|
|
 |
|
| Наслушавшись свежего опуса основной группы Адама Дарского, я решил освежить в памяти материал с дебютника его сайд-проекта из благословенного 2017-го года. Помню, все тогда много шутили про польское кантри и ругали певческие способности Нергала, что по итогу, вкупе с уходом из проекта второго основного участника, превратило последующие альбомы коллектива в капустник с приглашенными звездами в качестве вокалистов. Но то было потом, а пока – Me And That Man в своей изначальной концепции мрачного кантри, где два человека поют о любви, смерти, ну и дьяволе, конечно.
Все лучшие песни на релизе Нергал, кажется, оставил себе. Речь идёт в первую очередь о стоящих особняком «My Church Is Black» и «Cross My Heart And Hope To Die». Возьми эти две песни, присовокупи к ним еще пару-тройку наиболее пристойных, выпусти в формате EP и навсегда забудь о существовании такого проекта – и этот релиз мог бы стать легендарным. В «My Church Is Black» Дарский под нехитро бренчащую гитару и то и дело солирующую губную гармонику начинает рассказывать историю своего героя, отверженного антихристианина, попавшего куда-то на американский юг. В «Cross My Heart And Hope To Die» герой раскрывается еще лучше. Этот мрачный тип, то ли сам Иуда, то ли просто какой-то большой грешник, наверное, полностью укладывается в шаблоны лирики в подобной музыке. Но всё же нельзя не заметить, с каким смакованием Нергал, жонглируя жанровыми клише, напирает именно на общий антихристианский посыл своих историй. Причём делает он все это при использовании самых простых слов и метафор, в отличие от того же Behemoth, где без ухода в античную мифологию и труды оккультных классиков писать тексты уже не получается. Сама же «Cross My Heart And Hope To Die» не гнушается использования в аранжировке банджо и кабацких хоровых подпевок, прибавляющих нужной атмосферы. Голосу Нергала же явно не хватает бархатистости, концептуально здесь подразумеваемой, но результат ухо все равно радует.
Почти все остальные песни на пластинке слушаются как этакие жанровые безделушки, не лишённые своего обаяния и даже потенциала стать чем-то большим, но тонущие в абсолютной шаблонности. Взять ту же «Nightride», на которую еще и был снят клип. Сомневаюсь, что кто-то в здравом уме посчитает её равной двум вышеназванным композициям, слишком уж проще она звучит. Песню, кстати, поёт «тот мужик» Джон Портер, что иронично обыгрывается в конце клипа. Вообще надо сказать, что песни с вокалом Портера действительно кажутся более простецкими и минималистичными по сравнению с песнями Дарского. Портер выглядит человеком абсолютно не гордым на фоне эстетствующего люциферианца. Забавнее, когда оба мужчины поют дуэтом, лицо сразу начинает кривиться в ухмылке от разницы между тем, для кого английский язык является родным, и тем, кому повезло родиться восточноевропейцем. И дело тут как будто бы не только в произношении и вокальных навыках, но и в общей непохожести бэкграундов этих двух людей.
Из песен я бы ещё выделил плотную «Better The Devil I Know», её тоже поёт Дарский, при поддержке единственного на пластинке женского вокала. Всю композицию девушка повторяет лишь вынесенную в заголовок строчку, но делает это, что называется, от всей души. Инструментальная часть здесь «жирна» и может похвастаться скрипками, электроорганом и даже солирующим ближе к концу басом.
Из песен Портера мне лично больше всего понравилась «Of Sirens, Vampires and Lovers», абсолютно простая, если не сказать примитивная, в плане текста, но как-то очень правильно сделанная в плане музыки и эффектов на вокале, добавляющих песне воздушности, эфемерности. Ещё более примитивной кажется, например, «Voodoo Queen» – частый здесь случай. Не утопай песня в шаблонности, из неё мог бы получиться шлягер, но то ли музыканты боялись её переусложнить, то ли в принципе не понимали, что ещё сделать с аранжировкой, но композиция выглядит просто зарисовкой к тому, чем она в итоге так и не становится.
Закрывает альбом спетая дуэтом, фактурная «Ain’t Much Loving». Нергал в ней звучит слегка как пародия на Гленна Данцига, но раз уж мы начали играть в эту игру под названием «польский кантри-блюз», то давайте не будем совсем уж придирчивыми и просто насладимся драматичностью финала. Больше двое этих мужчин вместе уже не споют.
Начиная переслушивать альбом, я был настроен к нему довольно скептически, но, чёрт подери, несмотря на всю клишированность песен, есть в них какое-то своё обаяние. В конце концов, сама концепция такой группы на момент начала своего существования казалась довольно прикольной (не могу подобрать более ёмкий эпитет). Что же касается двух основных хитов, то они звучат, пожалуй, поинтереснее большей части современного творчества Behemoth. Конечно, настоящим ковбоем Нергалу едва ли когда-то стать, но косплей получился веселым. Шляпа, надетая ещё в 2014-ом году и для другого проекта, так и приросла к голове поляка, став важной частью образа в Me And That Man. Отпетый металлист смог продемонстрировать новые грани своей личности и творчества. Ну а люди? Люди приходят и уходят.
|
|  |
|
|
|
|
|
| 18 лет - это вам не шутки. А именно столько времени существует команда STONEHAND. За этот исторический период записано 8 альбомов, и восьмой - это как раз сабжевый.
К слову - STONEHAND играет СВОЮ версию Хард-Рока, Southern Metal, именно что создан собственный брэнд. И яркий мелодизм этой музыки является конкретной отличительной особенностью группы.
Новейший альбом «Суеверия и предрассудки» - это 11 композиций и 45 минут классной музыки. Которая своими корнями во многом уходит в 70-е и 80-е годы прошлого века, когда создавался стиль Хэви Метал.
Наверное, можно уже сказать и о главной движущей силе группы - Александре Горбунове, он спел и сыграл на гитаре, барабанах и перкуссии. Он же написал музыку и слова. На бас гитаре сыграла Джина Rose Of Steel.
Не знаю уж, вольно или невольно, может изначально ставится такая задача — проходных трэков в альбоме нет. Ну мне кажется, что Александр — в чем-то и перфекционист. А еще точнее - максимальная нацеленность на результат.
И оттого - почти каждая песня — реальный боевик, с яркой гитарной работой, проработанной структурой и качественным звуком (да!, уж тут времени и средств не пожалели).
Как вокалист, Александр - совершенно при делах, его голос давно уже визитная карточка команды. Это серьезный рок-вокал, с которым любая песня будет сделана на больше баллы. Вокальный диапазон - от основного, мощного и динамичного до высоких взвивающихся нот. Характерный трэк в этом плане - «Хижина дяди Джо». В нем, кстати, слышно, что (как и в других трэках альбома) вокальная архитектура занимает немалое место в доведении трэка до ума, и то, что кажется ПРОСТО удачным певческим решением, записано на нескольких дорожках итогового трэка.
В плане лирики альбом обращается к мистическим темам (о чем намекает название диска), байкерским (куда ж без этого в классической харде), социализации отдельных личностей («Изгой»), азартных игр (о чем еще Лемми пел в «Ace of Spades»). Да множество тем, которые приличествуют Харде и особенно Southern Metal.
Несомненно, что композиции альбома весьма хороши для концертного исполнения, ибо обладают значительным драйвом, да и энергетически они заряжены соответственно. Тут немалая заслуга как раз грамотно организованных риффинга и ритм-секции, да и ритмика текстов конечно же играет свою роль.
Выделить в этом альбоме что-то особенное - трудная задача, по причинам, указанным выше. Тогда скажем так — пусть трэк «Громче». Это именно Southern Metal, с незаурядными вокальными партиями, с неожиданными сменами внутренний структуры и чумовыми соляками неудержимой гитары. Кстати, трэк доказывает, что эту музыку нужно слушать ВНИМАТЕЛЬНО.
|
| |
|
|
|
|
|
| 27 июня 2025 года на лейбле Nuclear Winter Records вышел восьмой полноформатный альбом американской дэт-метал группы Drawn and Quartered «Lord Of Two Horns», которые уже давно заслужили право называться ветеранами жанра.
Записанный в разные периоды 2023-2024 годов в Plague Pit гитаристом Келли Шейном Куциембой (барабаны записал Крис Маннино в Die Burning Studios), смикшированный и отмастеренный Лоиком Фонтеном для Krucyator Productions, релиз может удивить старых фанатов коллектива:
«Это одна из наших лучших записей. Я хотел добиться таких же результатов, как в свое время на «Hail Infernal Darkness». Главное, что мне нужно было много играть, прежде чем записывать альбом. И я играл. Я играл в 4 группах, много гастролировал и записывался. Мы сделали лучший альбом, который могли записать в это время» (Келли Куциемба).
