Множество умельцев пытаются реализовывать идеи в многочисленных проектах, где они сами выступают во всех возможных ролях - "группы одного человека" полностью свободны, так как подчиняются единому видению и общему уровню музыканта. Конечно, любому такому творцу для успеха нужен полный опыт сочинительской, студийной и дистрибуционной работы - у "духов" в основном выходят сырые альбомы с кучей нерабочих идей. У Дмитрия Краснопеева за плечами небольшие проекты, включая неметаллические, и Cadaver Carnivore. Кроме нескольких малых bandcamp-релизов, у группы вышел дебютный полноформатник "Devouring Eclipse of Darkest Realm". Название устрашает. Кроме переработанных треков с предыдущих мини-релизов, здесь есть множество нового материала.

Жанр, заявленный самим музыкантом - Atmospheric Death Metal. Однако стоит заметить, что такого большого внимания каким-либо атмосферным элементам внутри композиций не так много, как кажется - в основном это есть в интерлюдиях и вставках, а вот музыкально здесь очевидно ортодоксальный дэт, кое-где приобретающий блэковую мрачность или слэмовую структуру. Гитарные соло максимально соответствуют целям музыки, но при этом местами выворачиваются, чтобы акцентировать те или иные умения Краснопеева. Хорошо отлаженная драм-машина звучит достаточно живо по сравнению с тем, как некоторые коллективы пишут на ней сеты простых битов, переливающих ритм с пустого в порожнее. Уровень сведения также достаточно хорош - с учётом того, что Дмитрий, судя по интервью, обучался навыкам в процессе - первая работа звучит, как профессиональная. По звуку, даже при доскональном поиске недостатков, не возникает желания что-то резко перекрутить и поменять. Тексты придерживаются очень стандартных тем и клише и содержат грамматические ошибки то там, то тут, но это не критично, так как лирическая нагрузка тут, скорее всего, по лекалам Obituary, условна. А вот вокал Андрея Раевского для меня не является плюсом пластинки - кое-где он кажется не очень живым, без изюминки. Вкрапления чистого пения в слэмминг-дэтовой до мозга костей "Deadly Plague" и на более медленной "In Abyss We Fall" вообще бесполезны, чисто на мой вкус. Это тот аспект, который стоит подкрепить или поменять в дальнейшем. Все композиции тут до 5 минут, не наблюдается переполненных филлерами частей, песни чувствуются самодостаточными и натуральными. Из наиболее понравившихся треков отмечаю "Dai Dark", "Citadel of the Immortal", содержащие больше утяжелённого месива (они появлялись на ранних релизах Cadaver Carnivore) "Divine Heresy" (карниворцы, прячьтесь от злого Дино!) и "Dark God".

Вердикт положительно-снисходительный - на альбоме показан местами хороший (приближенный к скандинавскому) дэт, местами слэм, местами приблэкованный дэт, только вот заявленной в первую очередь атмосферной музыки здесь недостаёт для того, чтобы полноценно считать диск принадлежащим к этому стилю. А сам материал весьма и весьма хорош, так что следим за новосибирцами внимательно - я, например, не сомневаюсь, что дальнейший прогресс материала Cadaver Carnivore на гипотетическом следующем альбоме нагрянет непременно.

IJzerklompje   3 фев 2024

Начнем с того, что формация греческая, и это можно понять, даже не залезая в интернет. Необходимо лишь посмотреть на нейминг коллектива и первых треков. Aetherian - мои ПОскудные знания иностранных языков всё-таки приводят к пониманию того, что это вроде бы что-то про эфир (не ТВ эфир, очевидно). Дальше музыка. После драматично нагнетающего симфонического вступления с печально завывающими бабцами и постепенно нарастающим гулом маршевого барабанного ритма, идёт весьма боевитый трек под названием "Армия Геи" (Надеюсь, про Гею мне пояснять не нужно, как и про то, что между словами в названии трека не стоит дефиса, и, соответственно, ни о какой дискредитации армии или ЛГБТКЬЮАЙЭЙТЫСЯЧАЧЕРТЕЙ+ пропаганде речи не идёт.), а следом за ним песня, называющаяся "PYR AENAON". Что это означает, честно говоря, даже имея в распоряжении могучую силу всезнающего интернета не особо-то и разберёшься, однако я порой наблюдал, что слово "AENAON" пишут на чём-то, содержащем в составе оливки. Гея, эфир и оливки - ну кто, как не греки, спрашивается, будут про всё это музыку пилить. Ещё в "афинскую" копилку летит сходство некоторых мелодических решений с музыкой небезызвестных Rotting Christ. Припев вышеобозначенной песни, например, можно было бы идеально впихнуть в какой-нибудь из их новых треков, никто бы подвоха не заметил, да и вокальная подача слегка похожа у певунов.

А что, собственно, по музыке? В ней правит бал напористый, со скоростными отрезками, но не уходящий в лютый отрыв, насыщенный военным пафосом и трагичностью мелодэт, от которого порой прям хочется вскочить, напялить себе на голову коринфский шлем и пойти кому-нибудь люлей отвесить... только вот шлема у меня нет, да и в старом добром ультранасилии я, признаться, не силён. Могу лишь изредка сам в жбан получить...
Если описывать материал кратко, то это такой Dark Tranquillity периода "Haven" и "Damage Done", слегка ускоренный и скрещенный с поздним Omnium Gatherum и эпичным пост-блэком. Время от времени металлический напор дополняется акустическими струнными партиями и, как мне казалось, атмосферными клавишными. Почему казалось? Да потому что в здешнем миксе это дело хрен различишь. Порой думаешь, что расчехляешь в музыке что-то такое, но потом, прислушавшись, понимаешь, что там просто гитарное тремоло такой эффект даёт, или типа того. В общем звук хороший, плотненький, но будто слегка размытый. Мелодически всё оформлено очень недурственно, соло-гитара выдаёт по одному, а то и по два, может и не въедающихся в мозг, но весьма эффектных мотивчика. Постоянно переливно журчат тремоло, риффы тоже монотонностью не утюжат. Лепота! Единственное, чего мне возможно не хватало в этом плане, так это ярких соло, в хорошем смысле выбивающих песню из её основной музыкальной канвы. Такого тут нет, что для мелодэта, на мой вкус, немного неестественно. Зато можно сказать, мол, материал целостный, и всё, не прикопаешься.

Ну и ладно, если это и минус, то не столь существенный. Ещё стоит отметить хитовость записи. Из восьми треков, включая интро, целых четыре особливо выделяются. Пара в начале и пара в конце. На пожизненное в голове, конечно, не остаются, но приятный осадочек дают. Мотивчик припева последней песни так и вообще заставляет голову непроизвольно описывать круговые движения в пространстве своим вихревым «околофолковым» мотивом, пока вокалист орёт что-то про танцующих вокруг костра в лунном свете людей, или типа того. Чёрт его знает, текстов в сети я не нашёл.

Итог: любителям "тяж-мет-эпоса" зайдёт. Очень достойная штука. Стремящаяся к восьмерке 7 из 10.

nabuhlo   3 фев 2024

Третий альбом проекта Burzum новой эры, то есть начиная с "Belus", когда Викернес начал создавать другую музыку (скажи спасибо, что еще металлическую). Во всяком случае, на этом диске.

Лирика "Umskiptar" - это «песня «Прорицание вёльвы», одной из самых известных эпических песен «Старшей Эдды». От имени вёльвы (колдуньи) рисуется картина от сотворения мира до его гибели, а затем последующего возрождения» (цит. wiki).
Вот это как раз и надо понимать, рассуждая о музыкальной и иной ценности альбома. То есть фактически Викернес выступает в роли скальда, поет нам древнейшую песнь, сопровождая ее своим специфическим аккомпанементом.

Оттого понятно, что Варг широко обращается к норвежскому фолковому певческому наследию. Таких попыток было множество в норвежском Black Metal. Но Викернес делает на этом аргументированный акцент, и даже выстроил правильный вокал для своих целей. Он - методический и несколько даже медитативный, часто нарративный.
Если автор желает привлечь наше внимание сначала барабанами, то это ему удалось. А вот трэк "Jóln" начинается с ходу, с разворота с вокала, с внутреннего диалога, что демонстрируется дальнейшим привлечением пения с другой точки, и с разными интонациями. Вот тут нарратив (повествование) и движется вперед, наряду с хоровыми припевами, которые решены, вероятно, наложением голосов. Тут местами под настроение вокал разговаривает с гитарой и, что характерно, инструмент отвечает певцу.
Почему-то мне кажется, что это ИНОГДА не совсем фолк-песня - из-за её ритмики и приложенных гитар, которые немного не сопрягаются, как это положено в фолке. Тут есть нарочитый разбаланс, и гитары, собственно, примочены по-рокерски, по-металлически. Присутствует атмосфера фолк-роковой мистерии, к которой так явно стремится автор.
По размышлению - это его вторая главная задача, после повествовательной.
А фолк здесь струится непрестанно, как дождь, как снег, как норвежский буран пробивается сквозь комфортный антропогенный пейзаж и колонки. Это и олдовая мелодика, и особенное задушевное настроение песен. Что как раз подчеркивается теми самыми хоровыми наложениями.
Настроение? Да такое самое темно-эпическое настроение.
И кажется оно перетекает из трэка в трэк, где-то настроение мрака, где-то сурового ожесточения, а где-то гибельного угара. И Doom-ового настроения, марева и миража здесь ужасное количество. Просто они оформлены не совсем так, как мы привыкли.
Во всем этом виновата архетипическая металлическая примоченная и не примоченная гитара - впереди, и где-то на втором плане, как ручей, иногда пускается тонкая высокая партия струнных.
В целом, как мне показалось, это альбом взаимодействий: вокала и вокалов, вокала с инструментом, инструментов с другими инструментами. В этом смысле это экспериментальный альбом. Автор будто пробует: а что будет, если?..
Ну в принципе это уже не первый такой диск, и после "Белуса" это выглядит так, будто автор понемногу скидывает блэк-металлические доспехи, и решает совершенно новые задачи в своем творчестве, ну и прежде всего - ставит новые вопросы.

resurgamresponses   3 фев 2024

К концу 90-х - началу 2000-х в Нидерландах наблюдался бум брутального дэта. Качественные мясные пластинки постоянно появлялись то с севера, то с юга, и такие коллективы, как Disavowed, Prostitute Disfigurement, Houwitser, Pyaemia, выдавали мощные альбомы, при этом будучи весьма дружны между собой (от Pyaemia и Disavowed на рецензируемой пластинке есть даже отметки за разную техническую помощь). В октябре 2000 года группа Severe Torture из города Бокстел в Северном Брабанте издала на достаточно крупном лейбле Hammerheart Records дебютную работу "Feasting on Blood". Обложка сразу встречает нас не самым вожделенным зрелищем в логове непонятного чудища. А вот что за ней скрывается?

Во-первых - скорость музыки здесь практически не спадает, за исключением пары моментов, например, в середине "Baptized in Virginal Liquid", где появляется отличный давящий тритон. Всё проносится либо в ураганном темпе, либо переносится на территорию гитарного пальцескока по типу Suffocation, однако музыка Severe Torture особо отличается тем, что практически никогда не выпадает из четвертных размеров, то есть понять структуру тут несложно. Самая популярная характеристика первым альбомам этого коллектива - это если бы Cannibal Corpse взяли руки в ноги и полностью переключились на бескомпромиссный брутал. И да, кое-что из Cannibal Corpse тут прослеживается. Видны также нотки риффовой нарезки по лекалам Sinsiter и настроение, напоминающее подобное у Obituary (по крайней мере, в их более быстрых песнях). Местами, как на "Feces for Jesus" и "Butchery of the Soul", есть даже следы Dying Fetus. Гитарный звук здесь просто превосходен, впрочем, как и всё остальное касаемо сведения - отвечал за него опытный игрок на нидерландской сцене, гитарист Dead Head и Beyond Belief Робби Вонинг. Качество и мастерство музыканты не прячут - линии бас-гитары Патрика Болея следуют гитаре, но чётко слышны и прорезаются там, где этого и хотелось бы, барабаны Сета ван де Ло очень быстры (как, например, на сверхбыстрой сбивке в "Butchery of the Soul"), но при этом не безобразны и точны. Все гитарные партии были записаны Тейсом ван Ларховеном, и если характер риффов был разобран выше по тексту, то насчёт самого исполнения не чувствуется нареканий. Гроулит здесь Деннис Схреурс с особой примесью желчи и слова его разобрать невозможно от слова совсем, настолько что некоторые тексты, не представленные в буклете и впоследствии утерянные, группа даже вспомнить была не в состоянии. По сохранившимся можно сделать вывод, что большая доля лирики направлена против христианства, но и, само собой разумеется, хватает здесь и до милоты откровенного насилия и мяса. Альбом идёт ровно и в одном, очень быстром ключе, но это не навевает скуку - наоборот, это придаёт пластинке ещё больше крепкости. Проходняка тут нет, всё хорошо как на подбор. Но особенно хороши "Decomposing Bitch", "Blood", "Baptized in Virginal Liquid" и "Pray for Nothing". Если касаться бонусов некоторых последующих изданий, состоящих из треков, выходивших на EP "Butchery of the Soul", то первый трек гнёт ту же линию, а вот "Taking Down the Descender" немножко более изощрённый, и по мне, зря не вошёл в альбом.

