы по большей части влетают в одно ухо, и едва задерживаясь в мозгах, вылетают через другое. Нет и каких-то по-настоящему интересных фишек, за которые зацепилось бы ухо, а на банальных переборах на клине далеко в плане неординарности не уедешь, что уж там, этого едва ли хватит чтобы тронуться с места. Соляки также не радуют яркостью. На первой стороне, если не считать, пожалуй, открывашку, нет хитов - песни достаточно слабы. Особенно это касается невнятного набора терминов и названий из времён дэт-андеграунда "Masters of Death" и следующей за ней пьесы "Amok". Во второй половине хитовость материала слегка повышается, так же уменьшается средняя длина песен. Отсюда стоит, пожалуй, выделить "The Dead, the Dying and the Dying to Be Dead" и "In the Blood". А вот "Ministry" показалась чересчур панковской, что почему-то не заряжало энергией, а лишь раздражало на протяжении трека. Лирическое наполнение альбома - другой явный минус альбома. Юмора тут сильно не хватает для, казалось бы, содержащего иронию в своём ДНК жанре дэт-н-ролла (хотя последнего тут не так много, в принципе). Слишком много пафоса и слишком мало креатива вложили шведы в слова. Хронометраж у альбома стандартный, но наполнение банальное, поэтому у неусидчивых даже эта 41 минута может стать небольшим испытанием.

Если сравнивать эту работу, ставшую в дискографии оригинальных Entombed замыкающей, с остальным творчеством группы, то можно заключить, что новый диск не остаётся в выигрыше. Да, музыка ступила чуточку назад, звучание группы стала ближе к корням и "старому доброму" дэту, но данный альбом показывает, что эта схема далеко не беспроигрышная - качество материала всё ещё играет высокую роль. За весьма мощные треки на позициях 1 и 8, а также за местами интересные риффовые решения, а также за то, что альбом является последним, моё скромное мнение будет выражено шестёркой. Однако в других условиях данный скучноватый полноформатник мог бы схлопотать и пятерку из десяти. "Serpent Saints" - определённо не триумфальный финальный аккорд группы и точно не тот альбом, с которого следует начинать с группой знакомство. Хотите открыть для себя Entombed после пика олдскульного шведодета - обратитесь к славному "Morning Star".

IJzerklompje  21 мар 2024

Шведский проект Bloodbath, который заслужил много всяких громких эпитетов, типа "All-Star Project" или "Project of Your Dreams" (это как вам больше нравится), думаю, неизвестен разве что только глухим от рождения, да и то это не точно. В изначальный состав входили совершенно неизвестные мне (как и всей метал-общественности) только-только начинающие музыканты, и их имена вам ровно ничего не скажут... так, чисто для галочки, назову их. Это некие малоопытные, с позволения сказать, "музыканты", имеющие шведское гражданство: Dan Swano, Jonas Renske, Anders Nystrom и Mikael Akerfeldt.

Если отбросить неудачные шутки куда-нибудь подальше, то перечислять откуда эти достойнейшие господа нет необходимости, в том числе и потому, чтобы случайно не обидеть читателя данной рецензии. Поначалу проект Bloodbath, насколько я понимаю, задумывался для того, чтобы возродить (или хотя бы просто повторить) дух ранних олдскульных работ шведского дэта начала 90-х, типа "Clandestine", "Into the Grave", "Shadows in the Deep" и, конечно же, лучшего, по моему нескромному мнению, "Like an Ever Flowing Stream". Про "самый классический, эпохальный и дико олдскульный" "Left Hand Path", я, конечно же, не забыл, просто сколько лет его ни слушал, так и не смог понять как музыку на нём, так и его роль в становлении сцены - разве что только потому, что этот диск вышел в 1990, а не годом позже, когда как раз подоспели со своими откровениями практические все будущие монстры шведского дэта.