Автором обложки в очередной раз выступил Габриэль Бирн:
«Херб много работал с Гэбриэлем, чтобы придать обложке форму, отражающую тематику альбома и группы. У нас есть несколько знакомых идей и обратных связей, которые люди могут открыть для себя, а также трехголовая сущность, прорывающаяся через портал. Здесь есть и обезглавленные трупы, и причудливая мегаструктура. Просто захватывающее искусство, написанное масляными красками на холсте человеческой рукой. Это просто невероятная работа».
Это воистину зверский, жестокий и сокрушительный альбом, наверное, самый тяжелый студийник Drawn and Quartered. Предыдущий диск «Congregation Pestilence» (2021) был довольно мелодичным, в противоположность ему «Lord Of Two Horns» просто сметает все на своем пути, он сшибает напрочь с ног своим плотным саундом, мощными риффами и дъявольским вокалом Херба Берка, который, как всегда, отработал на «5+», его глубокий гортанный рык, вероятно, звучит более нечеловечески, чем когда-либо. Без всякого сомнения, так быстро и яростно группа еще никогда не играла.
«Lord of Two Horns» - один из самых кровавых слэпов со скотобойни. Поводья воющей ярости, больные миазмы и ломающие шею брейки скрываются среди жутких восклицаний арканных кровавых обрядов и маньячного взрывного насилия».
Это самый настоящий «водоворот взрывного насилия, удушающей атмосферы и риффов, достаточно острых, чтобы отсечь плоть от кости. В то время как думовые пассажи и криптовые мелодии все еще таятся в тени, преобладающей силой является неистовая свирепость - это дэт-метал, созданный, чтобы калечить, выкованный в огне и исполненный со злым умыслом». Именно так гласит пресс-релиз.
Извращенный риффинг извивается и корчится, создавая те самые больные звуковые миазмы. Пара гитарных соло также возвышается над всей этой кровавой бойней и агонией. Вокал достигает еще более жутких глубин и высот, извергая желчь и ярость, в то время как барабаны продолжают свои маниакальные взрывы боеприпасов, а бас - свои безумные подземные извращения.
На общем фоне резко выделяется седьмой трек «The Devil’s Work Is Never Done», который начинается как тягучая думовая композиция, а потом неожиданно разгоняется до высоких скоростей.
Мне кажется, что это самый короткий по продолжительности студийник команды: он длится всего 34 минуты, и все 8 треков проносятся слишком быстро, как одно мгновение.
Лирику для альбома написал Херб Берк:
«Я написал тексты для многих наших последних релизов, всех трех предыдущих CD и альбома 2023 года PLAGUE BEARER «Summoning Apocalyptic Devastation». Я также написал тексты для сплита с RAVENOUS DEATH. Я определенно не хотел писать тексты для этой пластинки. Как бы то ни было, это демонстрация ударных Саймона. Херб тоже должен иметь возможность блеснуть на этой пластинке. А я был занят тем, что играл в куче групп, выступал на концертах и делал записи. У меня нет планов снова писать тексты для DRAWN AND QUARTERED или PLAGUE BEARER. Мне нравится просто играть на гитаре и делать этот звук как можно лучше» (Келли Куциемба).
Подводя итог, нужно сказать, что «Lord of Two Horns» — это брутальная интерпретация олдскульного дэт-метала 90-х. Новый альбом Drawn and Quartered содержит восемь песен, которые поглотят вас целиком, выплюнут, а затем размозжат в кровавую кашу.
В моем личном топе альбомов группы эта работа вполне может претендовать на второе место после великолепного «Hail Infernal Darkness» (2006). А третью позицию разделят диски «Feeding Hell's Furnace» (2012) и «Congregation Pestilence» (2021).
|
| |
|
|
|
|
|
| Честно говоря, несмотря на всю мою безграничную любовь к блэку шведского разлива, Lord Belial мне не нравились никогда. Большая часть студийников группы представляет собой скучный сопливый симфо-блэк-дум, и ни один из них меня нисколько не зацепил, хотя в свое время я переслушивала всю дискографию банды несколько раз. Должна признаться, меня всегда поражал тот громадный разрыв между брутальной внешностью этих мужиков и тем музлом, которое они сочиняют и продвигают в массы.
В 2022 году, после очередного реюньона шведы выпустили свой восьмой по счету полноформатник «Rapture», который я изначально даже не собиралась слушать. Но, тем не менее, я с ним ознакомилась на досуге. Я не скажу, что я была от него в восторге, но, в целом, как ни странно, он произвел на меня весьма положительное впечатление.
И вот, почти 3 года спустя, 27 июня 2025 года на лейбле «Hammerheart Records» в свет вышла девятая работа коллектива, которая называется «Unholy Trinity».
На мой взгляд, это самый тяжелый, самый скоростной, самый мощный и яростный и, наконец, самый удачный альбом Lord Belial. Я совсем не ожидала от них выпуска такого брутального (применительно к остальному творчеству группы) релиза в стиле блэк-дэт. К счастью, соплежевание закончилось, и, перестав наматывать сопли на кулак, парни наконец стали играть бодрый, прекрасно спродюсированный и интересно аранжированный материал. Надеюсь, что они и дальше будут продолжать в том же духе, и группа не развалится в ближайшее время, как было уже не раз за ее долгую историю существования.
«Unholy Trinity» до предела наполнен мрачной атмосферой, сложными гитарными пассажами и умным сочинением песен. Без сомнения, это очень зрелая работа.
Также в этом альбоме можно найти отсылки к предыдущим дискам группы, например, песня «Serpent’s Feast» включает в себя краткую отсылку к легендарному альбому группы «Enter the Moonlight Gate».
Каждый инструмент, наряду с вокалом, выведен на полную мощность, создавая как невероятно интенсивные пассажи, так и увлекательные контрасты, которые подыгрывают апокалиптическому настроению альбома, подливая масла в огонь величия. Вокал часто дублируется, создавая зловещий хор, который стал визитной карточкой шведского блэк-метала.
В общем, «Unholy Trinity» удался на славу Сатане. Не знаю, как насчет «альбома года», но с тем, что это – очень крепкий и качественный релиз, вряд ли кто-то будет спорить.
|
| |
|
|
|
|
|
| Занятное наблюдение — ровно восемь треков длится любой альбом Avatarium, если высчитать среднее арифметическое; длительность же каждого альбома по отдельности составляет неровные сорок шесть минут с верхним пиком в пятьдесят три. С учётом того, что их общий хронометраж позволяет зарядиться дискографией на целый рабочий день, было сделано допущение, что и внутри мы всегда найдëм содержимое «плюс-минус» близкое к ожидаемому, а именно набор оглядывающихся на протодум рок-номеров с эпизодическими робкими шагами в бока. Где-то вступительный рифф за счёт fuzz-тяжести заставит вспомнить Jucifer или Baroness, а где-нибудь задорный галоп ритм-секции скажет: «Дальше слушаем Iron Maiden!» (И то, последнее, согласно выжившим воспоминаниям, уже ого-го какой смелый новаторский ход.). При этом, в рецепте обязательно наличие: слегка подгруженной, но чистой «лирики», перебора «лесенкой» на овердрайве, вихляющего в стабильно-сочном миксе ручья гитарного соло (опционально, на клине или дисторшне), и столь же обязателен строгий запрет на мужской вокал, утяжеление, ускорение и замедление (больше или меньше определëнных значений соответственно).
Как говорится, охапка дров — альбом готов.
...Хотя, стоп, как раз тут, не иначе, как в «Медузе» дали немножко попеть детишкам, но пусть то, что маленькие засранцы испортили всю малину, останется на их совести — не так и трудно, по итогу, их перепутать по памяти с партиями госпожи Ann Smith. Прелестными, чего не отнять, но — принципиальных отличий ноль.
Да, пожалуй, отнесëм эту крохотную мутацию к разделу «шаг влево, шаг вправо».
А далее следует уже не наблюдение, но вопрос: если шестой альбом подряд сделан по единой формуле, отдельные переменные которой можно ретроспективно вычислить даже вот так, умозрительно и «снаружи», то — плохи ли наши дела? И ответ у меня однозначен — ровно настолько, насколько вам того хочется. Хотите бубнить о необходимости свежих идей — ради бога (только вас никто не услышит, имейте в виду). Хочется, наоборот, воспеть оду коллективу, который «снова и снова, снова и снова» поëт всë то же «то да потому»? И это можно, почему нет. Мир знает примеры и куда более вопиющей наглости в эксплуатации своего имени (вспомните Cradle of Filth, где иной раз такая беззубая каша, что плакать хочется).