Итог однозначный - полноформатник Severe Torture вышел очень убойным. Равнодушным он не оставит, он и взбодрит, и прижмёт к полу, и измотает вусмерть. Для меня - один из любимейших альбомов в стиле, практически без слабых мест. Без сомнения, рекомендуется.

IJzerklompje   2 фев 2024

Австралийские и новозеландские дэт-метал-группы сейчас на подъёме. Команды Portal и Ulcerate сейчас одни из самых трендовых, а за ними для искушённых следуют когорты банд помельче: Illimitable Dolor, Dripped, Convulsing - из тех, что мне приглянулись при беглом прослушивании. Продолжает этот праздник австралийского безумия группа Resin Tomb, которая собрала очень хорошую прессу c дебютником "Cerebral Purgatory". Издали они его на крайне богатом на таланты Transcending Obscurity Records.

Музыканты стартуют резво и показывают свою фишку сразу. Звучащие с первых секунд риффы в стиле "Обскуры" и с влиянием сладжа, ясное дело, начинают свою миссию по растягиванию бедных слушателей диссонантными тягучими конструкциями, но к ним словно бы быстро привыкаешь, и чем дальше мы движемся, тем легче воспринимается та часть, которая должна будоражить. Да, многое тут и от дэта - назвать пластинку какой-то совсем поехавшей в дебри дроун-метала или чистого сладжа (во многом благодаря достаточно чёткой работе барабанов Перри Веделаго) язык не поворачивается. Всё направлено на максимально брутальное звучание всего материала, то есть на альбоме нет каких-то песен, изгибающихся в мёртворождённое месиво из тягучести и плотности звука, с чем перебарщивают многие представители сладжа. Отмечу как слушатель, со сладжем знакомый в полной степени лишь через наиболее прославленные группы - Resin Tomb в какой-то мере преодолевает барьер недопонимания. Риффы, хоть стыкуются не везде так уж хорошо, воспринимаются в достаточной степени нормально, критическая брутальность звука не превышена. Но вот вставки "мёртвой" чистой гитары местами выглядят как осадок от некачественной примеси всех этих пост-жанров в музыке. И если к "Scalded" это подходит в достаточной степени, то вот титульный трек показался мне неудачно скомпонированным. Начало, составленное из данных элементов, затянуто, а основная часть слишком быстрая для заданного настроения. Сам характер звука мне не нравится, хотя в целом в рамках стиля предъявлять ему вряд ли есть повод. На мой вкус, сквоттинг дальнего звукофона тёмными "гитарными издержками" и местами эмбиентом не выходит очень приятным на слух. Но здесь уже играет роль личное предпочтение. Совсем слабая сторона альбома - вокал. Ни один, не другой голоса Мэтью Баджа мне не нравятся. Конечно, до прямого раздражения он не доводит, но явно чувствуется, что вопли и сопли тянут музыку куда-то ниже того, где стоит инструментал. Местами пение на фоне крайне увесистой стены звука кажется совсем нелепым. Из треков отдельно отмечу, пожалуй, "Concrete Crypt" и "Flesh Brick". "Human Confetti" и "Putrescence" же я вижу как чуть более неудачные.

По моему мнению, "Cerebral Purgatory" проигрывает именно в гармоничном смешении компонентов. Диссонансные моменты вахтовым методом сменяют дэтовые в гитарном полотне, в то время как быстрый бластбитовый ритм куда крепче держится за свои позиции. В итоге 29-минутный альбом не успевает наскучить до смертной скуки, но удивления даже у меня, который с данным полем экспериментов не знаком, не вызывает. Фанаты стиля несомненно могут найти свои причины полюбить эту работу намного больше, и высокие оценки части журналистов достаточно объективны, это право у них я не отнимаю. Но вряд ли данный релиз выдаёт наилучший результат среди себе подобных. Также посмотрим, как получится у Resin Tomb развивать свои мысли в дальнейшем.

IJzerklompje   1 фев 2024

Начну, пожалуй, с того, чем, как правило, подобные обзоры принято завершать. Для чего, вероятно, придётся сразу выложить все козыри на стол и дать понять тем, кто, возможно, не знает, с чем нам предстоит иметь дело. Так вот, пластинка "For Your Pleasure" - это пик периода экспериментов в недолгой биографии Roxy Music и, предположу, один из самых оригинальных образцов арт-рока по-британски в первой половине 70-х годов. А трудовые усилия продюсеров и звукоинженеров в ходе студийной работы над этим LP соизмеримы с новаторским мастерством Алана Парсонса в процессе записи "The Dark Side Of The Moon". Но если Pink Floyd свой альбом готовили всю вторую половину 72-го года, Roxy Music управились за февраль 73-го. А в релиз обе пластинки вышли почти одновременно, в марте всё того же 1973 г.

Уже в нулевые годы века нынешнего в списках "Top 100 Albums Of The 1970s" музыкального блога Pitchfork Media (более продвинутый аналог журнала Rolling Stone) Криса Каски (инвестор) и Райана Шрайбера (основатель сайта) альбом "For Your Pleasure" расположился на достойном 14-м месте. Почему не выше, возможно, спросит кто-то? Всё просто. Думаю, никому не удивительно, что американские владельцы сайта продвигали первым делом американских же исполнителей самых разных жанров, в том числе и лёгких. Среди тех номинантов немало было и таких, о которых многие из нас даже не слышали. А выше RM, кстати, в том списке из заслуживающих уважения были тогда лишь Led Zeppelin со своим "Physical Graffiti" на 6-й позиции, да King Crimson и их "Starless And Bible Black" на 7-й. Далее "провал" и только на 19-м месте George Harrison и его 3LP "All Things Must Pass". А всего каких-то 7-8 лет до этого события альбом “For Your Pleasure” находился едва ли не в конце того списка (87-е место, 1996 год).

Если же продолжить о плюсах и минусах "For Your...", то это более странный, но и более экспансивный и, пожалуй, даже более амбициозный диск RM, чем их дебютник. И само собой, значительно ярче отражает баланс между звучанием синтезатора VCS3 Брайана Ино и сразу всеми достоинствами другого Брайана, но уже Ферри. И те притязания, что на этом LP группа обозначила по отношению к континентальному декадансу, эксцентричному романтизму и своеобразному мелодизму - идеальный фон для аффектации вокальных возможностей Б. Ферри с его жеманными "вибрационными" особенностями. Теми самыми, которыми Ферри охотно и активно пользовался, особенно в концертной деятельности. Но с другой стороны, если он рассматривал эту особенность едва ли ни сильнейшим своим достоинством, то вполне можно было бы утверждать, что как ведущий вокалист Брайан Ферри был так себе. Это если обсуждать его вокальные способности в отрыве от группы. В составе же RM Ферри был, что называется, на своём месте. А вместе с Брайаном Ино и его перманентными погружениями в раскованно-фэнтезийную атмосферу всё у них тогда было ОК.

Признаюсь, натужно подступался к этой пластинке, как, впрочем, и к любой другой работе RM. Давно её не слышал, с "виниловых", пожалуй что, времён. Ясное дело, ничего не помнил. В таких случаях воображение, как правило, рисует нам ожидаемые картины с существенными погрешностями относительно того, что там есть на самом деле. И тогда, подсознательно подготовив уже себя к определённым эмоциям, подчас испытываешь разной степени разочарование. К моему приятному удивлению, впечатление от первого за долгое время прослушивания "For Your Pleasure" осталось весьма позитивным. Подобное происходит нечасто, в основном по молодости лет, когда иллюзии неуправляемы. С возрастом воображение становится беднее. Как правило, но случаются и исключения. С этим-то альбомом нечто похожее и произошло.

Первым делом следует непременно отметить саунд-ландшафты в отдельных композициях. В те давние времена это производило впечатление. Здесь очевидна заслуга продюсеров, как очевидно и их единение с музыкантами. Порой, однако, закрадывалось сомнение в необходимости того самого антуража в привязке к идеям этих композиций. Хотя нельзя не отдать должное и музыкантам. Что-то подобное они пытались делать ещё в предыдущем альбоме, но теперь уже более осмысленно и утончённо.

Однако предположу, в былые времена почитатели творчества RM фанатели и от первого номера программы этого альбома. И как бы мы к этой песне теперь бы ни относились, тогда "Do The Strand" была необходима, включая странный, на первый взгляд, текст и психопатическое вокальное исполнение Брайана Ферри, вызывающее вопросы особого рода.
На этот счёт Б. Ферри однажды сам попытался дать разъяснения: "'Strand' принадлежит "танцу жизни", переносящему нас к более ранним танцевальным проявлениям, пристрастию к авангарду и сути русского балета (?). А ещё неординарному увлечению танцами времён джаза и чарльстона". По-моему, понятнее не стало.
Кстати, Strand - это ещё и одна из центральных магистралей английской столицы и марка популярных в те годы сигарет.
Как бы то ни было, песня "Do The Strand" какое-то время считалась "архетипичным гимном" RM.

Когда студийная работа над альбомом была в разгаре, Брайану Ферри было ни много ни мало 27 лет. Не мальчик уже, согласитесь. И по всей видимости, с приобретаемым жизненным опытом тексты его песен становились всё более изящными и вместе с тем изощрёнными, некоторые обретали загадочный двойной смысл. Вероятно, ещё и поэтому в определённых прослойках почитателей Брайана в 70-х годах называли "культовой иконой". Действительно, разные идеи и замыслы переполняли, порой захлёстывали Б. Ферри. Это, быть может, и подвигло его уже в 1973 году начать ещё и сольную деятельность, продолжая оставаться при этом в RM основным игроком команды. В том же 73-м Ферри сподобился подготовить и выпустить свою первую персональную пластинку "These Foolish Things".

Вернёмся, впрочем, к "For Your Pleasure". К немногим "сладким" (по выражению некоторых британских музыкальных критиков) номерам программы LP можно, наверное, причислить и песню "Editions Of You", в которой неожиданно прозвучали вполне себе конкретные панковые мотивы (в то время даже понятия такого ещё не существовало). На фоне шумных и местами назойливых пассажей Энди Маккея на саксофоне и обильного с психоделическими оттенками звучания синтезатора Брайана Ино, эти незатейливые рулады по мнению всё тех же британских критиков стали прототипом будущего панк-рока.

Невероятный разброс мнений вызвала композиция "The Bogus Man" - от "ужас, что за ужас" до "редкостный шедевр". Рассматривалось всё - от неординарного текста до не менее неординарного музыкального сопровождения. Впрочем, что здесь первично, а что вторично, это ещё один непростой вопрос. С первых же тактов сдавленный, временами экзальтированный вокал Б. Ферри нагнетает напряжение, отображая недобрую атмосферу мрачного ночного города. Как, допустим, на лицевой стороне конверта пластинки с роскошной моделью Амандой Лир, что вот уже полвека своим призывным изгибом будоражит мужское воображение. На фоне её изящной фигуры как-то потерялись рекламные огни, что на другом берегу реки, и растворился во мраке монстр, которого Аманда держит на поводке. Присутствие чёрной пантеры выдают лишь светящиеся глаза и звериный оскал. Видимо, где-то неподалёку вскоре должно произойти то, о чём Ферри пытается донести до застывшего в напряжении слушателя:

"...Псевдо-человек преследует тебя по пятам.
Вот он уже цепляется за твоё пальто,
Он уже готов схватить тебя за горло.
Ты должна поспешить, так что, давай...
...Псевдо-человек уже где-то рядом.
Он стремится за тобой изо всех сил.
Он уже устал, но он доберётся до тебя,
Чтобы доставить тебе массу удовольствий..."