И ведь не обманули тогда широко разрекламированные Bloodbath своих, тогда ещё только потенциальных, поклонников, выпустив практически друг за другим EP "Breeding Death" и первый полноформат "Ressurection Through Carnage". Всё получилось более чем достойно. Даже почти шедеврально. Примерно на 9,666 из 10 по местной классификации. Далее временно отошёл от дел Mikael Akerfeldt. И его заменил не кто иной, как Peter Tagtgren собственной персоной. Странно только, что его взяли как вокалиста, поскольку вокал никогда не являлся его сильной стороной, тем более гроул. Но он на удивление неплохо справился с поставленной задачей и в итоге мы получили ещё один кусок высокопробного элитного олдскульного шведского дэта "Nightmares Made Flesh". После этого группу постигло одно из самых трагичных событий. Их, как это принято говорить, постигла невосполнимая утрата, а именно, ушёл из жиз... стоп, всего лишь из группы талантливый мультиинструменталист Дэн Свано. И ладно бы он просто стучал палочками по барабанам и бренчал на гитарке, а он ведь автор или просто соавтор доброй (и тем более злой) половины кровавобанных нетленок. После этого в состав опять заглянул "на огонёк" Mikael Akerfeldt, но видимо этот самый "огонёк", как водится, затянулся, и он чисто по-дружески согласился немного порычать и даже написать несколько текстов для альбома. И надо с огромным сожалением признать, что записанный в результате "The Fathomless Mastery" стал фактически концом свободного творческого пути проекта и далее, как в известном кино, пошёл чистый бизнес.

По непонятным причинам из вечнодождливой Англии был первым же рейсом вызван весьма топовый (и местами даже ПОПовый) вокалист Ник Холмс, с которым и были записаны все последующие работы коллектива. Первый альбом с Ником "Grand Morbid Funeral" был довольно слушабелен, несмотря на мерзкий (в самом плохом смысле этого слова, даже для дэта) вокал. Диск местами даже нескучен, да и не лишён неплохих композиций. А вот следующий "The Arrow of Satan Is Drawn" не понравился мне совершенно полным отсутствием не только хитов, но даже и толковых мелодий, сколько я не пытался их там найти. Ну и в угоду сомнительной оригинальности оставивший за бортом всё остальное классическое наследие Bloodbath и взявший в итоге курс на что-то, на мой взгляд, почти неинтресное и плохо слушабельное.

Сегодня мы будем говорить о последнем на сегодняшний день полноформате Bloodbath, носящем гордое имя "Survival of the Sickest". Сначала поговорим о немногих плюсах. Первое, оно же главное. Диск на голову выше своего предшественника, поскольку тот, на мой взгляд, просто представлял из себя (измеряя мерками Bloodbath) альбом-недоразумение, где многим рулил непонятный гитарист Joakim Karlsson из совершенно непонятно почему до сих пор существующей "дарктронообразной" группы-недоразумения Craft. К счастью, после записи альбома Карлссон улетел, но возвратиться не обещал. А на обозреваемом творении мы имеем сочный, жирный и даже немного грозный дэт-метал, который записан по последнему слову техники современных дэт-альбомов (хотя в своё время это самое последнее слово техники сгубило великое множество блэк- и дэт-произведений, записанных даже не буду говорить кем и в какой студии). Да уж, здесь, конечно, профессионализм музыкантов не вызывает никаких сомнений. Поскольку за 35 с лишним лет любая подающая надежды цирковая обезьянка вполне сносно научится играть на гитаре или басу. Хотя немного неудачное сравнение, поскольку конкретно к Блэкхэйму у меня никаких претензий нет и никогда не было. Также здесь присутствует просто жемчужина, а именно композиция "Affliction of Extinction", способная войти в золотой, а может даже алмазный фонд хитов Bloodbath. Решил её отметить только потому, что на предыдущих двух альбомах у Bloodbath было всё довольно ровно, в самом плохом смысле этого слова. Хотя последняя вещь "No God Before Me", медленная и тяжёлая как танк, тоже весьма недурственна. И как раз была бы достойным завершением всего творчества Bloodbath, ведь невооружённым ухом слышно, что музыкантам давно уже не в кайф заниматься тем, что они сейчас делают. От искренности и ярости первых четырёх альбомов не осталось и следа...