Лично моя проблема с коллективом немного в другом: написав рецензию на один альбом, я вряд ли что-то смогу сказать отличное про любой другой (за вычетом «тут и там», опять же) за счёт максимальной клиентоориентированности проекта, и вот как относиться именно к этому — дело уже ваше. Лично для меня Avatarium не успел состариться настолько, чтобы задолбать, и ни я, ни мы все, не можем знать — нам банально не показывают почти пятнадцать лет — «Что было бы, если?». А если без «если», то — хороший альбом. Мой любимый, благо, все козыри бросает сразу и разряжается постепенно, нереально бодро вставляя первой своей половиной. По-настоящему грустно посему лишь оттого, что из шести посредственно-вторичных LP можно было бы собрать полтора изумительных, и не было бы претензий совершенно никаких и ни у кого, но — тогда бы и живучесть группы была куда ниже. Что бы они делали, спрашивается, после выпуска какого-нибудь восьмидесятиминутного монстра, в момент отожравшего бы себе все мыслимые почести? Было бы им куда дальше расти в занятой нише, где ничего не было придумано с нуля, и имелась лишь грамотная комбинаторика из всего того, что другие люди создали и тридцать, и все сорок лет назад?
Чёрт бы его знал. «Если бы, да кабы, так был бы то не рот, а целый огород», поэтому слушаем то, что есть и собираем альбом-гигант самостоятельно — вон, «The Fire I Long For» со старта даёт смачного хука всем недовольным.
Точно так же сдуваясь после второго трека, мать его.
|
| |
|
|
|
|
|
| Позволю рассмеяться наивной «себе из прошлого», что без тени сомнения предзаказала "A Sonication" сразу после анонса, отмахнувшись от пресных предзаказных синглов с мыслью «да ну, на альбоме же наверняка будут хорошие песни, чего по синглам судить!». Ведь опыт "A Valediction" уже показал, что «синглы — ложь, в них лишь намёк», так чего же волноваться теперь? Что ж, все ошибаются. Сразу скажу, что пока я писала эту «рецензию» (в кавычках, ибо куда больше эта стена текста смахивает на ворчливую графоманию из жалобной книги ресторанной сети "Obscura", где меня за мои кровные накормили отменными помоями), Штеффен наверняка поменял состав группы снова. Быть может это случилось, пока вы читали эти строки. Или случится в самое ближайшее время — помяните моё слово! Честно признаюсь, что меня не интересуют закулисные интриги и драмы с плагиатом материала для этого альбома. Я хочу сосредоточиться на музыке и ни на чём другом — или хотя бы попытаться.
Новый альбом вышел спустя примерно три с половиной года после "A Valediction", альбома, который преподнёс почти оригинальный состав времён "Cosmogenesis/Omnivium" и звучал условно как продолжение той линии творчества группы. По слухам, Кристиан покинул группу, забрав собственные идеи с собой, так что Штеффену пришлось полагаться на другие источники вдохновения — свои или позаимствованные у предыдущих музыкантов группы. В любом случае сроки поджимали, а творческих ресурсов осталось всего ничего, что вылилось в череду самоповторов и поспешных решений. Ничем хорошим это, конечно, не закончилось.
Первое, к чему сразу возникают настороженные претензии, это длительность альбома. Тридцать девять минут! Безусловно, многие группы выпускают и более короткие альбомы, звучащие на порядок более сложно, насыщенно и свежо композиционно, но в случае "A Sonication" тридцать девять минут это слишком много. Альбом не старается даже искусственно накрутить дополнительные минуты, предлагая взамен горку самоповторов в красивой обёртке. Наверняка можно было выжать условно двадцать пять минут лучших моментов из всех песен, написать жирным шрифтом "EP" и пустить в тираж как отмазку вида «мы тут туры катаем, концертный альбом выпустили, текучка кадров ещё эта, творческий кризис, все дела, но мы обязательно вернёмся..!». Даже такой жест можно было бы понять и простить. Но чуда не случилось, и мы получили странное во всех отношениях «нечто».
Например, странное сведение. Казалось бы, гитарный звук слабо отличается от предыдущего альбома, не несёт никаких открытий, не отдаёт гнильцой и в целом звучит пристойно. Вокал опять же не меняется годами, разве что в этот раз Штеффен чуть больше увлёкся гроулом и недосыпал вокодера. В этот раз даже бас звучит достаточно ясно и чисто, пусть практически ничего интересного в басовых партиях не прослеживается, если исключить редкие сольные моменты (но о них чуть позже). Но барабаны звучат туманно, тускло и фоново, будто появляясь лишь в те моменты, когда мозг сосредотачивается на них — всё остальное время барабанов будто вовсе не существует. А ещё есть какие-то атмосферные синтезаторные элементы, в котором как в наваристом супе тонут все остальные инструменты да вокал за компанию. Синтезаторы дублируют акустические гитары, подчёркивают самые «эпичные» моменты в песнях тут и там, при этом размазывают общую звуковую картину как кашу по тарелке, из-за чего буквально все песни звучат шумно и размыто. Напоминаю, что мы пытаемся говорить о техничном прог-дэте, где точность и ясность по идее должны присутствовать как одни из главнейших составляющих. Впрочем, что нам звук — идеи-то музыкальные никаким сведением не задушишь, верно..? Ах, если бы только было, что душить! Если исполнение материала на альбоме ещё более-менее на уровне, то сама же музыка, сами идеи и задумки оказались насквозь вторичными и скучными. Позволю себе покопаться во всём меню по порядку...
"Silver Linings" — бодрая открывашка без какого-либо вступления, которая звучит так, будто песня должна была быть второй по списку, а не первой. Достаточно агрессивная и драйвовая для интро, она всё-таки оставляет достаточно странное послевкусие, особенно с весьма странной затухающей в пустоту концовкой. Порции почти в каждом блюде у нас большие, поэтому эти финальные 35 секунд можно и убрать — во вкусе песня явно не потеряет. Следующая за ней "Evenfall" является, пожалуй, самой странной композицией не только на этом альбоме, но и во всей дискографии группы (пожалуй, исключая "Weltseele" с "Akróasis"). Медленный, грувовый, атмосферный акт без какого-либо видимого музыкального направления вертится вокруг всего двух-трёх основных идей. Конечно, это совсем не то, что многие ожидают от Obscura, но ведь эксперименты у них были и в прошлом: стоит лишь вспомнить откровенно SMDM-ные песни с "A Valediction" и общее влияние Thulcandra на творчество Штеффена. Проблема же "Evenfall" в том, что у песни нет хоть сколько-нибудь определённого мелодического/гармонического пути: припев едва разрешается в заглавный рифф, периодически перемежаясь откровенно слабым «поворотом» куплетных частей. Обычно медленные композиции у Obscura следуют хоть какой-то логике ("Ocean Gateways", "The Monist", "Devoured Usurper"), но здесь складывается впечатление, что песня сама не знает, куда хочет двигаться, как не знает, чего хочет от неё композитор. Вступительный рифф после энного повторения смертельно надоедает, так что во избежание проблем с пищеварением, мы уберём последние 20 секунд песни, где этот бессмысленно тянущийся рифф повторяется дважды. "In Solitude" начинается весьма резво и даже презентует неплохие риффы в самом начале, но очень скоро переходит в почти дословное повторение заглавной "Silver Linings". Как, ну как можно так нагло копировать целые части отдельно взятой песни в буквально третьем альбомном трэке!? Тридцать девять минут это не так уж и много времени для заполнения музыкального пространства, а здесь самоповторы начинаются почти сразу! Я даже успела забыть, что в интро были весьма неплохие риффы (которые без каких-либо изменений оказались скопированы в конец песни) — настолько скучной оказалась середина песни. Может, вырезать оттуда 45 секунд? Тем более, что эту «начинку» мы уже распробовали в контексте первого блюда. Дальше же у нас идёт "The Prolonging" — две минуты концентрированного кулинарного шедевра. Хочется в лоб сравнить с "The Enragement Engagement" от Under Threat: такая же быстрая, агрессивная и бескомпромиссная нарезка риффов, аккуратно уложенных в компактную длительность. В "The Prolonging" хорошо буквально всё: напор, риффы, соло, мелодии, гармонии. Никаких проходняков, ничего лишнего. Конечно, песню можно было бы сделать и длиннее, но в контексте этого альбома двухминутный боевик это именно то, что нужно. Даже грустно, что "The Prolonging", на мой взгляд, это лучшая песня на альбоме с точки зрения смыслового композиционного наполнения. А затем у нас идёт "Orbital Elements III", которую здесь зачем-то обозвали "Beyond the Seventh Sun". Безусловно, здесь есть не только элементы оригинальной "Orbital Elements", но и отсылки к "A Transcendental Serenade" с "Omnivium". Рецепт же остался прежним: берём инструментальный акт, наполняем акустическими гитарами, триольным метром, басовыми и гитарными соло (никаких барабанных соло, но об этом опять же чуть позже). Мог