Ритм-секция задаёт и поддерживает темп номера. На его основе формируется гнетущая обстановка, создаваемая спонтанными всплесками саксофона и гобоя, многослойными звуковыми дорожками всевозможных клавишных и синтезатора. Вся эта сюрреалистическая звуковая какофония раскручивается и, кажется, длится бесконечно долго, предоставляя слушателю возможность самому додумывать, что там может происходить.

Для периодически выпускаемых разнообразных компиляций лейблы стремятся выбрать, как правило, самые лакомые и удобоваримые кусочки (к примеру, те же "Do The Strand" или "Editions Of You") из пугающе мрачного раннего наследия RM. Ну а так как "лакомства" много не бывает, программы комплектуются одними и теми же номерами, к которым добавляют материал самого разного свойства. И разбирайся потом, слушатель, со всем этим как сумеешь. И не то, чтобы на следующем диске RM с названием "Stranded" (интересное название, не так ли?) не будет чего-либо мрачного или неудобоваримого, только с уходом из группы Брайана Ино, вещей подобных "The Bogus Man" от RM мы уже не услышим.

Небеспричинно, видимо, в те давние годы критики проводили некое подобие сравнительных параллелей между творческими замашками Roxy Music и популярной в те времена западногерманской группой Can. Подчёркивалось при этом, что определённое влияние немцев на англичан было очевидно. И не только потому, что между Брайаном Ферри и гитаристом Can Михаэлем Кароли наметилось что-то вроде дружбы.

В сентиментальном номере "Grey Lagoons" нельзя не обратить внимание на следующие чередой гитарные партии Фила Манзанеры, внезапные включения напористого саксофона Энди Маккея, пронзительные джемы синтезатора Брайана Ино и своеобразный, порой "капризный" вокал Ферри под его же собственный аккомпанемент на пианино. Дважды музыканты срываются и начинают играть в режиме рок-фест, ускоряя темпо-ритм, затем вновь возвращаются к прежнему размеру. И вновь между мелодией и текстом наблюдается какая-то нестыковка, ставящая слушателя в тупик.
Такова эта группа с их модернистской актуальностью. Таков этот их альбом "For Your Pleasure" - необъявленная война с конформизмом.

В песне "Beauty Queen", не совсем, пожалуй, вписывающейся в канву альбома, но, судя по названию, весьма естественной для жизненных устремлений Б. Ферри и, возможно, что-то для него значащей, группа ещё раз пробует играть рок-фест. Остаётся лишь догадываться, в чём смысл этого фокуса. Хочется верить, что какое-то объяснение этому есть.

В "Strictly Confidential", казалось бы, всё предельно ясно. Меланхолическая мелодия в этой композиции в полной мере соответствует её содержанию. Последняя ночь накануне задуманного самоубийства. Звучит монолог Б. Ферри, в который в форме бэк-вокала вплетается внутренний голос сомнения, начинается что-то вроде диалога. И вот уже герой (назовём его так) этой истории на грани, он уже склонен поменять своё решение... Но кончается песня и слушатель так и не узнает, чем всё завершилось.

Опус "In Every Dream Home A Heartache" - стержневой номер программы альбома. Для всякого меломана, стремящегося хотя бы отчасти прикоснуться к творчеству Roxy Music, эта вещь обязательна к прослушиванию. Впрочем, как и другие.

"Я приобрёл тебя по почте,
Мою девочку в обычной упаковке.
Твоя виниловая кожа
Делает тебя идеальной партнёршей.
Надувная кукла, ты плаваешь в моём бассейне,
Роскошная и восхитительная.
Служить тебе - моя обязанность,
Дорогая, хотя и одноразовая.
Оставить тебя выше моих сил,
Вечно молодая, в натуральную величину.
Моё дыхание внутри тебя,
Каждый день я буду одевать тебя в новое
И до смертного вздоха содержать тебя,
Надувная кукла.
Неблагодарный любовник,
Я взорвал твоё тело,
А ты взорвала мой разум...
...Ох уж эти душевные боли,
Душевные боли в доме мечты."

Не думаю, что этим сентенциям Брайана Ферри нужны какие-либо пояснения или комментарии.

Уход Брайана Ино из RM, как пытались объяснить ту историю музыкальные обозреватели того времени, стал результатом его творческих разногласий с Б. Ферри. Но это, что называется, объяснение для публики. Причины были не только в этом. Дело доходило до открытого конфликта. И уход Б. Ино для всех стал лучшим решением в создавшемся тогда положении. Больше их пути не пересекались. Стоит ли теперь ворошить прошлое?
Тем более что Б. Ино не исчез с музыкального горизонта. Уже в том же 1973 году он записал совместный с Робертом Фриппом диск "No Pussyfooting". И это о многом говорит - абы с кем Р. Фрипп записывать альбом вряд ли бы стал.

А что же Roxy Music? Успех "For Your Pleasure" окрылил оставшихся музыкантов, хотя в дальнейшем без Б. Ино их музыка заметно изменилась. Совершив крен в сторону попсы, добавив нетипичных для британского рока джазовых созвучий, в сочетании с особенностями вокала Б. Ферри группа обрела своеобразную стилистическую направленность, став своего рода связующим звеном между концептуализмом арт-рока и дилетантством панка с декадентством "новой волны".

МихаилБогданов   1 фев 2024

С начала 2010-х в рамках дэт-металлического фанатского легиона возникла весьма сильная полярность. Между комментариями под видео групп по типу Gruesome, новых Morta Skuld, Cist, Horrendous и девчачьими тредами на AO3 можно проводить явные параллели, а в рецензиях у многих опытных блоговедов и вебзинов на эти же работы порой можно утонуть в ужасающей смеси звуконепроницаемой желчи и слюны. Одни утверждают, что попытки мальцов в олдскул безбожны, тупы, ленивы, порочат память св. Шульдинера, высасывают жизненную (ха!) силу, засовывают тёщу на переднее кресло и подсовывают трансвеститов в рекламу их любимого пива. Другие же говорят (кое-где небезосновательно), что продвижение классики никому никак не мешает, олдскул вне времени, младенцы истину глаголят, а оставшиеся группы напоминают себя олдовых, только если вместо звука поставить ряд сурдопереводчиков, да и вообще пусть лучше б такой-то фронтмен, замутивший Легенду A.D., умер вместо св. Шульдинера. На вершине же этого сейсмически активного хребта восседает американская группа Skeletal Remains - самая громкая из команд, стряпающая дэт "на старых формочках".

На их третьей пластинке "Devouring Mortality" возрос как хронометраж, так и качество всего, что с ней связано: продюсировал её сам Дэн Сванё, обложку нарисовал ветеран Дэн Сигрейв, за внутреннее оформление отвечал Густаво Сазес. Да к тому же и распространение было осуществлено уже с непосредственным участием Century Media Records - одного из самых достойных лейблов в жанре. В музыке стало заметно преобладание глубоких соло в стиле Джеймса Мёрфи. За них, как и за вокал, который многие отмечали как умело снятую кальку с "импульсовского" ван Дрюнена, отвечал лидер группы Крис Монрой. Всё в полном порядке и с лирическим наполнением: классические истории о тварях, болезнях и прочих гадостях, поданные в изысканном соусе - самое то, чтобы вспомнить о том, как свежо чувствовался классический дэт именно в первые разы - немножечко по-другому, но одновременно и так же, как те блюда. Хороши и барабаны Джонни Валлеса - они работают максимально чётко и звучат достаточно объёмно, при этом не стоят на месте на протяжении всей ленты, так, как порой бывает на альбомах Master или ранних Autopsy. Звук Сванё даёт высказать свою радикально-консервативную дэтовую тираду каждому инструменту, при этом не превращая её в пародию. Кое-где, конечно, случаются некритичные несостыковки, но их характер таков, что другому они понравятся или вообще проскочат мимо. Из лучших песен стороны А в самую первую очередь нужно отметить "Seismic Abyss" и "Torture Labyrinth", а вот вторая сторона, начиная с бешеного вступления в "Grotesque Creation" и до последнего аккорда, вся прошла буквально на одном дыхании.

Данная работа - огромный прогресс в творчестве Skeletal Remains. Беря лучшее от мэтров по типу ранних Pestilence и Unleashed, латиносы сварили великолепный "бальзам на душу" скучающим дэтстерам и заслуженно выкатили претензии на звание лучшего альбома "нового старого дэта". Данный полноформатник хорош. Меньше слушайте злопыхателей - слушайте больше Skeletal Remains.

IJzerklompje  29 янв 2024

А что это на десятый, юбилейный альбом самой известной метал-команды в мире так мало рецензий? Непорядок, придётся эту несправедливость исправлять, а заодно и сравнить этот диск с прочими релизами, выпущенными Метлой в 21-м веке.
Выход юбилейного альбома четвёрки на собственном лейбле Blackend Records затянулся на рекордные восемь лет, но в ноябре 2016 года долгожданный "Hardwired... to Self-Destruct" наконец был представлен вниманию всего метал-сообщества. Хотя релиз и стал очень крупным коммерческим успехом, действительно ли он хорош, или же успех лонгплея был вызван лишь логотипом легендарной команды?

На момент своего выхода пластинка стала одной из самых длинных в дискографии Metallica, приблизившись к 80 минутам записи. Всего публике было представлено 12 треков: по 6 на каждом диске, и в среднем каждая песня на альбоме идет по 6-7 минут.
Первый диск сразу же ураганом проносится в голове слушателя. После короткого заглавного боевика идёт триумвират "Atlas, Rise!", "Now That We're Dead" и "Moth Into Flame", которые сочетают мелодизм и трешевую основу, как в классических работах жанра. "Dream No More" продолжает этот стиль, но с бóльшим влиянием хэви. Завершает первую часть альбома освежающий душ в лице прекрасной баллады "Halo on Fire", которую я считаю лучшей песней Metallica в 21-м веке.
Вторая часть программы показывает иную сторону современной Метлы, которая как бы рефлексирует стоунер-эпоху 90-х и смешивает её с "магнетиковым" звучанием. Конечно, по сравнению с ураганным первым диском, напрочь состоящим из хитов, второй CD звучит тягучее и слабее, поэтому его стоит слушать отдельно. Тем не менее такие песни, как "Here Comes Revenge" или "Murder One", посвящённая покойному Лемми, оставляют позитивные впечатления. Финалочкой банда навернула довольно агрессивного треша в "Spit Out the Bone", но лично меня эта композиция не особо впечатлила.
Еще есть третий бонус-диск, состоящий из каверов классических команд и лайвов, а также новой версии вышедшей в 2014 году "Lords of Summer", которая стала звучать получше, хотя шедевром её всё равно назвать не получится.

Итого "Hardwired... to Self-Destruct" получился очень неплохим релизом и лучшим у группы в 21-м веке: в нём удачно сохранён мелодизм, энергетика и общность композиций, чего не хватает и в "St. Anger", и в "Death Magnetic", и в "72 Seasons". Любителям трэш-периода зайдёт первый диск, сделанный на уровне, а любителям творчества 90-х стоит обратить внимание на песни со второго диска. Ну а некоторые отдельные вещи, такие как "Moth Into Flame" и "Halo on Fire", можно смело записать в подборку «The Best of Metallica»!