Теперь о многочисленных минусах. Во-первых, мы всё это уже где-то когда слышали и не раз. Количество "сереньких" композиций в разы превосходит и без того не очень удобоваримый контент. Ну и, конечно же, вокал... Ну Швеция, ну дэт-метал, это всё понятно, но причём здесь этот чёртов Холмс, который уже давно нам всем доказал, что петь как на "One Second" и "Host" ему больше всего по кайфу. И в идеологическом плане насчёт Ника вообще ничего не ясно. Как этот человек, схватививший ещё в далёком детстве неизлечимую болезнь под названием "христос головного мозга", попал в ряды этих "злобных сотонистоф", ведь нетленку Katatonia "Without God", придуманную главными идеологами коллектива Блэкхеймом и Ренске, никакими условными "ластиками истории" из анналов мировой музыкальной культуры уже никак не сотрёшь. Или, например, оформление "Grand Morbid Funeral" просто изобилует маленькими крестиками, повёрнутыми по старой доброй традиции на 180%. Очень странно, что "верун" Ник решил почему-то всего этого не заметить. А ведь его религиозные заморочки никуда не делись, доказательством чему служит песня "The Devil Embraced" на альбоме "Obsidian" его родного коллектива.

Ну в любом случае надо уважать Bloodbath за попытку реанимировать умирающий жанр, тем более что в самой Швеции олдскульный дэт фактически уже никто давно не играет. Были Grave, которые каким-то чудом смогли выкарабкаться из могилы в 2002-ом, уже в 2015-ом передав последним альбомом огромный "респект и уважуху" всем своим собратьям по загробной жизни, судя по всему к ней же и вернулись. Или вот Unleashed до сих пор вроде играют что-то похожее на правильный шведский дэт, только вот если взять их последние три-четыре альбома становится видно, что вокально-текстово они поют о всё тех же славных подвигах викингов, в то время как музыкально их песни вообще давно уже ни о чём, к огромному сожалению. И изменений к лучшему даже пессимистам со стажем ждать не советую. Также был гражданин Швеции со стандартной для шведов фамилией Петров, который ушел из насквозь дэт'н'рольного Entombed, и назвавшись Entombed A.D. искренне попытался понарезать стандартной олдскульной шведятины. Но после пары, мягко говоря, довольно средних альбомов сей проект, да и лично сам товарищ Петров, приказали всем долго жить (R.I.P.).

А я уж лучше пойду и послушаю (за неимением особых альтернатив в современном дэте) уже много лет подающий надежды норвежский дэт-бэнд Blood Red Throne, например. А данному творению могу поставить только 5 баллов из 10 возможных. А очень хотелось бы и больше 6, но за обманутые ожидания альбому минус 1 балл. Думаю, что это вполне справедливо.

Nightlord  17 мар 2024

ГЕРОИ ВЧЕРАШНИХ ДНЕЙ.

Многие, наверное, помнят, что была у Машины Времени ироничная песенка с таким названием. В ней не было имён и вообще никакой конкретики, разве что тонкие намёки. Там у Макаревича был такой рефрен: "Я не хотел бы быть записанным в герои вчерашних дней...", указывающий на то, что в виду имелись не самые достойные персонажи. В той стране в конце 80-х годов ушедшего столетия, как, пожалуй, и сейчас у нас, опростоволосившихся политических и государственных деятелей, артистов и актёров, спортсменов и музыкантов, которым могла быть посвящена та песня, было, что называется, пруд пруди.

Упомянув музыкантов того времени, в числе первых почему-то хочется назвать легендарный британский квартет Nazareth. Не исключено, что подспудно Макаревич в свой список включил и этих шотландцев.

Если кто забыл, готов напомнить, что в программе их альбома "Cinema" девять номеров и все девять являются "интеллектуальной собственностью" Nazareth. В программе же "Snakes 'n' Ladders" номеров чуть больше, но сразу три из них - кавер-версии не самых, надо признать, популярных авторов. Тут одно из двух: либо опытные уже музыканты, вспомнив славное прошлое, решили разбавить свой не ах какой материал, либо им просто-напросто не хватило собственных заготовок. Обычное, казалось бы, дело, но невольно возникают вопросы: по какому принципу делался выбор каверов и кто это делал?