получится вполне съедобный и в целом приятный трэк, если бы не недостаток по-настоящему хороших идей для соло. Впрочем, частички "A Transcendental Serenade" сделали своё дело и придали некой серьёзности всей композиции, ибо звучит она куда менее раздолбайской в сравнении с "Orbital Elements II" с "A Valediction". Конкретно здесь сведение смазало музыкальные задумки и лишило какой-то изысканности и яркости. И, конечно же, повторение вступления в конце без каких-либо изменений опять же звучит притянутым за уши, так что и отсюда мы уберём аж 40 секунд. Следующая за нет "Stardust" без предупреждения выдаёт нам риффовку из "Ten Sepiroth" буквально после интро. Благодаря элементам с "Akróasis" "Stardust" звучит достаточно приятно и даже в чём-то свежо — я даже откажусь от вырезки скопированных из прошлого элементов — к счастью, никаких больше отсылок к "Silver Linings"! Конечно, ряд композиторских решений вызывает вопросы, но и об этом мы поговорим чуть позже — как только закончим с меню. Поначалу я думала, что "The Sun Eater" окажется очередной композицией в духе "Ocean Gateways", но затем темп повествования сменился на более быстрый и мелодичный, что позволило получить и горстку приятных риффов, и щепотку неплохих мелодий тут и там — отдельные части, к слову, очередной раз были позаимствованы из предыдущих работ Obscura. Здесь же, впрочем, сравнивать больше хочется с чем-то от Souldrainer времён "Heavens Gate", пусть даже если только отчасти. Неровность подачи, к сожалению, не идёт песне на пользу, вместо желанного разнообразия вынуждая спотыкаться от части к части без стабильного грува и стабильной технодэтовой пилорамы. К счастью, и здесь все элементы оказались с большего на месте, так что вырезать лишнее мы будем из финальной "A Sonication". Заглавные песни зачастую выделяются чем-то особенным и необычным — иначе зачем давать такое же имя всему альбому? Вот и здесь Obscura попытались сотворить кульминацию, большой взрыв, но... не вышло. Интро обещало так много, но песня по итогу, не сумев удержать планку качества, не принесла ничего, кроме одного большого разочарования. Сразу после вступления соло-гитары были тут же заменены монотонной пустотой ритм-гитар, затем последовала череда отсылок к предыдущим работам группы (не опять, а снова!), правда, в этот раз такие отсылки оказались даже в чём-то уместными. Даже вернувшийся ненадолго вокодер не смог исправить ситуацию. Есть тонкая грань между хорошими отсылками, которые вынуждают слушателя воскликнуть «о, это же отсылка к их старой песне, как умно и тонко!» и ужасными самоповторами, от которых только хочется выдать раздражённое «ну вот, опять они используют это дерьмо, как же достало!». Obscura попытались использовать все знакомые элементы, за которые слушатели и любят группу. Все те ингредиенты, которые слушатели узнают, все вкусовые ощущения, которые вызывают приятные и комфортные мысли в духе «да, точно, это же Obscura, обожаю!». К сожалению, совместить всё это было очень сложно, и Obscura не смогли. Финальная композиция "A Sonication" завершается бесконечным соло, которое затухает на протяжении аж двух минут безостановочного гитарного поединка. Говорят, соло в той части записывал какой-то именитый гитарист, но я не слышу там ничего интересного, хорошего и необходимого конкретно этому альбому, поэтому настою на том, чтобы бесцеремонно отрезать последние две минуты композиции. Суммарно же мы вырезали почти четыре минуты хронометража!
Почему? В основном из-за композиторских косяков и терминальной стадии творческой импотенции. Из-за обилия элементов, которые были абсолютно не к месту или не нужны альбому вовсе. Из-за того, как альбом оказался собран на коленке, сварен в одном котле и разложен в восемь тарелок разных цветов. Мешанина идей вылилась в безвкусное и малопригодное к употреблению хрючево. Старались ли музыканты в принципе? Однозначного ответа на этот вопрос нет. Да, вокал Штеффена практически не меняется годами, как и тексты его авторства — ничего критического про них говорить не хочется. Да, безладовый бас, которым изначально так славились "Cosmogenesis/Omnivium", слышен теперь намного лучше в сравнении с "A Valediction". Но теперь проблема лежит в самих партиях и композициях: на альбоме огромное количество мест, где басу просто негде развернуться и продемонстрировать хоть какое-нибудь мастерство и движение музыкальной мысли. По больше части бас просто следует за гитарами или барабанами. Безусловно, сам факт того, что бас теперь ясно прослушивается в пачке и выходит немного вперёд, когда требуется, радует, но даже целое басовое соло в "Orbital Elements III" звучит безвкусно, странно и невоодушевлённо. Гитары, впрочем, находятся в куда более плачевном состоянии. Да, звук гитар остался практически без изменений (со всеми скрипами, шершавым клиппингом и песочной серединой тут и там), но в музыкальном плане мы получили скучное повторяющееся месиво из практически одинаковых свипов в качестве соло и абсолютно фоновых чешущих ритм-гитар, периодически вбрасывающих переваренные остатки риффов из старых песен группы. Не осталось места инновациям, не осталось места стилю: есть только свипы ради свипов, мелодии как затычки поверх шуршащих ритм-гитар, соло, возникающие ниоткуда и приходящие в никуда — причём порой ещё и записанные с сильными ритмическими огрехами: либо кто-то разучился играть на гитаре, либо звукоинженеры оказались слишком ленивы, чтобы исправлять чужие косяки исполнения. Учитывая, что альбом собирался в спешке (по слухам, под давлением лейбла), велика вероятность, что времени на шлифовку банально не оставалось — а может быть и самим музыкантам уже было глубоко плевать. И если бы соло были только нелепо сочинены — их ведь ещё и вывели по громкости вперёд всей остальной пачки. Возникающие из ниоткуда запилы внезапно получают ясность и чёткость, которая требуется по факту всему миксу. Слушателям буквально рисуют большие жёлтые стрелки, кричащие «СЛЫШИТЕ??? ЭТО СОЛО!!!». Конечно, соло не заглушают вообще все остальные инструменты, но изменение в громкости становится крайне заметным, когда весь микс представляет из себя вяло булькающий суп со звуком откуда-то из-под подушки. Да и сами соло будто сочинены всеми музыкантами группы по очереди. По кусочкам. Вслепую. Будто один такт писал первый гитарист, второй такт писал басист, третий такт придумал барабанщик, а четвёртый такт дописал от себя звукорежиссёр. Обычно слушатель может запомнить хотя бы примерное звучание соло в общих чертах, здесь же после прослушивания остаётся лишь пустота в памяти, как после прослушивания статичных упражнений на технику исполнения. И, конечно же, у нас в качестве десерта есть барабаны — или, точнее выражаясь, барабанная подложка, поскольку 90% времени барабаны просто следуют за гитарами, играя абсолютно стандартные паттерны в четырёх четвертях. Никаких ломаных ритмов, ничего прогрессивного, ничего интересного и цепляющего. Это больше напоминает барабанные лупы из какой-то библиотеки сэмплов, подложенные под скучные ритм-гитары. На всём альбоме барабанщик — равно как и басист — просто вторят гитарам, не привнося ничего нового. Ничего уникального, ничего ценного, ничего яркого и запоминающегося. В противовес барабанной работе на этом альбоме вспоминаю "We Are the Nightmare" от Arsis, где барабанщик разошёлся не на шутку и наворотил сумасшедших сбивок, идущих строго параллельно остальной ритм-секции, вместо того, чтобы следовать чёткой схеме вида «вот здесь бочка 16-ми, вот здесь бластбит, вот тут триоли, вот тут сбивка, куплет-припев-соло-припев-концовка». Такой натурально творческий подход позволил альбому дышать, двигаться, расти композиционно. В техно-проге барабаны в принципе задают основу всего и вся, ведь без грамотно сочинённых и записанных барабанов развалится всё остальное. Рискну предположить, что на "A Sonication" барабаны нарочно задвинули куда-то вглубь пачки, чтобы не привлекать внимание к чем-то столь безвкусному и скучному. А учитывая постоянные изменения состава группы, можно с тем же успехом взять на вооружение драм-машину.
Obscura поставили слишком высокую планку в прошлом. Впрочем, Obscura ли как группа или всё-таки сам Штеффен? В 2006-м году вышел первый альбом — и все ушли, Штеффен остался один. Ещё два альбома — ещё одна смена состава (на самом деле несколько, но не будем углубляться — наверняка за прошедшие минуты состав сменился ещё раз). "Diluvium" — ещё одно значительное изменение. "A Valediction" — и ещё одно. "A Sonication" — и ещё! Сложно применять слова «группа» и "Obscura" в одном предложении. Пресный, разочаровывающий, скучный и неуклюжий альбом после нескольких лет ожидания (без учёта концертного сборника) — вот и всё, что мы получили. Остаётся только перекроить альбом на свой лад, обозвав это EP или компиляцией переосмысленных идей прошлого.