ChatGPT  29 янв 2024

Atheist - группа, значение которой для экспериментального металла невозможно переоценить. Эти музыканты начали варить термоядерные смеси на основе дэт-метала задолго до того, как многие банды вообще смогли хоть как-то достойно овладеть заурядным искусством дэтового зодчества. И при этом ни гибель виртуоза Роджера Паттерсона в автокатастрофе, сопоставимая разве что с другим почившим в 24 года великим басистом, ни прохладное принятие экспериментов публикой на половине концертов, ни записанный в крайней спешке (по сути на руинах коллектива) "Elements", не умаляют их заслуг. В конце нулевых Atheist последовали примеру Pestilence и Cynic - возродились. Первые отбросили идею экспериментального дэта, в своё время их сгубившую, вторые продолжили оттуда же, откуда начали. А Atheist... вот сейчас и посмотрим.

С самого начала видно, что Стив Флинн на барабанах будет главной изюминкой альбома - его фантастические сбивки на месте. Ритмическая часть продолжает бесноваться без большой оглядки на остальные инструменты, и это крайне радует. Следует отметить и то, что гитара Келли Шейфера также сохранила буйство пассажей, однако в сумме уже не видно большого количества свободных фьюжн-форм. Альбом насыщен очень хорошими соляками, например, достойный мелодический номер в "Live and Live Again", кластер из малых и разнообразных соло в "Faux King Christ". Диск больше всего напоминает дебютник, в некоторой степени усиленный акцент на технику держит "Jupiter" в узде. Есть моменты по типу "Fictitious Glide", где всё было исполнено в головокружащих прогрессиях и усложнённых размерностях. Но дэта здесь побольше. Из явных минусов стоит отметить такой же тягучий, но крайне ослабевший голос Шейфера, на живых выступлениях ставший в то время полностью никаким - Келли по сути просто болтает что-то из текстов в микрофон, когда может. В этом аспекте реюнион разочаровывал до недавнего времени, когда дела у лидера группы неожиданно поправились. Усугублялось это и его последующей болезнью, вследствие которой он отказался от игры на инструменте. Микс альбома характеризуется недостатком низов и "жёсткости" структуры. В целом из всех песен мне больше всего понравилась "Faux King Christ". А вот "When the Beast" вышел скучным и даже в какой-то степени предсказуемым треком.

Возвращение Безбожников на сцену многие ожидали с долей скепсиса, и в итоге это вылилось в почти что предосудительное, мелочное отношение к нему. Да, Atheist не прыгнули выше головы, не показали чего-то уж совсем ранее невиданного, не скомпенсировали десяток лет простоя количеством новой музыки, и не добавили элементов из новейших течений того времени. Но должны ли они были делать что-то подобное? Попытки заглушить отсутствие каким-то сверхновым материалом, что трезвый нарочно не придумает, были бы совсем большим риском без каких-либо гарантий вообще. Участники легендарной группы, два старых и два новых, пришли в студию и записали спокойный, сочинённый на опыте, "безопасный" материал. Нормальный реюнион, хотя по живым выступлениям были некоторые вопросы. И вот представим - не распадались Atheist никогда, а "Jupiter" не был бы четвертым альбомом спустя 17 лет, а седьмым-восьмым между другими разнообразными пластинками - смотрелся ли бы он плохо? Увольте, вовсе нет. Добротная небольшая работа. Спасибо, что хоть живые.

IJzerklompje  27 янв 2024

После издания альбома "The Rack" Asphyx выпрыгнули из андеграунда в высокий эшелон смертельного железа, показав себя в качестве блюстителя старых, чуть ли не по-инквизиторски ржавых и болючих методов. Подтвердить это нидерландцы решили с помощью небольшого EP, заполнившего пустоту промеж двух полноформатников.

Первые две песни представляют собой чутка облагороженные версии старых пьес из демо-записей и не вышедшего в свет альбома "Embrace the Death" - думоватую, словно неторопливо проносящуюся по остывающему полю завершённого сражения, "Crush the Cenotaph", и более скоростную с полным срывом в конце "Rite of Shades". Ещё одной новой песней стал "The Krusher" - заметно и некоторое изменение в песенной структуре, и в лирике - вместо оккультных и жутких тем появилась остросоциальная, чуть ли не террористическая лирика. Невозмутимые багхусовские барабаны, чёткий, хоть и не самый техничный, бас, вокал Мартина ван Дрюнена - здесь группа ни в чём не потеряла. По звуку (сотворённому, к слову, аж самим Вальдемаром Сорыхтой) музыка стала ещё чище, хотя именно "гробовая" средневековая атмосфера здесь остаётся. Многое потерялось относительно "ржавого" и оттого эффектного звука гитар, но в итоге на восприятие негативно это не влияет.

Мини-альбом вышел, тем не менее, весьма скудным - 2 до этого в какой-то мере известных трека, один из будущего альбома, и 2 "живых" выступления с песнями из "The Rack". У группы в принципе было много материала, оставшегося лишь в демках, и жаль, что музыканты не успели (или не захотели) записать именно эти песни в хороших условиях. "Rite of Shades" вообще лучше бы стоило засунуть в первый альбом, а для епишки записать хоть какой-нибудь эксклюзив.

IJzerklompje  26 янв 2024

А это уже пятый диск чумовой немецкой трэш-бригады с Сабиной Классен на вокале. Если брать в расчет высший, первый и так далее легионы германского Трэша, то Holy Moses, я думаю, где-то в начале первого. Ну а сама группа на своем сайте пишет так: «Одна из первых немецких (трэш-) групп наряду с Sodom, Kreator, Destruction и Tankard».
Команда начала свою деятельность с 1980 года и первые шесть лет карьеры методично забрасывала оголтелую метал-общественность демками. Причем первая демка называлась, что характерно, "Black Metal Masters"! На первых двух кассетах пели два разных исполнителя, и только на третьей на сцену вышла Сабина, которую называют первой вокалисткой в Thrash Metal. Ну, тут-то всё и началось...
В интервью онлайн-изданию Metalbite Сабина рассказывает: «На самом деле я хотела звучать как Ozzy Osbourne или не петь вообще. Это было случайностью, что я стала вокалисткой Holy Moses. Andy Classen, мой друг, присоединился к Holy Moses, и они выпнули как-то вокалиста. А Рамон, основатель и босс группы, такой: "Sabina, ты зависала тут у нас в реп. точке, теперь давай пой!" Ну я пошла к микрофону и издала этот рев, чтобы показать, что я не могу петь. Потом еще раз, и тогда он сказал: «Нормально!». Вообще-то я продолжала сомневаться в своих способностях - даже на «Queen Of Siam» (это первая пластинка группы). Некоторые люди говорили: «Что это за хрень?» (Смеется)».
В 1985 году группа участвует в настоящем сборнике, на реальной виниловой пластинке. Fact, Atlain, Steeler, Carrie — вот кто ещё участвовал, из этих групп я слышал название (и слушал, может быть) только Steeler.
Как известно, такие сборники - это возможность для некоторых команд засветить себя на уровне лейбла, пластинки, а не демо, которое ходит в андеграундных кругах. А значит уже записаться с более внятным саундом, который группа, скорее всего, наруливала за собственные бабки. Глядишь, появится издающая контора, которая предложит контракт. Возможно, для Holy Moses так и было. Потому что в следующем году команда выпустила свой первый диск...
Но сегодня про "Terminal Terror". 9 трэков на классические 39 минут трэша. Sabina Classen на этом диске отметила свой первый 10-летний юбилей в команде.
Ну да, прикольное начало - играет тяжелое музло, что характерно, в детской, и матушка заходит и просит сделать потише. Чадо несогласно! Я думаю, те детишки уже столкнулись с аналогичной проблемой, но теперь в отношении собственных детей...
Мощный Трэш делает Holy Moses, монолитный и плотный, с низким экстремальным вокалом, динамичным по своей натуре и применению. Он (вокал) иногда прямо встает будто дыбом, и забивает всё пространство, свободное от инструментала, а в другой раз по-панковки анархичен и своеволен - буквально оскаливаясь на предложенные обстоятельства.
Andy Classen - гитарист команды, проявляет себя риффово, само собой участвует в создании стены звука, а потом находит место и время для сольного выплеска - скоростного и бушующего, как небольшой гейзер или неторопливого, как питон средних размеров, раскручивающий свои кольца.
Так же и команда в целом - от скоростного звукоизвлечения с удовольствием переходит к среднетемповому движу - тяжелому, акцентированному (в чем большАя роль вокала) и обволакивающему.
Несколько композиций для интриги начинаются с эмбиентных пробросов, которые незамедлительно прорастают в моторные метал-эскапады, группа делает всё, что в её силах, дабы разнообразить музыкальный материал. В некоторых местах вдруг привидениями появляются хоровые темы, и так же призраками удаляются.
Айрондовское издание дополнено тремя живыми трэками, которые прекрасно дополняют образ команды - в её концертном аватаре.

resurgamresponses  26 янв 2024

По моему скромному мнению, Пит Зилк не выпустил ни одного по-настоящему провального альбома. Даже самые стандартные, заурядные релизы среднего периода несут заряд особого драйва, усиленного высоким профессионализмом и убойным саундом. Но какие-то события изредка подталкивают маэстро к созданию не просто хороших, а отличных альбомов. Была ли дополнительным творческим бустером для Пита перезапись своих собственных хитов для второй части «Reforged – Ironbound», безумие ковидных времён или какой-то более свежий адок, но «Firestar» стал настолько бодрым и удачным альбомом, что его легко можно поставить в один ряд с лучшими (ранними) работами Iron Savior.

Как ни странно, но звёзды выстроились в нужном порядке, и, казалось бы, те же самые хорошо узнаваемые гитарные риффы заискрили моложавым задором, привычные мажорные хоровые припевы стали вызывать чуть больше восторга, а харизматичный хрипловатый вокал и яркие гитарные соло (в этот раз порой нарочито небрежные) остались всё так же убедительны и притягательны. Лаконичность альбома (чуть больше 50 минут) и самих композиций (без эпиков, баллад и экспериментов) тоже оказались на руку, и «Firestar» слушается хорошо от начала и до конца. Конечно, всегда хочется большего и до статуса шедевра он слегка недотягивает, но альбом года в стиле power metal он в моём рейтинге получает легко и непринуждённо.

Уже само интро вызывает интерес – «The Titan» выдержана в помпезно-симфоническом ключе с фолковым оттенком и чем-то напоминает… Running Wild. Далее идут достаточно предсказуемые, но вполне крепкие композиции, которые серьёзным образом отличает лишь небольшая разница темпа. Самый первый и самый скоростной заглавный трек, оказавшийся в середине альбома, радует блайндгардиановскими мелодиями и такой цепкостью, что легко претендует попасть в десятку лучших композиций группы за всю историю. Задорный барабанный дабл-бас и гитарный чёс здесь просты и непосредственны, и прямолинейный пауэрный напор ещё раз доказывает, что быстрые треки Пит писать не разучился.

Но и относительно среднетемповые композиции или отдельные фрагменты также не навевают скуку или слишком болезненное дежа-вю. Соблюдая хорошо продуманный баланс между хэви и пауэром, демонстрируя хорошую подачу и максимальный градус эмоциональности в вокале, насколько это позволяют Зилку его связки, а также слегка сдабривая плотные гитары эпизодическими клавишами и даже крупицами электроники, маэстро создаёт предсказуемые, но мощные и хорошо аранжированные треки, филигранно избегая излишней клишированности. По крайней мере, на этом альбоме, который вызвал желание переслушивать его намного чаще, чем все поздние работы Iron Savior после великолепного «The Landing».

Под конец альбома в этот раз также было спрятано несколько весьма интересных треков. Особенно порадовал скромный заезд на территорию thrash metal в «Rising From The Ashes», неплохой кавер на пристовскую «Heading Out To The Highway», не совсем типичная для группы мелодика и максимально высокие ноты в вокале в «Together As One» и столь же удачный (очередной) флирт с мелодик-хардом в «Nothing Is Forever». Название этого трека, увы, навевает нешуточную тревогу в свете внезапно обнаруженной у Пита онкологии… Все помнят, басист этой группы Ян-Сорен Экерт уже успешно поборол рак, что просто необходимо сделать и господину Зилку! Потому что его грубоватый, местами даже мужланский музон намного мощнее, профессиональнее и просто интереснее большинства раскрученного позёрского европауера. Держим кулачки за Пита и слушаем «Firestar»!

(Диск предоставлен компанией ФОНО).