Самой раскрученной из этой тройки принято считать композицию "Helpless" небезызвестного автора и исполнителя Нила Янга. Впервые она была записана на пластинке 1970 года под названием "Déjà Vu" легендарного квартета "Crosby, Stills, Nash & Young". Возможно, известность свою эта песня обрела именно благодаря этим четверым, хотя сам автор более 400 раз выходил с нею на разные подмостки как в составе квартета, так и сольно и в прочих сочетаниях. Одним из самых памятных было его выступление с командой The Last Waltz, когда в ноздрях Н. Янга просматривались столь очевидные следы кокаина, что режиссёру Мартину Скорсезе в ходе монтажа видеозаписи того концерта пришлось вырезать несколько фрагментов с крупными планами Янга.

В исполнении Nazareth звучит флегматичная мелодия, в основе которой два аккорда, старательно выводимые Мэнни Чарлтоном на чуждых ему клавишных инструментах под жалобные сентенции Дэна Маккафферти про "синие окна на фоне ночного неба с большими птицами, зависшими в этом небе, и отбрасывающими тени в наши глаза...";
Есть ощущение, что сам М. Чарлтон и выбрал эту несложную, пусть и печальную песню, чтобы попробовать себя в качестве пианиста. И если даже у него и получилось, "Helpless" достойна лучшего кавер-применения.

Номер блюзмена Тима Хардина, участника знаменитого рок-фестиваля Woodstock-69, в оригинале назывался немного иначе ("How Can We Hang On To A Dream"). Хардин из тех белых представителей американского блюза, про которых можно сказать "умер молодым", хотя и не являлся рокером. Случилось это несчастье ещё в 1980 году. Диагноз врачей: не совместимая с жизнью доза героина. Тиму было 39 лет. К этому времени музыкант уже жил на две страны (США и Великобритания), причём "наркоманил" он в Америке, а лечился от этой напасти в Англии. Т. Хардин автор и первый исполнитель этой песни, которая когда-то в 1966 году оказалась на его дебютном сингле.
Версия с усечённым названием ("Hang On To A Dream") впервые прозвучала в исполнении известной группы Nice, хотя ранее эту песню перепели Джонни Холлидей, голландский певец Руди Беннетт, группировка Gandalf; Да и позднее за "Hang On To A Dream"" с разной степенью успешности брались музыканты самых разных направлений.
И вот наступил черёд Nazareth. Озвученную квартетом вариацию никак не назовёшь зажигательной. Пожалуй, хотелось бы даже задать пару вопросов, и первый из них - зачем? Скорбная мелодия с трагическим вокалом Д. Маккафферти и банальным сюжетом про любовь, которая ушла, с бесконечно повторяемой фразой "что я могу поделать, она говорит, что между нами всё кончено..."; Единственное светлое пятно в версии Nazareth - гитарная партия М. Чарлтона в средней её части. Так мне представляется.

И вообще, Мэнни Чарлтон отменно проявил себя в работе над "Snakes 'n' Ladders" даже когда пытался что-то продемонстрировать на клавишных инструментах, быть может, не слишком убедительно, а порой просто наивно. Для песен Nazareth, впрочем, этого оказалось достаточно. Как тут не вспомнить, что при записи "Cinema", он к клавишам даже не прикасался.
Практически без клавишных Чарлтон обошёлся и в треке "Piece Of My Heart", претендующей на балладу с хард-роковой основой и простой, казалось бы, гитарной партией. Эта песня была написана американским авторским дуэтом J. Ragovoy - B. Berns для негритянской соул-исполнительницы Ирмы Фрэнклин, одной из двух сестёр уже состоявшейся к тому времени американской звезды музыки госпел и соул Ареты Фрэнклин. Озвученная Ирмой песня в 1968 году номинировалась на премию Грэмми, но все почести тогда перепали старшей из сестёр Фрэнклин, Арете, а Ирма, что называется, осталась "при своих". Однако в том же 68-м году свою версию " Piece Of My Heart" в составе Big Brother And The Holding Company с успехом исполнила восходящая блюзовая звезда Джанис Джоплин и песня стала хитом года на просторах всей Северной Америки.