Ах да, мы же отрезали по кусочку от почти каждой песни тут и там! Может, нам ещё удастся спасти эту кулинарную катастрофу? Попробуем! Начнём, пожалуй, снова с "Silver Linings" — в конце концов, это неплохая бодрая открывашка, разве что концовку мы просто передвинем в самое начало, искусственно подкорректировав затухание. Теперь у нас есть органично вписавшееся интро, песня не начинается на ровном месте, а без лишней концовки песня теперь весьма уместно переходит в "In Solitude", поскольку обе песни слеплены из одного теста. Но, мягко говоря, "there's no place for silver linings in solitude", поэтому мы вырежем почти все дублирующиеся элементы, чтобы на выходе получить более собранный, менее надоедливый и не такой скучный трэк. Третьим в очереди будет заглавный трэк "A Sonication" — примерно как после "Solaris" мы слышали "A Valediction" на предыдущем альбоме. Куда более «обскуровский» подход, так сказать. И, как говорилось выше, мы вырезаем последние две минуты нудной гитарной тягомотины, смещая затухание туда, где песня завершается намного более логичным образом. А следом мы поставим "Evenfall", медленный эпичный акт, служащий теперь мостиком между двумя половинами альбома, что даёт нам передышку между несколькими более мясными композициями — опять же, со слегка укороченной концовкой, которая весьма неплохо переходит в "The Sun Eater". Медленно открывая вторую половину альбома, постепенно переходим на тустэп и бластбиты для компенсации. Ба, да песня в таком значении начинает звучать практически сбалансированно! Видать, Штеффена не заботили не только композиции как музыкальные творения, но даже такая вещь как порядок песен. В любом случае дальше у нас идёт "The Prolonging" — финальный боевик, быстрый, энергичный и бескомпромиссный. То, что нужно второй половине альбома! Ещё одна передышка в виде "Orbital Elements III" — этот инструментал звучит необычно мягко в контраст предыдущей песне и в целом более осмысленно в контексте обновлённого трэклиста перед финальной композицией. Ровно так же работала "A Transcendental Serenade" перед "Aevum" в уже достаточно далёком 2011-м году. Правда, и от "Orbital Elements III" мы отрезали концовку, что нота в ноту повторяла вступление. И, наконец, мы завершаем альбом песней "Stardust". На мой взгляд, эта композиция подходит намного лучше на роль закрывающей вещи, чем заглавная песня. Интро отличается от всего альбома по настроению, референс к "Ten Sepiroth" перестаёт звучать притянутым за уши, а мягкая и ненавязчивая концовка с финальной строчкой "We shall wander in stardust" подводит финальную черту и собирает альбом воедино. Готово! Мы исправили новый альбом Obscura! Тридцать пять с половиной минут звучания против изначальных тридцати девяти, а также куда более адекватный порядок композиций (с некоторыми оговорками и вырезками) в более классическом «обскурном» стиле — в конце концов, если Штеффен использует много элементов из прошлого, никто не запрещает мне достать из того же прошлого его старый метод организации песен в альбом, верно?
Подытоживая сей крик души, я ставлю этому альбому четвёрку. Да, это катастрофа и разочарование за разочарованием, за что я честно хочу поставить двойку или тройку, но всё-таки я пишу больше из обиды за неоправдавшиеся ожидания и ворчания ради. Песни ведь не такие плохие, техничность всё ещё где-то присутствует, да и само настроение Штеффеновских поделок после всех этих лет всё ещё приятно резонирует где-то в отдельно взятых отделах моего головного мозга. И это несмотря на поразительную способность Штеффена терять креативных и талантливых музыкантов с завидной регулярностью. Последние затем пускаются в свободное плавание и создают собственные проекты: к своеобразному "Obscuraverse" можно отнести сольники и новые проекты почти всех бывших музыкантов: Hannes Grossmann, Christian Muenzner, Linus Klausenitzer, Alkaloid, Obsidious, Quadivum, Changeling и другие. Кто знает, может, новый состав подарит нам в будущем альбом с очередным свежим композиторским и исполнительским подходом? Или Obscura наконец исчезнет, как и ожидалось после «прощания» на "A Valediction"? Быть может, не одномоментно, но шаг за шагом, альбом за альбомом, песня за песней, состав за составом, пока однажды ярко пылающий проект не превратится в сверкающую пыль на просторах безжизненного межзвёздного пространства..?
Увидим.
"As last farewell, we will fade
And disappear and fall apart
As last relieve, we shall forget
We perceive and emerge in vain*
*When we will leave, we lose everything
And unburden our past
We shall wander in stardust
We shall wander in stardust"
|
| |
|
|
|
|
|
| Мои отношения с поздним Illdisposed с уверенностью можно назвать странными. Несмотря на то, что начиная где-то с 2008-го года я наперёд знал, что меня ждёт (малоинтересный околомелодичный грув-дэт в крайне осоловелой форме, с негибким вокалом Суммера), я всё равно слушал каждый их выходящий альбом с какой-то тупой надеждой на то, что датчане, наконец, выспятся, разгонятся — и рубанут нормального митолу.
В первый раз какая-никакая удача мне улыбнулась на «With The Lost Souls On Our Side» 14-го года, где был один хороший, бодрый трек и пара просто неплохих, но уже следующий за ним альбом запомнился исключительно обложкой, а 2019-й не запомнился и этим. После чего 5 лет я о группе особо не вспоминал.
И вот в прошлом году «In Chambers of Sonic Disgust» явил себя так же внезапно, как на пороге твоего дома являет себя давно позабытый родственник, вопрошающий, помнят ли я его.
Помнят. С виду всё та же неказистая одежда нелепого кроя, та же осунувшаяся крупная фигура, тот же чрезмерно грубый голос... Но какой-то нетипичный, игривый огонёк в глазах. Первые две песни — умело пущенная пыль в уши, после которой "Lay Low" не то что удивляет - ошарашивает. Её настроение - уверенная в себе созерцательная меланхолия в панцире робкой гимновости. Её музыка - упрощённый до едва осязаемых форм мелодичный гитарный саунд и простенькие, но красочные клавишные зарисовки. А родственник-то не так прост оказался! На четвёртом десятке лет дал волю чувствам, выдав одну из лучших своих вещей!
И если бы Illdisposed после неё, очухавшись и вернувшись к исходным настройкам, до конца альбома гнули свою прежнюю душную линию, то я всё равно бы записал «In Chambers Of Sonic Disgust» в категорию как минимум интересных. Но "Lay Low" как будто переключила то ли у группы, то ли у меня какой-то подсознательный тумблер и дальнейшие, за несколькими исключениями, типичные для группы треки выглядят не такими бессмысленными валунами, как раньше. Хотя, конечно, без "The Ill-Disposed" и "All Electric" лично я мог бы и обойтись.
Разгадка этого, не побоюсь этого слова, феномена заключается в том, что изо всех своих ипостасей датчане в этот раз сделали упор пусть и не на самую нынче очевидную, но на практике сработавшую - мелодичную. Они не стали ради неё подавлять грув-дэтовую основу (возможно, что и зря), поэтому пиршества красок ждать не стоит, но подспудно это работает на ура. А уж в те нечастые моменты, когда мелодический нерв полноценно выходит наружу, то есть риск получить отвал пачки. Например, “For Us” умело усыпляет бдительность, впоследствии оглушая взрывной концовкой, а "I Suffer" наваливает финских вайбов, являя собой тонкую балансировку между Tomb of Finland с их упадническими мотивами, и Omnium Gatherum с их рубленными риффами, гибкими «лидами» и несуразным гроулом. Но венец альбома как по месту, так и по сути - "Pain Suffer Me". В иной ситуации и времени она бы имела все шансы стать знаковым явлением на мелодик-дэт сцене, ибо все необходимые данные при ней: зацикленный, цепкий рифф, лаконичность и отсутствие всяческого «довеска» - In Flames в 90-х и начале 00-х на подобного рода вещах сделали карьеру. Но Illdisposed здесь и сейчас едва ли поимеют с этого профит.