Educated Scum  25 янв 2024

В 1980 году, когда вышел первый студийный одноименный альбом MSG (Michael Schenker Group), мне было 10 лет и тогда услышать эту пластинку было не суждено, просто не было возможности. С карьерой Михаэля Шенкера как гитариста британской UFO и германской Scorpions я частично познакомился в 80-е годы, с опозданием на десять лет, но из того, что услышал, не нашлось ничего такого, что бы потрясло мое юное воображение. Крепкие альбомы, красивая и мелодичная гитара Михаэля - не более, но и не менее. Ну и по итогу как-то не сложилась моя дружба с младшим братом Рудольфа Шенкера, ни в Scorpions, ни в UFO, ни в MSG. А вот в 2008-ом, благодаря привычке ознакамливаться со свежим материалом известных команд, прослушал актуальный на тот момент «In the Midst of Beauty» и понял, что это реально круто, а отдельные трэки прочно засели в моем сознании и навязчиво напоминали о себе в течение длительного времени.
Естественно, тогда же я освоил и предыдущие пластинки коллектива, но они меня в целом не впечатлили. Хороший материал на любителя.
К записи этого альбома группа Михаэля Шенкера приступила почти в оригинальном составе 1980-го года, за исключением басиста Мо Фостера, которого заменил Нил Мюррей (Colosseum II, Whitesnake, Black Sabbath). На ударных - Саймон Филлипс (Jon Anderson, Mike Oldfield, The Who, Toto, Derek Sherinian), а за клавишные дела в ответе небезызвестный Дон Эйри - как говорится, без комментариев. На вокале Гэри Барден, чье имя даже выведено в названии коллектива наравне с Шенкером.
Что же мы слышим на этой пластинке? Здесь в наличии европейский мелодичный хэви-метал (или даже хард-н-хэви) во всей красе, но хэви именно континентальной разновидности. Двенадцать красивых композиций обильно сдобренных техничной, но не уходящей в дебри самодостаточного инструментализма, гитарой Шенкера с его фирменными хуками и риффами. Песни яркие, им можно подпевать, некоторые затем постоянно крутятся в голове. Специально не выделяю своих любимцев, поскольку альбом замечательно воспринимается целиком. Единственное «но» - о похожести риффа из песни «A Night to Remember» на классический хит Deep Purple «Smoke on the Water» будет написано в самом конце словами моего друга-музыканта.
Вокал Гэри Бардена хорош, но не идеален. Зачастую он звучит очень лично и проникновенно, но там, где необходимы рок-н-ролльный драйв и отрыв, вокалист не делает этих усилий. Мне услышалось именно так.
Тандем Мюррея и Филлипса работает уверенно и мощно. Молодцы! Правда, звук малого (рабочего) барабана кажется неестественным и гулким, но музыканты посчитали нужным записать его таким образом. Технически всё отлично и на своих местах.
Партии Эйри прекрасно себя чувствуют в аранжировках всех композиций альбома и при внимательном прослушивании видно желание музыканта участвовать в создании общего фона для музицирования главного кормчего коллектива - Михаэля Шенкера.
Если я не ошибаюсь, то «In the Midst of Beauty» стал последним в дискографии MSG, а господин Шенкер стал реализовывать свои амбиции в проектах Michael Schenker's Temple of Rock и Michael Schenker Fest. Успех работы весьма относителен, в Германии – 78 место, в Японии – 32 место, в Соединенных Штатах альбом в чарты не попал.
Мне лично эта пластинка весьма и весьма по душе. Недавно решил заказать японское издание «In the Midst of Beauty» на CD, внимательно прослушав цифровой диск несколько раз.

P. S. Мой друг Станислав о риффах в «A Night to Remember» MSG и «Smoke on the Water» Deep Purple:

«Тональность у Schenker и Deep Purple одна и та же - Gm (соль-минор). Темп практически один в один. У Schenker быстрее на 3%. 117 ударов в минуту против 112. Партия бас-гитары идет в обоих вступлениях отрывистыми восьмыми на одной ноте G (соль), конец фразы только играя с гитарой. Последовательность нот у Deep Purple: G-B-C, G-B-D-C, G-B-C-B-G. Последовательность нот у Schenker: G-D-C, G-D-C, G-D-C-(ход в аккорде F (фа-мажор). Отличаются и размером. У Deep Purple - 4 такта 4/4. А у Schenker 1 такт 4/4, затем 1 такт 3/4, затем снова 4/4 и опять 3/4. Оригинально и слушабельно!»

Volot  24 янв 2024

В 1994 году на свет Божий выходит очередная работа бородатых мастеров хорошего настроения из Техаса - "Antenna". В ней дружная группа немножко освежила направление музыки - поменьше клавишных, чуть больше сырости и гитарных гитар, больше живого в звуке. Смена формулы повлияла на пластинку положительным образом. На обложке нас встречают минималистично нарисованные члены коллектива - нескучный ход, кстати, очень хорошо отражающий характер музыки.

Начинается пласт сразу с нетленки - выстреливший сингл "Pincushion" - качающий рифф, мягкие соло в стиле Гиббонса, едкая лирика о незадачливом подкаблучнике. Идеальный кандидат на главный радио-хит и вечную прописку в сет-листе. Кроме звуковых изменений, чего-то шокирующего в рамках ZZ Top здесь не будет - продолжение линий предыдущих альбомов, старые традиции, исполненные всё так же мастерски. Есть очень романтичные медленные элементы, такие как "Breakaway" или "Cover Your Rig" (которая, кстати, наставляет юным слушателям о несомненной важности контрацепции), есть множество игривых блюзовых номеров, например, "Fuzzbox Voodoo", есть и дополнительно наэлектризованный классический рок в "Girl in a T-Shirt". Вокал Билли Гиббонса всё еще настолько же колоритен, у Дасти Хилла заметно едва уловимое старение голоса, которым он отметился сразу на трёх песнях, включая титульную "Antenna Head". Барабаны Фрэнка Бирда стали звучать более естественно и свежо по сравнению с предыдущими альбомами, практически полностью записанными с драм-машиной. В целом вроде бы старомодной группе освежение звуковой оболочки пришлось очень к лицу. Весьма интересны также "Deal Goin' Down" и чуть ли не фанковая "Lizard Life". - небольшой кусочек 90-х за авторством волшебников. В общем и целом градус фирменного коктейля ZZ Top не слабеет до самого конца на то время самой длинной пластинки техасцев.

"Antenna", даже со всеми легкими нововведениями, остаётся верен духу группы и вполне соответствует неповторимому каллиграфическому почерку ZZ Top. Альбом оказался весьма успешен в чартах, быстро став платиновым, и, по моему скромному мнению, является лучшей работой из всех, выходивших между "Eliminator" и крайней пластинкой на текущий момент - "La Futura".

IJzerklompje  23 янв 2024

Игроманов (в современном понимании слова) в роке/металле всегда хватало. Вспомним знаменитое увлечение Лемми аркадными автоматами, или Трея Азагтота, создававшего карты для олдскульного "Doom", или подсевшего на ежиную иглу Джонии Джиоэли, или Мастейна, который не раз писал эксклюзивные треки для игр, или всеобщий энтузиазм вокруг "Brütal Legend". Видеоигры и дэт-метал решила соединить воедино группа из Гааги Black Mesa Preservation Society. Сразу видно, что в первую очередь вдохновлялись известной серией об учёном-недотёпе. Альбом же назван в честь leet-письма, что указывает на более обширный спектр затрагиваемых вселенных. Насколько интересной вышла аркада от нидерландцев?

Начинается всё с весьма криво звучащей гитары, накрученной дисторшном по шведскому рецепту. Во вступительной песне "Misery" заметны весьма набившие оскомину конструкции, усугубляемые непритязательным звучанием ударных с какими-то отголосками. Группа называет себя дэт/трэш-коллективом, но трэша тут не видать. Куда больше здесь элементов модерн-дэта и слэма со всеми вытекающими. В некоторых местах заметны явные заимствования, как, например, в одноимённом названию группы треке, где слышны "Коробейники", или "Тема Тетриса", ну или несколько тем из ЗВ в "Sick of the Jedi". Вокал Джеффри Спанса балансирует между терпимым и слабым (его скриминг - уши, бедныя мои уши!). К общей синхронизации двух гитар периодически возникают вопросы, не всегда они звучат в миксе слаженно. Соло не являются впечатляющими, кое-где, например в "Chaos", вообще неприкрытый рассинхрон. По текстам здесь всё максимально незатейливо - три трека о "Half-Life", один - о "Звёздных войнах"; два боевичка о геймерах - один чуть-чуть мелодичный "Red Ring of Death" - о погибшей консоли Xbox 360, другой - бойцовский "Ragequit" - о нервном срыве за игрой (хотя настоящие стуки об компьютерный стол будут звучать убедительнее); три последних трека о Скайриме ("Ragnar the Dead" - кавер, судя по всему на голландском, на "Песнь о Рагнаре" - фактически единственный кое-как интересный трек). В общем, ни музыкально, ни по текстам, фантазия не бьётся ключом.

Очередная глуповатая попытка привязать хобби или франшизу к музыке увенчалась скучным, вторичным провалом. Своих Nile геймерам, судя по всему, ждать нескоро, ведь это далеко не единственный коллектив, пытавшийся сделать подобное. Но данная работа вышла уж совсем никакущей.

И зачем я только потратил время...

IJzerklompje  22 янв 2024

В конце 90-х и в начале 2000-х нидерландская сцена брутального дэта переживала настоящий бум. Появились на горизонте такие коллективы, как Disavowed, Severe Torture, Xenomorph - и герои сегодняшнего вечера - Pyaemia (медицинский термин для гнойного инфекционного поражения крови). Дебютный альбом группы "Cerebral Cereal" вышел на лейбле Unique Leader Records, активно собиравшего рьяных и ярких бруталистов.

По музыке сразу можно заметить, что стилистически всё весьма близко к непосредственным хозяевам лейбла - Deeds of Flesh. В целом всё тут - в рамках нью-йоркской школы - глубокий утробный вокал с аккомпанементом скриминга. Барабаны радуют постоянно возвращающимся бластингом, хотя в части "взрывных" моментов самую малость отстают от конкурентов, включая дебютник Disavowed "Perceptive Deception", на котором тоже барабанил Робберт Врейенбрук. Но вот по миксингу претензий к звуку ударных нет. Отменное качество гитарных партий, обеспечиваемое Антоном де Витом и Джоэлем Ста, скорее подчёркивается его неполным диапазоном звучания, сохраняется доля сырости и шероховатости, что является ещё одной отличительной чертой "Cerebral Cereal". Периодические басовые переборы Френка Стейнена вновь и вновь отсылают нас к Алексу Вебстеру. Ни мелодических приёмов, ни нарочито усложнённых партий, ни соло вы здесь не заметите - все 29 минут альбом держится исключительно на брутальности риффов. Из личных фаворитов, определённо достойных внимания, стоит отметить самую длинную и проработанную вещь "Impaled on Stakes" c шикарным вступлением, в быстром темпе следующую за ней "Carried in Proboscis", неожиданно легко раскачивающий "Malodorous Rancidity" и вступительный трек "Gorging on Mucus and Bile", который не один раз каверили дэт-метал-энтузиасты.

В итоге вердикт скорее положительный, чем отрицательный: музыка от Pyaemia качественна, брутальна и не оставляет после себя лишних вопросов, но в моём личном рейтинге стоит пониже соотечественников Disavowed и Severe Torture, которые в самом начале 2000-х тоже издавали очень шикарный материал. К сожалению, группа Pyaemia к 2005 году исчезла, что ещё больше увеличивает ценность их единственного студийника. Очень рекомендую фанатам жанра.