Возможно, этим и был обоснован выбор Nazareth. Оставалось лишь не промахнуться с выбором варианта её исполнения. Всё говорит о том, что в Naz. тогда не промахнулись.

Итак, если для сравнения на одну чашу условных весов водрузить программу "Snakes 'n' ...", а на другую всё тот же трёхлетней давности всеми гонимый альбом "Cinema" (а сравнивают, как правило, с тем, что было, а не с тем, что будет), то наметится, думается мне, примерный баланс. При этом определённо не в пользу "Snakes 'n' ...", если принять во внимание, что альбом 1989 года не подвергался той жёсткой обструкции, что многострадальный диск 1986-го. Ведь вот что получается: при примерно равном числе позитивных номеров в обоих LP (а в "Змеях..." таковыми следует считать треки "We Are Animals", разумеется, "Donna - Get Off That Crack" и, пожалуй, "Lady Luck") и песен-пустышек (опять же, в "Snakes 'n' ..." это "The Key", "Back To School" и, как по мне, так ещё и "Trouble"), в рассматриваемом альбоме три (две так уж точно!) откровенно скучные композиции. И это всё кавер-номера.
Наверняка кто-то со мной будет не согласен, так я и не настаиваю во всём со мной соглашаться. И всё же...
И всё же, повторюсь, стрелка весов отметит приблизительное равновесие между этими двумя соседствующими пластинками. Стало быть, "Snakes 'n' Ladders" ни в чём не превосходит "Cinema";

Вот говорят, что своим LP 1989 года, группа совершила попытку вернуться к своему былому рок-звучанию, за что поклонники её и ценили десять-пятнадцать лет назад. И, значит, в той же степени попыталась отмахнуться от набившей всем оскомину экспериментально-коммерциализированной музыки, в которую квартет по уши влез на стыке 70-80 годов. Но на Британских островах даже патологические почитатели творчества Naz. отнеслись к этим проявлениям с недоверием.
Да и как могло быть иначе. Слишком много минуло времени, и слишком многое было упущено. И следовало ли ожидать от музыкантов, коим уже было за сорок лет, что они с прежней лихостью заиграют как в 27-28. Времена стремительно менялись, как менялись и кумиры со-своими поклонниками. Появлялись новые герои с новыми песнями. И если даже это были не совсем привычные песни, у них находились другие поклонники.

А популярность Naz. к концу десятилетия 80-х сместилась в Восточную Европу и ближнюю Азию. В том же 1989-м группа впервые посетила Советский Союз, к тому времени стараниями М. С. Горбачёва и немцами из Scorpions распахнувшего так называемый "железный занавес". А, допустим, в индийском Бомбее на одной из площадей города музыканты Naz. совместно со шведами из Europe собрали толпу в 150 тысяч человек. С того времени британский квартет (и не только он) начал наведываться в Союз (а затем и в Россию) с завидной постоянностью. Так, скажем, в 1990 году Naz. у нас дали более двадцати представлений, правда, пока что в Москве и Ленинграде, но уже в следующий свой заезд взялись осваивать и российскую глубинку.

Возвращаясь же к альбому "Snakes 'n' ...", непременно следует отметить пару треков с самыми интересными, думается мне, в программе сюжетами. Один из которых "Lady Luck" про неисправимого оптимиста, всегда и везде полагающегося на удачу и везение, но так ни в чём и не преуспевшего:

"... Начну с того, что с женщинами мне не везло.
И тогда я решил испытать себя в картах,
За этим и отправился в Неваду,
Чтобы сразиться с ними по-взрослому.
Но по мере того, как таяли мои денежки
Мои руки сами собой опускались,
А дела не становились лучше,
Пока совсем не сошли на нет...
... Госпожа удача, так что же ты?
Госпожа удача, стань же на мою сторону
Ради той, кто мне дорог..."