Да и сам альбом, несмотря на все достоинства, едва ли станет откровением даже в рамках дискографии датчан - слишком уж поздно и слишком уж осторожно они начали экспериментировать со звуком. Поэтому лично я буду радоваться локальному его успеху в лице меня и надеяться, что датчане не сойдут с этого пути и продолжат удивлять.
|
| |
|
|
|
|
|
| Слушая новый альбом Behemoth, я невольно задаюсь вопросом, что же такого произошло в далеком уже 2014-ом году с группой и её лидером Адамом Дарским, что позволило полякам совершить буквальный эволюционный скачок в творчестве, записав материал неожиданной свежести? Был ли это общий подъем духа после победы над лейкемией, придавший Нергалу вдохновения, или это было что-то еще, но факт остается фактом: альбом «The Satanist» стал для группы переломным, подняв планку качества на уровень тяжелых групп первой величины. Не то чтобы альбомы до «Сатаниста» были плохи, но начиная с этой пластинки подход к творчеству стал как будто более основательным, более мейнстримным. Из злобно рычащего волосача в кожаных доспехах, коих было и остается немало на метал-сцене, Дарский в клипах с нового альбома превратился в эстетично отстраненного Люцифера/Одина, носящего красивую шляпу. Все клипы с альбома, кроме авангардного «Messe Noire», вообще были представлены в эстетском ч/б, что по задумке, вестимо, должно было роднить их с высоким кинематографом. Конечно, поменялась и сама музыка, в ней стало больше эклектики, среднетемповости, мелодизма, будто подростковый максимализм с желанием сделать быстрее и тяжелее уступил место взрослой размеренности. Последовавший за «Сатанистом» альбом «I Loved You at Your Darkest» был сделан по абсолютно тем же лекалам. Уже тогда пошли разговоры о самокопировании, но лично мне пластинка нравится: пусть и не обладая эффектом новизны, ей все ещё есть, что предложить слушателю. А вот третий раз войти в ту же реку Стикс у группы уже не очень получилось. На «Opvs Contra Natvram» общая эстетизация окончательно взяла верх над непосредственным музыкальным творчеством, форма победила содержание. Кажется, что Behemoth лень было сочинять новые песни, поэтому они взяли старые с предыдущих двух альбомов, немного перетрясли их и выдали эту пережеванную кашу под видом крутых и стильных сатанинских опусов. Получилось скучно, и судя по сет-листам с концертов, сами музыканты это тоже признали.
Так чем же в текущем году попотчует нас польский ансамбль? Уже первые синглы с нового альбома - «The Shit Ov God» и «The Shadow Elite», соответственно - намекают на проделанную группой работу над ошибками прошлого полноформатного опуса. Главной целью была выбрана борьба со скукой. Сразу начинает ощущаться какое-то общее упрощение нарративов, включая название пластинки, радикально избавившееся от зауми латыни. Нергал последовательно называет себя в песнях то «темной элитой», то «сранью Господней», подразумевая, что это примерно одно и то же. Музыка тоже стала как будто прямолинейнее и бодрее, несмотря даже на очевидное заимствование в «The Shit Ov God» идей тягучего шедевра «O Father O Satan O Sun!».
«Долбежный» трек «Sowing Salt» едва ли может похвастаться интересными композиторскими решениями, зато в «Lvciferaeon» группе, кажется, удалось найти идеальный баланс музыки и текста. Многократно проговариваемый Нергалом припев, емко отражающий идею милого сердцу музыканта люциферианства, отлично ложится на тремольную мелодию. Это одна из лучших песен альбома, более чем достойная того, чтобы подарить ему свое название. Но эпатаж для польского хулигана оказывается важнее.
В «To Drown The Svn In Wine» Дарский замахивается аж на знаменитое стихотворение Уолта Уитмена «О капитан! Мой капитан!», смешно рыча его первые строки, но в итоге переиначивая на свой лад. Это тоже довольно неплохой боевичок, в конце которого неожиданно начинает истерически вопить женщина, словно банши, призванная группой на студию вместо Люцифера.
Из смешного – «Nomen Barbarvm» начинается с многократного произнесения магического слова «абракадабра», и разрази меня гром, если здесь нет ироничной отсылки к одноименной песне Леди Гаги, прослушиванием нового альбома которой Нергал бравировал в соцсетях. Про саму композицию сказать особо нечего, это довольно средний трек эпохи позднего творчества группы.
«O Venvs, Come!» так и вовсе заставляет вспомнить прошлый альбом, являясь, пожалуй, самым скучным номером в трек-листе. Зато заключительная «Avgvr (The Dread Vvltvre)» с первых секунд поражает олдскульным тремольным пилиловом, к которому со временем добавляются звучащие на бэке завывания всё той же женщины, создавая неподражаемую в своей макабричности атмосферу. В вокале пана Дарского чувствуется особая исступленность, словно у работяги, который нынешнюю смену, в отличие от прошлой, отпахал на все деньги.
Общее время звучания альбома составляет чуть менее 38-ми минут, что является для группы абсолютным рекордом скорострельности за последние 25 лет.
В целом же можно сказать, что Behemoth записали неплохой альбом… выпусти они его году в 2013-ом, ну или хотя бы сразу после «Сатаниста». Свежих идей на «The Shit Ov God», не считая истеричной женщины, не больше, чем на предшественнике. По сути, их нет вообще, просто реализация старых в этот раз была выполнена грамотнее. Все песни с альбома так или иначе напоминают что-то скомпилированное из предыдущего творчества. Интересных мелодий, выходящих за рамки аранжировок, сделанных по заранее заданным группой стандартам, обнаружить не удалось. Кто-то назовет это фирменным стилем, однако в 2014-ом году почему-то ничто не помешало музыкантам серьезно поработать над своим звучанием, результатом чего стал прекрасный альбом, не паразитирующий на предшественниках. Даже тексты к большинству песен написаны будто нейросетью, помещающей греко-римских божеств в иудео-христианский сеттинг, где модные солдаты Люцифера пафосно борят диктат Иалдабаофа. «The Shit Ov God» по-ремесленному крепок, но слушать в четвертый раз то же самое становится уже утомительно.
|
| |
|
|
|
|
|
| "Между тем из самых обыкновенных театральных декораций зритель бессознательно отбирает те элементы, которые ему необходимы. (...) Во время постановки "Фауста" возник вопрос: как изобразить пуделя. Настоящий пудель, приглашенный для этой цели, вел себя прекрасно и делал по проводке те круги, которые было нужно. Но при его появлении в публике неизбежно срывался смех: живой пудель был нарушением сценических реальностей. Он вносил логику другого мира. Он был неубедителен. Тогда пудель был устранен совершенно, Фауст обращался со своими словами к пустому, темному пространству. После первого представления один из зрителей говорил, что особенно жуткими показались ему прыжки пуделя в темноте." (с) М.А.Волошин. Театр как сновидение.
Новгородская группа CRUST при оформлении обложек уже давно работает с петербуржским тату-художником Дени Актемировым. Визуальный стиль этого артиста (с коим необходимо ознакомиться любому фанату нестандартных и трудоемких техник, я настаиваю!) весьма гармонично сочетается с парадигмой творческого пути мрачного квинтета – на конвертах изображены монохромные рассыпающиеся / растворяющиеся люди.
В какой-то степени, движение CRUST от альбома к альбому – это via dolorosa, непрекращающаяся жертва на алтарь металла: на каменном капище лежит агнец Уникального Стиля и Собственного Запоминающегося Лица, вглядываясь в твои глаза и умоляя пощадить, дать превратиться в огромного зверя с витыми рогами и золотым руном, копытом попирающего сущее. Но вот колышущаяся толпа позади, во тьме, ропщет: «Русский примитивмэн это конечно, хорошо, но навалите-ка нам блэка и бэттл-металла, да понажористее, чтоб бластами поливало, чтоб гитары чесали, мы люди простые, а примитивмэн сложный». В этом варианте реальности агнец заколот и CRUST играют шикаро звучащий, забористый бойкий металл без конкретной привязки к подразделению жанра (от шведодэта и разухабистой хеллхаммеровщины до британского дэт-дума и общего бегемотовского флёра) – всё это подобно бочке тьмы, внутри которой бьется о ржавые стенки черный пудель, которого каждый увидит по-своему. Эта музыка понравится всем, уверен, но мало кто скажет, услышав ее впервые – о, это ж CRUST.
Не всем дано быть уникальными. Но иногда достаточно быть просто лучшим среди таких же.
|
| |
|
|
|
|
|
| Всеми любимый, узнаваемый и отличный от всего прежнего звук явлен миру.
Если, к примеру, Venom звучит как смесь Motorhead и Black Sabbath, то Exploited - это как Skrewdriver, исполняющие песни Джими Хендрикса.
Параллели с кем-то или чем-то проводить очень сложно, ведь здесь всё свалено в одну кучу - тут и oi!, и вся эта грязь, которую привнес Сид Вишес своей попыткой повыступать после кончины Pistols. Всё сделано грубо, мерзко, провокационно. Вот вам и рождение нового направления.
Первые годы существования The Exploited пытались угодить аудитории, для привлечения внимания как можно большего количества слушателей разных предпочтений в рок-музыке. Эта запись - разрушение стереотипа о самих себе, кричащая о том, что мы делаем то, что делаем. "Мы художники, мы так видим!"