IJzerklompje  20 янв 2024

Только уроки смирения позволили группе Who Dies In Siberian Slush выпустить свой альбом "Уроки смирения" именно вот 31.12.2023. Могли бы первыми выйти в 2024 году 1 января, к примеру. Это уже много говорит о самой команде, но не всё, конечно. Попытаемся разобраться.
Это с 2003 года уже пятый полноформат московской команды, которая, как легко заметить, применяя аналитику и математику, выбрала музыку небыструю, холодную, мрачную и местами - как на альбоме 2023 года - просто жуткую. Funeral Doom/Death Metal её называют, но я довольно серьезно собираюсь подрихтовать это осознание, и добиться хоть какого-то позитивного, пусть и не обязательно оптимистического результата.
Ну, надо посмотреть, на каком этапе мы расстались с группой, дабы было пояснее, чего музыканты добились ныне. Диск "Intimate Death Experience" выходил в 2018 году. И о нем:
«"Intimate Death Experience", это не только особая ступень развития группы, но и претензия по-новому отформатировать рамки стиля. Поразительное чувство при его прослушивании. Понятно, что может быть, группа будет всё отрицать - посягательство на устои и проч.»
Проще говоря, Who Dies In Siberian Slush уже долгое время создают собственный подстиль Funeral Doom/Death Metal, с крутейшим неоклассическим тачем и духовой секцией среди инструментария.
Кстати говоря, я вот буквально перед этой рецензией переслушивал альбом Deathspell Omega - 2010 - "Paracletus", который позиционируется как Avant-garde Black Metal с тематикой Theology, Philosophy, ну ещё кое-какие тэги. И заметил, что существует уловимое родство меж этими альбомами. Возможно - в полном отречении от канона.
Сразу сознаюсь, что я слушаю в высшем качестве и причем в миксе для винила. Тем самым, возможно, открываю какую-то инфу. Ну ничего, группа поправит.
В прошлый раз Who Dies In Siberian Slush вроде начинал с арт-рока. А сейчас душа не стерпела, почали с Фюнерал-Арт-Рока, которого, по несчастью, заправили чуть глубже в тело композиции, как только появились погребальные стоны гитары, а тем паче вот этот драматический вокал - впечатляющий гроулинг. В этом миксе звуки гитар производят впечатление того, что перед вами постоянно открываются большие, широкие и высокие тяжелые пологи. И от колонок низкочастотным бризом веет. Это ощущение подкрепляется печалящимися клавишами, томно грустящими над своей партитурой. Но когда миновали эпицентр «Вместе незримо» и прошёл мост - титанический железобетонный мост, то всё наносное унесло - будто ту песню из 80-х.
Композиция «Омск» - да, хорошо, неплохо отзываются уже появившиеся рецензенты и слушатели в комментах. Не знаю, хорошо ли от этого Омску, что про него песни сочиняет Funeral Doom/Death Metal группа. Time will tell.
Надо поднять пожилое интервью с Who Dies In Siberian Slush, по-моему кто-то из ребят рассказывал про Омск. Ага, вот цитата: «Как раз в этот период мы с коллегой поехали на машине из Омска в Тюмень». Вспоминали, как ехали по саранче и она мерзко скрипела под колесами. Может быть, как раз с тех пор музыканты и играют Funeral Doom?
Часто команда врубает духовую секцию и от того свет сам выключается у вас и гаснут свечи. Музыканты Who Dies In Siberian Slush чутко уловили некую дрожь земли, которая происходит когда играет, например, тот же тромбон. А это как раз признаки надвигающегося землетрясения...
#Neoclassical_Funeral_Doom/Death_Metal - вот вам финальный тэг для «Уроков смирения».
Рекомендации? Это шесть композиций с этого альбома, но особенно - «За гранью». Которая начинается слезливой истеричной гитарой и мид-темповым забоем (не забыли - Funeral Doom/DEATH Metal?), которые совместно размалывают окружающее в тонкую муку, и неистово уничтожают шестерни нашего будильника-времени - оттого, что «мид-темпо» здесь пытается свернуть голову поползновениям на медленный темп. Неочевидная эта борьба «медленного» с «побыстрее» за шесть минут финализирует этот монструозный альбом, не попавший ни в какие чарты года 2023-го.
Придется ему искать пристанище в плейлистах года нынешнего.
P. S. Из того, что хотелось бы всё-таки заметить авторам этого диска. Наррацию (повествование) в трэке «Где смерти нет» нужно было произнести на итальянском языке.

resurgamresponses  20 янв 2024

Многие хорошо осведомлены об африканских корнях в популярной музыке - госпел, джаз, блюз, фанк, хип-хоп, регги, карибские сока и калипсо, рок-н-ролл - почти все они были созданы под подавляющим по силе влиянием африканских ритмов и музыки рабов. А вот как насчёт музыки независимой субсахарской Африки? Пожалуй, если обратиться к рок-музыке, то здесь всё весьма скромно - сцена очень слабо развита, и тому есть объективные причины. Скудность рок- и метал-движения там сохраняется из-за хронической нехватки инфраструктуры, подходящей аппаратуры, профессиональных инструментов, иногда - банально электричества. В странах Франкафрики влияет также неприятие рока суннитским исламом. Ну и далеко не все субсахарцы имеют лишние средства, чтобы банально посещать концерты - не до покупок фирмы и мерча, когда не на что поесть и собрать детей в школу. Тем не менее отдельные рок-группы существовали, существуют, а некоторые даже успешно гастролируют и создают профессиональные альбомы. Большинство из них либо являются роком/металом с добавлением аккомпанемента племенных инструментов, либо подражателями - банальной заменой грандам рока, которые никогда не приедут в условную Киншасу. Для слушателя из других регионов они могут быть интересны разве что с позиций географической экзотичности. Но даже в таких условиях, точнее, даже более сложных - ещё в начале 70-х - в Медной стране возникла целая уникальная музыкальная сцена, чьё влияние смогло даже просочиться вне континента. Наименование этому феномену - замрок. И это далеко не "замена року", а крайне самобытная музыка. А началось всё с группы W.I.T.C.H. - название-акроним расшифровывается как "We Intend To Cause Havok" - "Мы собираемся начинить бед" - смелое название для, по сути, первого по-настоящему профессионального коллектива популярной музыки в стране. Группа выпустила на кенийском лейбле (за неимением других, а с бурским ЮАР договориться было почти невозможно) в 1972-м году дебютник "Introduction" - альбом, явно навеянным такими группами, как The Zombies, The Doors, Jefferson Airplane - западный психодел с африканским, фанковым фасадом. Даже если не брать в учёт априори узкий круг потенциальных слушателей и нулевую конкуренцию (никаких других рок-винилов, кроме дефицитных западных, не было в природе). Неизбежный успех привёл к созданию настоящей сцены Замрок - такие группы, как Amanaz, Salty Dog и The Peace, создавали музыку в похожем ключе, однако феномен оставался в большинстве своём локальным явлением, известным лишь самым пытливым меломанам. Падение цен на нефть к концу 70-х привело к разрушению сцены.

С развитием Интернета больше энтузиастов узнали о замроке, сформировался андеграундный культ. В итоге в 2017 году вокалисту WITCH Эммануэлю Чанда пришла идея набрать новых музыкантов - как из Замбии, так и из Европы (остальных оригинальных участников, увы, давно уже скосили беспрестанные эпидемии инфекционных болезней и ВИЧ), и восстановить группу, так как в более-менее сытой Замбии, ровно как у афроамериканцев в США, появился интерес к замроку. Его труды в итоге вознаградились новым релизом - в 2023 году вышел в свет первый за десятилетия альбом в жанре - "Zango" (на одном из наречий банту означает "место встречи").

Анализируя содержимое пластинки, можно сказать, что изменения от прошлого варианта есть, влияния всего массива музыки и новых технологий, вышедших в период комы замрока, нельзя избежать. Но стоит заметить, что множество психоделических, застывших во времени, чуть ли не архаичных элементов, даже со сменой участников сохранились. В музыке всё ещё присутствуют веяния мастеров психоделического рока и узнаваемая ритмика. Материал вышел даже более живой и совершенный, чем когда-либо прежде. Ну и пусть вас не смущает белые инструменталисты - веселый, жаркий африканский дух пронизывает музыкальную основу на всём протяжении альбома. Разнообразие звуков африканской перкуссии, эмбиенты от клавишника Патрика Мвонделы и множество приглашённых локальных этно-музыкантов, включая вдохновителя другой знаковой команды Amanaz - Кита Кабве на "Nshingilile", позволяет слушателю совершить увлекательное путешествие в тихие и дружные (относительно соседей) замбийские уголки и проникнуться атмосферой сполна. Звук на альбоме выстроен очень хорошо, подчёркивая нужные элементы для создания атмосферы. Даже "Avalanche of Love", эксперимент с более современным хип-хопом с участием известной на континенте певицы Sampa the Great, смотрится более чем гармонично. Классические приёмы эйсид-рока в гитаре Стефана Лилова также на месте. Музыка никуда не спешит, не видя нужды намеренно перегружать размеренный темп племенной жизни. Перескоки между нарочито жизнерадостным английским и мелодичным ньянджа также придают особого колорита психоделической ауре альбома. Хвала достаётся и самому Чанда - для 71-летнего старика он с неплохим результатом сумел встать в строй. Лично отмечу песни: вечерне-мелодичную "Streets of Lusaka", фанковую и расслабляющую "By the Time You Realize" и финальный манифест "Message from W.I.T.C.H." - громкое утвердительное заявление, что Zamrock смог восстать из пепла и не собирается сдавать позиции - призыв продолжать, сохранять, распространять музыку, активно возрождать феномен замрока, всадить его себе в сердце.

Отзывы критиков на возрождение жанра оказались восторженными и, разумеется, хочется верить, что усилия Чанда не пропадут даром и на одном альбоме всё не завершится, а замрок сможет вдохновить и стар и млад не только в Африке, но и далеко за её пределами.

IJzerklompje  19 янв 2024

Для выпуска второго альбома уральским творцам холодно-созерцательной атмосферы Elderwind понадобилось целых шесть лет! Столь долгий перерыв объясняется тем, что после выхода дебюта группа, находясь в относительном информационном вакууме, попросту не имела представления о том позитивном фидбэке, который получил альбом, и какое-то время пребывала в неопределённости относительно будущего творчества. Поэтому написание и запись нового материала сильно затянулись. За это время дебютный альбом «Волшебство живой природы» успел завоевать почётный статус не только на российской сцене, но и вообще стал считаться образцовой работой в жанре атмосферного блэка.

«Чем холоднее ночь», развивая идеи своего предшественника, показал вместе с тем и заметный прогресс, привнеся много нового в музыку Elderwind. Прежде всего, продакшен получился очень пристойным и более качественным, чем на прошлом альбоме – и звук объёмнее, и барабаны звучат куда живее и убедительнее. Но главное отличие кроется в другом. «Чем холоднее ночь» - это по-прежнему неторопливый атмосферик-блэк, но упор теперь сделан на гитарный звук. Несмотря на это, музыка получилась очень мелодичной и местами даже задушевной. В немалой степени этому способствуют пусть и простые, но берущие за душу тремольные соло и упор на плавный мелодизм ведущих гитарных партий. Мелодий на альбоме действительно много и именно вокруг них строятся композиции. Вроде в музыке и нет ничего сложного, но есть правильное чувство и качественное исполнение. Кстати, на этом альбоме проявилась и такая характерная черта творчества Elderwind, как протяжные, напевные мелодии, которые легко ложатся на аккордеон. Есть в этом что-то исконно-национальное, народное. Звучание клавишных хоть и перестало доминировать, они стали шире по наполнению и разнообразнее, временами даже солируя, а не просто создавая фон. В лирических и совсем воздушных клавишно-акустических отступлениях теперь можно услышать флейту и даже арфу. Музыка в итоге получилась торжественно-атмосферной – простор, холод и яркие звёзды. И хотя «Чем холоднее ночь» это всё ещё атмосферик-блэк, местами альбом становится просто атмосферной музыкой, тяготеющей к саундтреку, чему способствует и большая продолжительность композиций. Это особенно заметно в инструментальной версии альбома без вокала. Кстати, на этом диске дебютировал новый вокалист и его манера исполнения ближе всего к декламации. Что вкупе с напористой манерой исполнения делает вокал излишне рельефным, на мой взгляд.