В конце концов герой этой эпопеи взялся за гитару и начал играть в некой южной буги-группе, но те женщины, что ему встречались, советовали ему заняться фермерством, там у него должно лучше получиться. Но он упорно гнул своё и все заработанные деньги тратил на цацки для непотребных девок...
Жёсткая размашистая блюзовая исповедь хронического неудачника с мелодией и экспансивным вокалом Маккафферти, как нельзя лучше соответствующими характеру текста под неистовую слайд-гитару М. Чарлтона и аутентичную ритм-секцию.

Ещё более суровая тема затронута в "Donna - Get Off That Crack" с разудалой мелодией, которую как костяной остов формирует ритм-секция. Чтобы уже на этот скелет М. Чарлтон нанизывал свои заразительные, пусть и однотонные гитарные пассажи.

"... Ты не платишь по счетам и за жильё,
Но знаешь, куда уходят все твои деньги.
И к кому ты обратишься, когда они закончатся?
Тебе только и останется изводить себя вопросом -
Зачем ты родилась...
... Донна, оставь эту дурь -
Гласит надпись над дверью квартиры
На третьем этаже.
Донна, оставь эту дурь,
Просто скажи "нет" и измени свою жизнь..."

Злая правда жизни докатившейся до предела женщины, единственной отрадой в которой для неё остаётся очередная, быть может, самая последняя доза...

Из коллектива, где всё хорошо просто так не уходят. Это аксиома. Даже под благовидным предлогом заняться сольной деятельностью. Ещё одной из причин того, что Мэнни Чарлтон покинул группу, называлось возникшее недопонимание между музыкантами и компанией Vertigo, накопившей к Naz. ворох претензий. Наверное, нечто подобное имело место быть, но, похоже, было и что-то ещё.
Отчасти испанское происхождение Мэнни Чарлтона отразилось не только и не столько в его цыганистой внешности, но в какой-то степени и в определённых чертах его характера. Южная непоследовательность и испанская расточительность, не однажды проявлявшиеся в решениях Мэнни и его действиях, крайне мало соответствовали типично британской собранности и чисто шотландской прижимистости, на грани со скупостью. М. Чарлтон уже не раз намеревался покончить с необходимостью пребывать в команде, где не ощущал себя в полной мере комфортно. Нельзя исключать вероятности, что его окончательный разрыв с многолетними партнёрами по Nazareth был связан не с одними лишь творческими разногласиями, но и с некой отстранённостью в отношениях с остальными. Не надо забывать и о том, что Чарлтон бы заметно старше всех в группе. На момент выхода в релиз "Snakes 'n' ... " ему уже стукнуло 47 лет.

Вся его последующая жизнь свидетельствует о том, что Мэнни по большей части тщетно пытался найти себя. Сольная карьера не задалась, в 1998 году он перебрался на ПМЖ в Штаты, где в солнечном Техасе даже сформировал МСВ (Manny Charlton Band), но и с ним не преуспел. А в 2022-м его не стало...

В Nazareth Чарлтона заменил значительно более молодой Билли Рэнкин, с адаптацией которого в составе проблем не возникло, ещё памятно было пребывание Билла в группе в начале 80-х годов.

Думаю, ни для кого не секрет, что "Snakes 'n' Ladders" - это название популярной в британских семьях настольной игры. Чаще в неё играли дети, считалось, что она развивала соревновательный дух, хотя по сути - это обычная гонка, основанная на удаче одного из двух или нескольких участников. Игра символизировала собой жизненный путь, осложнённый лестницами (добродетелями) и змеями (пороками).

Допускаю, что программа альбома Nazareth формировалась под уже задуманное название.
И тут ещё один неизбежный вопрос. Допустим, что всё так (или примерно так) и было, что тогда в этой своей программе музыканты, да и Дж. Балин (неплохой режиссёр и киноактёр), пожалуй, подразумевали под пороками и что под добродетелями? И кто в состоянии теперь на этот вопрос дать ответ, если трое из квартета (как и их продюсер) уже оставили наш с вами мир? Разве что старина Пит Эгню, но стóит ли беспокоить пожилого человека по такому пустяку?