"Let's Start a War..." прямо извращает действующую рок-сцену до нельзя, в семье не без урода и альбом жаждет быть этим уродом.
Даже вокал 25-летнего Бьюкена стал более бесчеловечным и венчает всё это великолепное дно.
Совершенно очевидно, что такой персонаж как Д. Дункан стал неугоден, да и сам не горел желанием в таком проекте участвовать далее, но большую часть всего хорошего, что есть в The Exploited, привнес именно он. Практика смены состава от записи к записи уже тогда стала нормой.
В принципе, по самому материалу сказать можно кратко - он скоростной, сырой и до нельзя прост.
Именно это звучание группа далее будет эксплуатировать всё сильнее и сильнее, добавляя различные новшества на свой вкус, как, к примеру, частый вывод баса на передний план или ухудшение звука до уровня дилетантской демо-записи... но это всё будет потом.
Ведь действительно весь хэви-метал меркнет на фоне этого альбома и кажется бутафорской игрой.
Декабрь 1983 года... икона стиля сформировалась.
|
| |
|
|
|
|
|
| Progressive Post Doom Metal - такими тэгами покрывает себя московская группа Endless Осean. Что уже заставляет насторожиться... и как показала практика, совершенно не зря. Это второй полноформат команды, и я знаю, что музыканты подходят к своему творчеству самым серьезным образом.
Сочетание Progressive и Post Doom Metal привлекает однозначно. Понятно, что музыканты поставившие перед собой такие цели, не обойдутся простыми решениями. Так и случилось.
Как вам идея, создать широкое музыкальное полотно, в котором меланхолические (пост-думовые) темы соединены с прогрессивными в одно единое целое? Путем пересборки отдельных приемов, которыми славится Doom Metal. По зрелому размышлению понимаешь, что амбициозная творческая задача была решена. Еще слышно, что музыканты вложили в свое творение очень много личного, не только эмоций, как это полагается, но и композиционных приемов и решений (напоминаю, ПЕРЕСБОРКА). По иному и нельзя было.
В альбоме "Покинутый. Главе первой" (более 40 минут длительностью) — четыре длинных трэка. Где музыканты развернулись по полной программе. Нужно и можно в указанной стилистике. Пост-думовая лирическая тема вершит право и закон в трэке первом. Причем здесь интересно, что вокальная мужская чистая линия отработана с восточным колоритом. Да и музыкально что-то есть такое, но не так явно, как в вокале. Не теряем ориентиров, в поддержку идет экстремальный харшевый вокал. И! Музыканты добились шикарного взаимодействия в плане вокальной архитектуры. Вокалов здесь немало (еще и высокий женский), и они все завязаны заманчивым прогрессивным узлом. Это не гордиев узел, интересно слушать, погружаться в эту музыкальную феерию, мастерски выстроенную как исполнителями, так и (сразу скажу) звукоинженерским составом.
Ждешь ли какого-то ужесточения и мощи метальной в трэке два? Честно говоря, не очень, потому что гипнотизирующая музыкальная канва просто захватывает. В очень большой степени трансовое воздействие обусловлено женским вокализом, который пронзает весь альбом. Но всё-таки трэк 2 - более роковый и метальный. Гитары продолжают изливать струнную душу, и знаете в унисон с ними исполняют высокие вокалы. Сильно. И далее «мягкие» харшевые и чистые. Впечатляющая вокальная полифония продолжается. Плюс инструментальный прогрессив на высоком уровне.
Брутально начинает трэк 3, буквально по-трэшевому или блэковому, с гитарным и вокальным озверением. Эта опция сыграла, и музыканты погрузились в комфортный пост-думовый движ. Однако одухотворяющей энергии в этой композиции еще немало, она будет прорываться, как демоны прорываются в этот мир благодаря ритуалу.
Нужно ли сказать, что темп в данном альбоме далеко не константа? Вероятно. Но изменения ритма на диске - это дыхание. То убыстренное - во время движения, то медленное - в минуты покоя, то опять ускоренное - по нервяку, в связи с эмоциональным выбросом.
Финальная композиция — пост-думовый релакс с приступами светлой грусти. Для завершения альбома вполне обоснованный прием. Должна же оставаться, хотя бы теплиться надежда? Гитары - акустика плюс электрическая - составили красивый дуэт, к которому присоединился женский вокализ.
В итоге — сильная монолитная работа, показывающая московских металлистов в ракурсе музыки навороченной и весьма минорно эмоциональной.
Как вы поняли, после первой главы, последует глава вторая. Ждем.
|
| |
|
|
|
|
|
| После выхода провального "Cenotaph" (2023) группа решила пересмотреть свой подход к творчеству. Сюжет и вселенная это, конечно, очень хорошо, но когда люди слушают музыку важное значение имеет и музыкальная составляющая. И какой бы ни был отличный закрученный сюжет, если он подан заунывной криво исполненной тоскливой шнягой, то и всё целое тоже будет воспринято соответствующе.
Два сингла, выпущенные после "Cenotaph", существенно отличаются от предшествующего альбома. "The World We Saved" выделяет яркая мелодия, на "Blessings Upon The Field Where Blades Will Flood" заметно возвращение к прежнему звучанию группы времен "Progenitor". Ближе к концу 2024 года вышел еще один сингл, "When Honor Meant Something", еще больше напомнивший о былых временах. И в то же время было объявлено о том, что эта песня войдет в предстоящий альбом, что вышел 23.03.2025. На диск вошли и оба предшествующих сингла, бонусами, причем бонуса эти были расположены не в конце, а в начале трек-листа. Сделано это было скорее всего потому, что, во-первых, описанные в них события идут именно в таком порядке, и, во-вторых, из-за приличного хронометража самих песен. Он впечатляет - "The World We Saved" длится 15 минут, "Blessings Upon The Field Where Blades Will Flood" - 18 минут, и если их поставить в конце альбома, то их попросту не будут слушать.
Итак, "Bellum Interruptum" (2025). Прежде всего, это долгожданное возвращение назад, к корням. Везде, где есть гроул, а таких песен большинство, снова звучит industrial death metal. Причем "The Plague Pit" напомнила мне один из древнейших треков, "Clash Of Cultures" (2005), в "The Collapse Promised To All" есть что-то общее с "Anathema" из "Empyrean" (2013), другие треки тоже напоминают прежде всего то, что музыканты могут. И ещё как! И наладить звук в намного лучшую сторону. И добавить кучу новых фишек, чего не было на предыдущих альбомах. И не отказаться от уже представленных веяний, улучшив всё, что только можно. Бесподобна ультрасовременная "Bellum Interruptum", эти десять минут пролетают почти незаметно, оставив в памяти красивую мелодию и просто приятное впечатление. Понравились и другие песни без гроула, впервые за много лет появилось желание слушать новый релиз Mechina. Лирика альбома продолжает общую историю межпланетной войны, где стороны выдвинулись на позиции, но основное сражение будет в одном из следующих эпизодов. Сюжет интересен, здесь всё на высоте.
В альбоме есть и недостатки, главный из которых это чрезвычайная затянутость в начале и скомканность в конце. Бонусные длиннющие вещи можно было бы уменьшить, а две последние, наоборот, растянуть. Но, как это всегда бывает, музыкантам так виднее. Еще один недостаток- это звук, который можно было сделать ещё лучше, надеюсь, на следующем альбоме так и будет. Чрезвычайная затянутость "Bellum Interruptum" это больше минус, чем плюс - на мой взгляд, такие альбомы не должны быть слишком большими. Если же убрать бонусы, чего-то будет не хватать, создастся впечатление неоконченности очередной главы межпланетного противостояния. И что ещё лично мне не понравилось, это гроул Анны Хель. Разумеется, это исключительно моё мнение, но я считаю, что она не подходит для именно этой группы. Здесь нужен прежний вокалист или кто-то с еще более грозным рыком, вроде Дэйва Ингрема из Benediction.