Что касается отдельных композиций, то я бы выделил, в первую очередь, «Алтай». И знаете почему? Потому что песня была написана основателем Elderwind Вячеславом Обоскаловым после двухнедельного (!) похода на Алтай. ТруЪ! По сравнению с этим комфортные прогулки по лесу скандинавских блэк-металлистов похожи на посещение городского парка. Очень мне понравился трек «Просторы свободы» - такой размеренный, атмосферный бошкотряс. «Тишина» весьма удачно выражает идею всего альбома, а кроме того, является идеальным инструменталом современного атмо-блэка. Завершающая альбом заглавная вещь «Чем холоднее ночь» также получилась очень удачной благодаря яркой мелодике и атмосфере. Вообще, любопытно, что по отдельности здесь хороша каждая песня, но всё вместе звучит несколько однобоко. Такой подход способствует ощущению цельности альбома, но больше динамики пошло бы музыке только на пользу. И доказательством тому служит следующий полноформат Elderwind «Пожары», который сохранил атмосферу и мелодические находки предыдущих двух альбомов, но заметно оживил композиции ранее недостающей интенсивностью. Ну а «Чем холоднее ночь» вытащил Elderwind из небытия, укрепил зарождающийся статус группы, а также добавил в концертный сет-лист пару значимых вещей, которые музыканты «обречены» теперь играть всегда.

Alias  19 янв 2024

Норвежцы Disgusting в начале пути здраво рассудили, что заготовка самого обычного дэта рискует так и оставить продукцию на самых дальних полках магазинов, и накопив на первый альбом, вышедший на лейбле Head Not Found Records, сразу начали поиск особенностей, которых они могут и хотят внедрить в обычный дэт. Изучив и веяния скандинавского мелодэта, и набирающий силу дэт-н-ролл, группа стала менять своё творчество, внося в него больше риска.

Сразу бросается в глаза незатейливый характер звука, характерный для бюджетных записей - соло-гитара звучит несколько пискляво, ей будто недостаёт звукового наполнения. А вот от ритм-гитары словно отняли нужную силу. В общем, сведение альбома и звук - уже не парадная сторона данной записи. Касаемо материала, который должен быть вроде бы "блюзовым", если судить по названию, предвосхищающему творческие тенденции конца 90-х групп по типу Anathema, The Gathering, Paradise Lost, то там музыки такого уровня и близко не наблюдается. Чувствуется, что Disgusting переоценили свои возможности задержать и заинтересовать слушателя, да и в принципе чтобы заправить длинную песню соответствующим хронометражу дополнением - обычных акустических вставок совсем недостаточно. К примеру, длинная "Chronological Perversity" к своему несколько неказистому мелодическому участку в середине успевает наскучить, и даже относительно неплохие соло не спасают трек - чем-то более поощряющим, нежели неплохими, их назвать тоже нельзя. Если же посмотреть на песни более короткие и прямолинейные - "Me And My Mind", "Gasp At Your Final Breath" - можно заключить, что им хронометража с лихвой хватает, и оставляют они на порядок меньше негативных впечатлений, воспринимаясь как несколько заурядный, хлипкий дэт, но переносимый организмом. Блэкоподобный вокал Лассе Йохансона звучит совсем глухо, словно за низким качеством записи прячется критическая недостача вокальных данных - голос не звучит сильно и вообще никак не теребит сознание. Больший напор на акустику от Кена Флетчера в последующих треках тоже не работает - хоть сами они сносны, ведь созданное умеющим даже просто адекватно играть на инструменте мелодично-акустическое масло сложно испортить кашей. Средний уровень песен чуть увеличится дальше, но всё же, кроме пары ходов в "My Shade", чего-то замечательного всё равно не видно.

Итог неутешителен - на ниве экспериментального дэта Disgusting не смогли показать высоких стандартов, и в итоге распыление музыки на 50 минут играет против "Shapeshifterbirthblues" ещё сильнее - к моменту, когда развитие зачатков идеи начинает выглядеть чуть занимательнее, добрая половина слушателей просто забросит диск и пойдёт заниматься своими делами. Вялый альбом, хотя группа, если бы захотела стараться в будущем усерднее, вполне могла б возыметь своё лицо.

IJzerklompje  18 янв 2024

Пространное название альбома Illdisposed означает и выход музыки датчан на совершенно другую плоскость, стоит подумать. И начинаясь с реверсированного вступления (вежливый рефрен в сторону Морбид Эйнджел), команда приглашает слушателя вновь охватить закаляющих дэтовых ударов, но весьма заметно, что их характер изменился. Пафос и шипящая злоба сошли на нет, "понтов" коллектив больше не срезает, подход к жанру стал ещё более развязным.

Ключевое слово для описания альбома - ДРАЙВ. Именно насыщенность подвижными, грувовыми риффами, которые и на неторопливых участках не выбивают из колеи, является основной фишкой "There's Something Rotten...", выгодно отличающей его от других представителей дэт-н-ролла. Не ударяясь в заумные пассажи, а просто следуя рок-н-ролльной жилке, которая составляла костяк наиболее удачных работ жанра - чтобы звучало чётко, динамично и нескучно. Касаемо сведения особых нареканий не возникает, хотя иногда кажется, что звук барабанов (отметился Рольф Рогнвар-Хансен) недостаточно полностью отражён во всей красе. Хочется отметить, как хорошо включается более мелодичная гитара и соло от Торе Могенсена, и как в целом выстроена музыка. Дуэт чётко гроулящего певца Бо Зоммера с вопящим собой же даёт интересный контраст в песнях, но голоса не являются самой яркой стороной диска, хоть и не отталкивают от себя. Бросалась в дэт-н-ролл группа не только от скуки, появившейся от более строгого и мрачного дэта, или в рамках погони за трендами - Illdisposed знали, что хотят выжать из своих идей. Не слишком широкий размах экспериментов - песни весьма похожи - позволил изготовить более концентрированный материал. Из совсем необычных моментов стоит заметить разве что "фанковый" отрезок вокала в "Pimp". Тем не менее альбом весьма предсказуем, что всё же действует положительно в большей степени. Ну и вольная интерпретация небезызвестной "Wake Up Dead" оставляет некое смятение. Честно говоря, фишка Illdisposed пролетела здесь мимо меня. Однако начальный трек, "We Lie in the Snow" и "Days on the Floor" будут хорошими примерами музыки на данном альбоме, которая не улетучится после 1-2 прослушиваний.

У Illdisposed смена творческого вектора вышла весьма удачной, и движение в сторону дэт-н-ролла на этом альбоме не остановится. Хотя из всех пластинок, большинство из которых были приняты благосклонно, именно "There's Something Rotten..." я считаю наиболее чарующим. Если сильно профессиональный и негрубый "Soul Survivor" сравнить с гранёным бриллиантом, то дэт-н-ролл от Illdisposed относится к категории мощных и чётко работающих алмазных свёрл.

IJzerklompje  17 янв 2024

Не прошло и шести годков, как в сентябре 2023, на тридцать втором году существования, славный американский коллектив Dying Fetus выстрелил девятым номерным альбомом.

Начиная с «Killing on Adrenaline» (1998) Ваш покорный слуга внимательно следит за творчеством группы, и вся их дискография у меня делится три периода. Первый ознаменован составом, где были три главных столпа DF - John Gallagher, Jason Netherton и Kevin Talley - это до начала двухтысячных. Второй начался, когда Netherton, Talley с Mike Harrison организовали Misery Index, а Dying Fetus, ведомый Галлахером, продолжил свой путь в мире экстремального металла. Состав в то время немного штормило, но к 2009 году (альбом «Descend into Depravity») наступила стабильность, и примерно здесь берет начало третий период, длящийся и ныне.

Лучший для меня диск - «Killing on Adrenaline», любовь с первого взгляда. Услышал в 2000 году. Второй период творчества группы мне не очень: альбомы как будто отражали некоторые шероховатости коллективной работы над музыкальным материалом. А вот начиная с 2009 года Dying Fetus в составе: John Gallagher, Sean Beasley, Trey Williams, выходит на тот уровень, когда становится постоянной величиной в высокотехничном брутал-метале, хотя, возможно, и не самой главной.

При прослушивании данного творения я не удивился. Всё как всегда. Возможно, грува несколько больше чем обычно. Порадовало то, какие трэки были выбраны первыми в качестве «открывашек» - тут всё просто замечательно, я как слушатель сразу понимаю, что мне предстоит услышать и зачем. «Enlighten Through Agony» и «Compulsion for Cruelty» - просто убийственные песни.

Слэм и грув, наряду с выверенными бласт-битами, присутствуют в композициях как данность - это часть проповедуемого стиля. Бас-гитара ненавязчиво ложится на партии гитар и лишь добавляет им мощи, не заглушая. Тут, как мне кажется, реализована суть баланса «техничности и брутальности» без перекоса в какую-либо из сторон. На самом деле, немногим исполнителям это удается и у «Подыхающего зародыша» отлично всё получается. Иногда, когда вспоминается недавнее творчество Dying Fetus, у меня возникает вот такая ассоциация – бласт-бит, грув + мрачное веселье. Это мои личные ощущения.

Dying Fetus одна из немногих групп, с завидной постоянностью выпускающих хорошие релизы в зрелом возрасте, хотя известно много обратных примеров, когда музыканты, выстрелившие первыми альбомами, потом уныло сливаются.

Тут налицо процесс неспешного накопления материала без излишнего давления сверху - например, со стороны звукозаписывающего лейбла, плюс финансовая независимость, позволяющая высказываться музыкально именно тогда, когда есть что сказать. И вроде как я на «Make Them Beg for Death» не услышал совершенно ничего нового, абсолютно. Но… это было свежо, технично, брутально, хорошо записано и хотелось именно этого.

Volot  17 янв 2024

Самый первый альбом знаменитых нью-йоркских трэшеров. Как и полагается, группа прошла через небольшой демо-период и выпустила один сингл в 83-м, который неплохо оценен профильными рецензентами (83/100). Некоторые смены состава и главное - смена вокалиста позволили команде записать свой первый альбом, на котором спел Neil Turbin. Который, кстати, написал тексты.
Виниловую пластинку и кассету издали на Megaforce Records, а также на Music for Nations и Roadrunner Records, в том же году - еще на паре лейблов. Уже только это говорит, что эта пластинка и вообще трэш были востребованы широкой публикой. А еще точнее - просто металлистов было много, а массового интернета не было... Компакт появился только в 1987 году. (Кстати, Megaforce переиздал цветной винил в 2021-ом.)
Подробно о всех перипетиях, предшествующих пластинке, гитарист Скотт Ян рассказал в своей автобиографии, так что просто послушаем, что ребята натворили на этом диске.
Легко себе представить нечто еще более олдовое и вдохновляющее, чем этот альбом Anthrax. А зачем? Вот оно - и олдовое, и вдохновляющее, сам себе режиссер и командир - ТРЭШ в своем первородном обличии, притом обработанный звукорежиссерами так, чтобы его можно было записать на пластинку.
Шустрый, оголтелый и зубастенький, инструментально плотный и вокально непосредственно разнузданный. Скоро Турбина попросят на выход, но вокал его здесь вполне себе знаковый и резкий - в смысле, режущий. И даже те люди, которые предпочитают вокал Белладонны (как я), не могут не признать, что Neil справился на 101 процент, - для первого ударного альбома группы из так называемой Четверки Трэша.
Турбин уверенно модулирует в среднем регистре - cлегка под Judas Priest, и с удовольствием лезет в верхний диапазон, с вибрато тянет ноты. И стопудово - не было бы Турбина, не было бы этого альбома. Но время показало, что вокалиста (любого) можно заменить, да и еще найти получше.
Лид-гитареро - Dan Spitz пришел в команду за год до выпуска "Fistful Of Metal" и играл там до 1995, а потом в период 2005-2007. До Anthrax он немного помолотил ноты в Overkill. Кстати, он младший брат Dave "The Beast" Spitz, который одно время поработал басистом в Black Sabbath. Ну а вспомнил я Дэна оттого, что как гитарист он довольно-таки солидно проявил себя на этом альбоме. И его умопомрачительные соло (например, в "Metal Thrashing Mad") также были на тот момент фирменным тавро команды, как и вопли Турбина.
Итого - 10 трэков наглого, бронебойного, колючего и горючего трэша, вышедших на виниле после «Kill 'Em All», но до «Killing Is My Business... and Business Is Good!» сами знаете каких групп.
Ну и в те времена была такая тема, что музыканты просто добивали свой материал каверами (например, так делали ребята из Megadeth). Так и Антракс выбрали себе кавер "I'm Eighteen" (Alice Cooper) - причем третий трэк в альбоме.
К чему он, помимо того, что просто перебивка меж шустрых композиций, не представляю себе. Вероятно, хотелось побыстрее пластинку выпустить.
Обязательно нужно сказать о некоторых людях, которые обеспечивали запись этого диска, кого-то из них вы, конечно, знаете: Alex Perialas - инжениринг (ассистент), Carl Canedy - продюсер, Jon Zazula (R.I.P. 2022) - исполнительный продюсер. Последний был владельцем легендарного лейбла Megaforce Records.
И я вот сейчас обратил внимание, что на логотипе лейбла два кулака. И один из них - в кастете, видимо, фигурирует на обложке "Fistful Of Metal".
Надо ли говорить, что эта контора в свое время начала выпускать Metallica, Exciter, Grave Digger, других апостолов тяжелого металла?..