МихаилБогданов  15 мар 2024

Новость о новом альбоме Judas Priest, которым как группе официально стукнуло 55 (в текущей форме без Эла Аткинса де-факто да год-два поменьше) никого не застала врасплох - процесс создания альбома, как часто бывает у таких бывалых групп, растянулся на больший отрезок времени, чем ожидалось группой и фанатами - во многом сыграли роль прогрессирующая болезнь Паркинсона у блестящего Гленна Типтона и вездесущая, но к сегодняшнему дню забытая мировая пандемия. Тем не менее многочисленные обещания и вера фэнов в то, что ящик упаковки делюкс-издания выйдет скорее ящика кого-либо из участников (а подступы костлявая успела за период меж альбомами сделать и к Хэлфорду, поставившему рак на своё истинное жалкое место, и к Фолкнеру, который, несмотря на разрыв аорты и почти неминуемую гибель, героически отыграл соло Painkiller) осенью 2023 года начали преобразовываться в вещдоки, говорящие о существовании девятнадцатого по счёту труда. Не нагнетая лишнего саспенса, группа не заставила метал-маньяков долго ждать и выкатила довольно яркие синглы. Прослушав их, я остался более чем удовлетворён, но всё же не впал в щенящий восторг. Остались ли у альбома другие козыри под ядерно-ослепительной обложкой от старого друга Марка Уилкинсона?

Звук альбома, конечно, не такой атакующий, как в 80-е годы, потому что место под солнцем уже не нужно оспаривать и отвоёвывать, и не создает ностальгии по славным временам, как тут и там это было в также мною почитаемом "Firepower". Энди Снип, который в этот раз принял ограниченное участие в гитарном элементе альбома, не допустил перелома в негативную сторону после относительно неудачного в этом плане "Redeemer of Souls". Этот парень - опытный продюсер, на счету которого удачное освежение Saxon, Exodus и Megadeth, и Присты не должны жалеть о своём выборе ни на секунду. Главная его заслуга в том, что группа всё ещё звучит очень свежо и одновременно входя в рамки того, что считается Judas Priest, не ударяется в прошлое настолько, чтобы в новом альбоме нечего было бы назвать "новым". Стена звука не переполнена бетонным заполнением, мелодии гладкой ажурной ковкой распространены по альбому. Робу Хэлфорду уже за седьмой десяток, и то, какой процент своих певческих навыков он сохранит в достойной кондиции на новой пластинке - интересовало почти всех. Благородный английский лев умело манипулирует постаревшим голосом, максимально учитывая свои ограничения и возможности, он исполняет и распределяет акценты так, как видит для себя возможным, не пребывая в иллюзиях, на которые было бы слишком печально смотреть со стороны, и не взвешивая на себя неподъёмную ношу. Тем не менее, есть тут и песня, исполненная на пределе - "The Serpent and the King". Разумеется, здесь нет беспрестанного сверхвысокого пения - тут и там он резко вырубает строку или идёт на небольшое понижение голоса, заменяет протягивание ноты прогоном её напряжения, по манере напоминающего то, как люди имитируют шипение кошки, но в сумме, по качеству вокала и инструментала песню пусть и робко, но можно поставить рядом с "Exciter" или "Screaming for Vengeance".