resurgamresponses  16 янв 2024

В 2005 году британский квинтет Def Leppard отметил 25-летие своего дебютного альбома "On Through The Night", к юбилею которого было приурочено масштабное мировое гастрольное турне, а параллельно вышел этот самый двойной альбом-ретроспектива "Rock Of Ages..." (первый тираж был вброшен в продажу 17 мая). Не исключено, что по этому факту кто-то съязвит, мол, с не меньшим успехом и таким же размахом можно отмечать выходы каждого из последующих номерных альбомов группы, как, скажем, в своё время это делали Deep Purple. Но, во-первых, DP выпускали именно тот самый альбом, 25-летие которого отмечали, причём в новой редакции, то есть по-новому переписывали программу юбилейной пластинки. Таким образом были переизданы некоторые ключевые пластинки группы 1970-73 годов. Во-вторых, звучание новых записей заметно отличались от оригиналов.

Def Leppard пошли иным путём. К тому же, дебютный диск, каким бы он ни был, для любого исполнителя - это нечто особое. А для кого-то он бывал первым и единственным.

Данный же рассказ совсем не про "On Through The Night" и даже не про "Rock Of Ages: The Definitive...", а о некоторых из тех событий, что уложились в эти 25 лет между двумя датами в истории Def Leppard. Главным образом о том, что преодолела группа и чего за это время хлебнула.

Как известно, "On Through..." был запущен в релиз 14 марта 1980 года компанией Vertigo, когда музыканты DL позиционировали себя одним из представителей NWOBHM, относительно нового, в общем-то, течения в популярной музыке того времени. У англосаксов подобных коллективов развелось тогда уже немало. Возможно, поэтому дебютный альбом квинтета DL по большому счёту был замечен разве что на Британских островах (15-е место). В прочих местах стартовая пластинка новой группы не слишком впечатлила. Но ровно до тех пор, пока DL не вознеслись благодаря своим последующим гремучим альбомам и некоторым событиям с группой так или иначе связанных.

Как бы то ни было, но и на протяжении 1979 года они набирали какие-то дивиденды, прирастали поклонниками и стали одним из заметных составов среди представителей так называемого hair-rock. Группе даже удалось заключить контракт на хороших условиях с лейблом Phonogram (с подразделением Mercury Rec. в США). А ещё в ней частично сменилось руководство. Это была та ещё история. Если совсем коротко - менеджеры Пит Мартин и Фрэнк Стюарт-Браун были уволены за драку П. Мартина с Джо Эллиотом где-то во время переезда группы из города в город.
Новым менеджером DL стал Питер Менш (Peter Mench). Тот самый, что немногим ранее пригласил английскую группу в совместный с AC/DC гастрольный тур по Великобритании.

А в 1980 году парни из DL дебютировали на традиционном рок-фестивале в английском Рединге. Группа вышла на сцену в заключительный день 24 августа практически на самом финише (завершали тогда программу фестиваля Д. Ковердейл с Whitesnake), зрители уже устали, многие были, что называется, на взводе. Музыканты DL были представлены как новички, но публика отметила их выступление по-своему. Когда группа заиграла свою "Hello America", на сцену полетели пивные банки и бутылки, наполненные мочой. Было ощущение, что народ готовился к выходу DL. Впрочем, в качестве некоего оправдания Джо Эллиотт как-то раз заметил, что подобным образом толпа "отметила" всех выступавших в тот день участников фестиваля.
Впрочем, обнаружился и виновник того самого инцидента. Им был "назначен" журналист Джефф Бартон, опубликовавший в издании “Sounds” статью, где обвинил музыкантов DL в том, что те якобы "продались американцам". Объективности ради, видимо, следует заметить, что альбом "On Through The Night" действительно в немалой степени был ориентирован на американскую аудиторию.

А в канун 1984 года с одним из участников группы случилась история куда более серьёзная: барабанщик Рик Аллен и сопровождавшая его подружка в окрестностях Шеффилда попали в автоаварию. Пытаясь на высокой скорости обогнать ехавшую впереди машину, Р. Аллен потерял управление своим Corvette и врезался в стену ограждения, в результате чего левая рука Рика была ампутирована. Трагедия для барабанщика, беда и большая проблема для группы.
Однако другие музыканты DL в той истории проявили себя порядочными соратниками по ремеслу и верными друзьями. Вся четвёрка всячески поддерживала Р. Аллена и никогда не искала ему замену. А производитель новомодных электронных барабанов Дейв Симмонс помог Рику разработать специальную ударную установку, на которой часть функций потерянной руки тот мог выполнять ногами.

В этой связи работа над четвёртым альбомом DL, названным "Hysteria", растянулась на долгих три с половиной года (диск вышел в августе 1987 года). Не в последнюю очередь несчастье с Р. Алленом способствовало тому, что альбом стал самым продаваемым из когда-либо выпускаемых английскими командами. Тираж "Hysteria" превысил 12 миллионов, из которых только в Американских Штатах было реализовано 9. Там пластинка вообще 49 недель пребывала в местном хит-параде, и даже возглавляла его какое-то время.

А в самом начале 1991 года эту успешную и весьма востребованную группу постигло очередное потрясение: в своей лондонской квартире был обнаружен мёртвым гитарист Стив Кларк. Один из основателей Def Leppard скончался от очередной передозировки, что для остальных музыкантов уже не являлось неожиданностью. После фурора с альбомом "Hysteria" наркозависимость С. Кларка, совмещённая с неуёмным злоупотреблением крепкими напитками, достигла апогея. В какой-то момент в группе сказали "хватит!" и определили товарища в профильную клинику. Это ли не свидетельство заботливого, едва ли ни трепетного отношения к пропадающему собрату по оружию в рядах DL? А ведь от Кларка можно было запросто избавиться и даже объяснений не потребовалось бы, тем более что заменить его всегда было кем.
Замечу, пожалуй, что участь Стива Кларка ещё раньше могла постичь другого гитариста группы Пита Уиллиса. Но с тем в DL обошлись более круто, уволив по ходу работы ещё над третьим альбомом "Pyromania" (1983 г.) и заменив Филом Колленом из рок-бригады Girl. Как чуть позже оказалось, Коллен также был не без греха.

Место Стива Кларка занял бывалый гитарист Вивиан Кэмпбелл, добившийся известности ещё в составе группы Ронни Дж. Дио. Его официальный дебют состоялся весной 1992 года на переполненном легендарном стадионе «Уэмбли» в Лондоне во время выступления DL на мемориальном концерте, посвящённом светлой памяти Фредди Меркьюри. Согласитесь, был в этом некий символизм.

Рискую вызвать на свою голову шквал возмущений и негодований (или в лучшем случае несогласий), но возьму на себя смелость поделиться такой вот крамольной мыслью. В самом деле, если совсем ненадолго усомниться в искренности тех людей, что принимали решения в пользу своих сотоварищей, то может показаться, что в каждом из тех случаев этими людьми управляли холодный расчёт и элементарная целесообразность. И тогда, если абстрагироваться от всех этих вещей, оставив, как говорится, в сухом остатке музыку Def Leppard и только, то всё может представиться в ином свете. Не буду дальше развивать эту мысль.
Теперь что касается музыки. Можно по-разному воспринимать наследие DL. Интересующийся этой темой народ, наверное, так и поступает. Лично для меня творчество этой группы разделилось на то, что DL делали до и после, если брать за разделительную черту трагическое событие с Риком Алленом, случившееся 31 декабря 1984 года. Тем, кто готов заклеймить меня позором, попытаюсь объяснить, о чём это я. Тут, знаете, допустимо такое сравнение: если, скажем, в привычную тебе еду вдруг стали бы добавлять некие ингредиенты, пусть даже полезные и жизненно необходимые. А восприятие уже не то, и почему-то больше не тянет к этому блюду. Так и с музыкой DL, изменившейся с выходом их супер-альбома "Hysteria". Само собой, мужество и целеустремлённость Рика Аллена не подвергается сомнениям. Но никак невозможно отделаться от иного звучания его электро-установки системы Симмонса и изменившейся техники работы однорукого барабанщика на ней. А вместе с этим и звучания группы в целом. Вольно или невольно, но музыканты вынуждены были подстраиваться под иную технику Р. Аллена. Особенно на первых порах.
И определённую рафинированность в общем звучании группы не заметить никак невозможно. Другое дело - как к этому относиться. Я вот, признаюсь, не слишком жалую музыку DL, начиная с их LP "Hysteria". А всё, что они записали и выдали в релиз с середины 90-х годов, не слышал вообще. И не очень об этом жалею. Хотя и отдаю должное группе.

Так вот, 34 собственные песни DL включены в компиляцию "Rock Of Ages", из которых лишь две представлены их альбомом "On Through..." ("Rock Brigade" и "Wasted"). Из этой подборки получились бы четыре полновесных альбома. И какие, представьте, это были бы альбомы!
Хотя, возможно, отдельные номера и вызывают сомнение.
Среди всех этих песен как-то затерялась кавер-версия "No Matter What" известного в прошлом валлийского квартета Badfinger. Выбор музыкантов DL, если честно, достаточно странный. В дебютном LP "No Dice" (1970 г.) этой группы были вещи и поинтереснее. Не исключено, что здесь дело в другом. "No Matter What" - это песня лидера Badfinger Пита Хэма, автора неповторимой "Without You" из того же, кстати, альбома. В 1976 году в состоянии глубокой депрессии Пит покончил с собой, в следствие чего хорошая группа развалилась. П. Хэму было 27 лет.

Надо заметить, что на Туманном Альбионе этот 2CD-сборник не вызвал большого интереса, да и стоил недёшево. А вот за Атлантикой, где к DL всегда относились с особым чувством, эта роскошная подборка по версии Billboard 200 добралась до первой десятки (в Канаде и того выше - вошла в тройку лучших). К тому же первый тираж этой компиляции был издан именно на американском континенте собственной компанией DL под названием Bludgeon Riffola, основанной там ещё на заре существования группы. В Европе первый тираж "Rock Of Ages" был отштампован лишь в 2008 году.

Думаю, нет никакой необходимости в очередной раз что-то рассказывать о песнях, составивших этот сборник. И долго и неконструктивно: вряд ли кого-то заинтересует моё мнение о его содержании. Ещё раз замечу, что определённые коррективы напрашиваются. Наверняка у каждого был бы свой вариант. И слава Богу, что так.

...Брайан Джонс (The Rolling Stones), Кит Мун (The Who), Марк Болан (T. Rex), Джон Бонхэм (Led Zeppelin), Бон Скотт (AC/DC), наконец Джон Леннон в 1980-м, чуть позднее Феликс Паппаларди (ex-Mountain), Фил Лайнотт (Thin Lizzy), Брайан Коннолли (ex-Sweet), Фредди Меркьюри (Queen), Стив Кларк (Def Leppard)...
И это лишь часть длинного списка преждевременных потерь личного состава среди звёзд мировой рок-музыки.
Все эти такие разные люди известны нам нынешним не только тем, что оставили свои славные имена в скрижалях истории рок-сцены планетарного масштаба, делая для нас великую музыку, но ещё и потому, что слишком рано покинули эту грешную землю. Как и подобает истинным героям рок-н-ролла.

МихаилБогданов  15 янв 2024