Группа не разглашала, какая в сумме вышла студийная часть вклада Типтона, но в клипе он задействован, хоть и старается свести ненужные движения к минимуму. Тем не менее, логично предположить, что львиная доля сочинения и аранжировки материала принадлежат его перу. Гитарная игра в русле предыдущего альбома и стиля в принципе, об исключениях поговорим отдельно позже. Соло Фолкнера достаточно хороши, однако его манера сочинения не всем нравится - возможно, эта более эклектичная манера не является полной заменой Даунингу, а только компромиссом, но нельзя обвинять группу в том, что в группе банальная повторюшка. Есть примеры неплохих соляков в первых двух треках и "As God is My Witness". Тексты здесь в неожиданной манере личные - большое внимание уделяется эмоциональной природе и религии. Отдельному анализу, наверное, стоит подвергнуть "The Serpent and the King", "Crown of Horns" и "As God is My Witness" - музыкально разнообразный триптих, связанный с Богом. В первой (один из лучших и самых проникновенных текстов группы за всё время, я не шучу) в очень энергичной манере идёт повествование об извечной битве Господа и Сатаны за душу, которая также призывает не оставлять всё на самотёк, так как "змий" стережёт тех, кто не прислушивается к "царю" и предначертывает им в куплетах непременно невесёлую долю. Вот, ознакомьтесь хотя бы с этими отличными строками припева:
"When good and evil go to war we leave it up to fate.
Since time began they fought for man incurring love and hate."
Вторая - "Crown of Horns", и как говорил Хэлфорд, "в оболочке любовной баллады, но скорее отражает мой личный путь к принятию и осознанию любви Христовой", содержит в припеве ясные, как роковой жаркий день на Голгофе, библейские аллюзии. В целом это самая спокойная и не агрессивная песня на альбоме, вероятно, отражающая основной принцип божественной любви - неисчерпаемое терпение по отношению к спасённому: "Се, стою у двери и стучу...". Третья акцентируется на преодолении личных границ, испытаниях, которые проходит человек, и припев намекает на некое обещание, чётко данное Господу и теперь лирический герой несёт нелёгкий крест, который намерен донести так, как велено, несмотря ни на что.

Из проходняков я бы отметил только "Gates of Hell" и "Vicious Circle" из пачки бонус-треков. Есть хорошие песни, которые не дают назвать альбом "набором безопасных песен и приёмов", например, "Escape from Reality" - совсем необычные для Пристов гармонии в начале, которые отсылают чуть ли не к МДМ, и очень редкий элемент - выведенный на первый ряд бас Иана Хилла (и это не единичный случай, бас здесь, похоже, самый громкий в миксе со времён Риппера) "Devil in Disguise" безусловно, самая любимая моя песня среди всех, что не выходили синглом - эдакий трансфер из "Stained Class". Хэви с блюзовым ядром только по звуку можно отличить от работы из того альбома - даже голос Хэлфорда в начале тембром возвращается в те времена. Тут и задорный текст, и бриджи, и основной рифф являющий для меня, человека которому "Stained Class" не пустой звук, очень приятный сюрприз. "Panic Attack" - открывашка, идеально подошедшая и для самого первого сингла. Энергетика, нивелирующая чуть более легкую вторую половину альбома, клавишное интро, острая лирика, все это - элементы славного хита. "Fight of Your Life" Хэлфорд сочинял с прицелом на стадионный эфир, он конкретно указывает, что писал про спортсменов, да и в припеве внимательный слушатель найдет элегантное, но заметное переложение уже ставшей нарицательным для этой категории рок-гимнов "Eye of the Tiger" от Survivor. Ну и "Giants in the Sky" - трогательное посвящение павшим героям сцены и друзьям Judas Priest, символическое окончание альбому, и не хочется верить, но возможно, и всему пласту студийного материала Пристов.

Чем же следует завершить эти вирши? Очевидной банальностью - "хороший альбом с поправкой на скорый переезд в гроб". Всё, что могло быть не так - купировано, всё то, что было бы работой на классе, было разбавлено удачными находками. По большинству позиций пластинка отвечает позитивным прогнозам и сия восьмёрка, дополненная личными взглядами на новый альбом богов - консенсус подавляющего большинства любительской и профессиональной журналистики. Возможно, именно преисполненность хитами "Firepower" не даст "Invincible Shield" побить первый по количеству песен в шаффле, но как цельный альбом новинка выигрывает. Молодцы, деды, не подвели.

P.S. Когда "Firepower" вышел в 2018 году, мне было лет 12-13, и кроме того, что его качество укрепило в неокрепшем уме шаткую веру в хэви-метал как достойный и вполне живой жанр, ещё и дало понять, что возраст - не приговор. Уже тогда я задумывался, дотянет ли группа до заветного "железного" полувекового юбилея в 2024 году, 50 лет с дебютника, и считал, что это уже прям какие-то совсем наивные мысли. Ну что, мелкий я, поздравляю - дождался! Judas Priest в строю и в полном порядке.

IJzerklompje  10 мар 2024