Общее впечатление от этого альбома совершенно отличается от впечатления от предшественника. Тогда я посчитал "Cenotaph" (2023) годным только для пыток. Этот же релиз не производит серости и уныния, его хочется слушать часто, что я и делаю. Однозначно рекомендую слушать его тем, кто называет себя поклонниками этой группы. 8 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Таких бессмысленных открывашек, как «An Ocean Of Strange Islands», у Холопайнена за всю карьеру еще не было. Мало того, что это просто скучный симфо-эпик без единой новой для маэстро ноты, хронометраж песни еще и искусственно увеличен в два раза: начиная провисать и тонуть в мегаломанском симфонизме уже к концу первой трети, композиция конкретно добивает выживших в последние две минуты, делая это при помощи знаменитой, пронзительно солирующей волынки Троя Донокли. Уверен, что Трой отличный парень, музыкант, а теперь еще и главный мужской голос в отсутствие Марко Хиеталы, но неуемную волынку частенько при прослушивании альбома хочется засунуть ему в одно место. На фоне абсолютного филлера «The Antikythera Mechanism» детский хор в «The Day Of...» звучит даже слегка интригующе, но первой по-настоящему удачной песней я бы всё же назвал «Perfume Of The Timeless». К песне зачем-то приклеено помпезное и бессмысленное интро на две минуты, но это как минимум продукт хитосодержащий, с запоминающейся вокальной мелодией в припеве и оркестровками, работающими на привлечение внимания, а не на скуку. Трайбалистическо-акустическая «Sway» ценна по большей части лишь тем, что из неё вы узнаете, как правильно произносить название альбома, зато в следующей за ней «The Children Of 'Ata» маэстро Холопайнен поиграется аж с прямой бочкой. Впрочем, откровений не ждите, это всё тот же конструктор из привычных композитору элементов, из которых собирается песня Nightwish, но, увы, не собирается хит. Точно не в этот раз.
А вот дальше становится уже интереснее. Забавно, что альбом как бы делится на две половины, где первая кажется оптимистичной, но бестолковой, зато вторая готова вас вознаградить, если вы, конечно, сумели до неё дослушать. Итак, «Something Whispered Follow Me» - как по мне, лучшая песня на пластинке и как минимум одна из лучших песен, записанных группой при участии Флор Янсен. Мрачноватая, гитарно-ориентированная, она действительно напоминает раннее творчество коллектива, да и вообще отдает флером европейского метала 90-х. Помимо радости за бессменного гитариста Эмппу, которому наконец дали поиграть нормальную мелодию, обращают на себя внимание вокализы Флор ближе к концу песни. Я и сам, признаюсь честно, долгое время связывал пресность пары предыдущих альбомов во многом с нахождением этой вокалистки в составе. Не возбуждает фронтвуменша, мол, эмоции главного поэта коллектива на должном уровне. Но постепенно расслушивая «Yesterwynde» пришел к выводу, что проблема, как говорится, не в ней, а в нём. Флор, конечно, первоклассная вокалистка, способная спеть что угодно, ставшая настоящим подарком для Nightwish в свое время. Жаль, что на одну «Something Whispered Follow Me» у Холопайнена сейчас приходится пять «An Ocean Of Strange Islands». Угрожающая «Spider Silk» продолжает настрой предыдущей песни, это еще одна удачная вещь, также напоминающая что-то из предыдущего творчества. Лично я слышу в припеве кусочек «The Poet And The Pendulum», но, справедливости ради, люди в комментариях на YouTube чего в ней только не слышат, включая даже сольное творчество Тарьи. «Hiraeth» - средний руки трек, начинающийся как негромкий дуэт мужского и женского голосов под акустику, и взрывающийся кельтскими плясками во второй половине, напоминающими «I Want My Tears Back». Было бы интересно услышать версию этой песни с вокалом Марко. В «The Weave» Nightwish наваливают плотного металла: мощный кардан, упругий бас, злые оркестровки, поверх которых льется голос валькирии. К сожалению, интересную мелодию здесь придумать не удалось, песня звучит как альтернативная вариация всё той же «An Ocean Of Strange Islands». Ну и завершающая «Lanternlight», красивая вещица, как будто желающая быть саундтреком к чему-то. Начинаясь как деликатная фортепианная баллада, песня расходится к середине полной драматизма симфонической бурей, чтобы вновь успокоиться к концу, словно океан, переживший шторм. Чуть-чуть дудения напоследок? Холопайнен с Донокли отвечают ДА!
«Yesterwynde» слишком просто сразу заругать и не слушать, но я призываю дать этому альбому шанс. Это всё ещё крепкая работа от талантливого человека, возможно, лучшая из последних трех. Проблемы у нынешнего Nightwish комплексные, совокупные. Во-первых, достигнув определенного пика своего творчества на «Imaginaerum», Холопайнен как будто слегка (или не слегка) перегорел. Это видно даже по смене тематики песен, раньше маэстро выходил на сцену в образе Джека Воробья, его волновали эльфы, капитан Немо, Питер Пэн. Что сейчас волнует композитора стало понятно уже после релиза «Endless Forms Most Beautiful», особенно после приглашения к участию в нем Докинза. Во-вторых, очевидно, что текущий состав Nightwish, лишившись ярких участников, стал просто обслуживающим персоналом для Туомаса. Сюда же идет, например, и неуемное желание вставлять к месту и не к месту волынку – есть же в группе штатный волынщик, чего добру пропадать? Честно говоря, не знаю точно, как строился творческий процесс в коллективе лет 20 назад, но могу допустить, что условный бывший барабанщик Юкка мог хлопнуть Холопайнена по плечу и сказать: «Старина, ни к чему в этой песне интро на две минуты». И старина бы прислушался. Но даже сейчас, оставшись как будто наедине со всеми своими демонами, Туомасу всё ещё порой удается высекать искры истинного творчества. И при всех своих проблемах, «Yesterwynde» - это явно не худшее, что за последнее десятилетие выходило из-под пера и клавиш финского композитора.
|
| |
|
|
|
|
|
| Учитывая продуктивность Second to Sun в недавнем прошлом, когда альбомы выходили на ежегодной основе, ожидание новой работы группы несколько затянулось. Хотя мне такой размеренный подход больше по душе, поскольку в плане восприятия он делает новые лонгплеи весомее и позволяет основательно вникнуть в них, дав «прорасти». Что ж, полноформат Second to Sun пока только ожидается, однако ЕР “Thunderbolt” прервал непривычно долгую паузу между альбомами и по праву заслуживает внимания.
В первую очередь, хотелось бы отметить звук, к работе над которым Second to Sun почти всегда отличал перфекционистский подход. “Thunderbolt” же с первых нот срывается шквалом сырого, отчасти даже хаотичного блэка. Но это лишь первичное ощущение. На самом деле мастермайнд Second to Sun Владимир Лехтинен, будучи опытным звукоинженером, остаётся верен себе и при ближайшем рассмотрении оказывается, что звучание “Thunderbolt” не менее продумано и вполне сбалансировано. На самом деле звук не такой уж и сырой, а скорее более естественный и живой, чем обычно. Довольно остроумный ход, когда продуманный и отстроенный звук вызывает такое погромное ощущение. Другое дело, что звучание барабанов, особенно бочек, не годится, с какого ракурса на это не посмотри. Такие плоские шлепки, на мой взгляд, просто неудачное решение.
В плане качественного содержания лично у меня к ЕР претензий нет. Мне нравится способность Second to Sun каждый раз звучать немного по-разному, но при этом сохранять узнаваемую манеру. Если сравнить данный ЕР с первыми записями группы, то динамика налицо. Однако характер Second to Sun распознаётся безошибочно. “Thunderbolt” – это блэк-метал с модерновыми интонациями, но также и с ощутимым олдскульным бэкграундом. Временами напоминает поздний Mayhem и даже Thorns. Все песни продуманные и хорошо структурированы. Достаточно техничные и при этом запоминающиеся гитарные риффы несут на себе призрачный отпечаток трэша и производят впечатление осознанной, скрупулёзной работы.
Тем не менее, заглавная вещь “Thunderbolt” кажется не самой удачной открывашкой. Сам по себе трек хороший – скоростной и резкий. Но из-за смазанной концовки песня кажется сыроватой. На мой вкус, на роль открывашки лучше бы подошла более основательная и навевающая беспокойство “Satyriasis” – полумаршевая и жуткая вещь с жёстким тяжёлым ритмом. Следующий трек, “Cold”, может напомнить старый Satyricon и Emperor. Но сравнение это условное, так как Second to Sun сделали всё по-своему и звучат в узнаваемой манере, снабдив композицию болезненно-привязчивым припевом. “Sever” здесь самая удивительная вещь. Эта полуакустическая минималистичная фольк/блэк-метал-баллада на первый взгляд очень проста и построена на единственном проигрыше с разными модуляциями. Но при внимательном прослушивании песня раскрывается и оказывается куда глубже и многослойнее. Звучание во многом определяет эмоциональное исполнение и крутая возвышенная гармония – она как бы дышит и парит. А ядовитый шипящий вокал видится тем пронизывающем стержнем, который её приземляет. Покажется удивительным, но “Sever” чем-то напомнила мне “The Battle of Evermore” легендарных Led Zeppelin. “Vasilisa”, одна из визитных карточек Second to Sun, всегда хороша. Кажется, что группа слишком часто включает её в свои релизы, но здесь парни смогли удивить, так как трек записан с вокалом мастермайнда группы Владимира Лехтинена. Неожиданный ход, скажем прямо. Объективно, вокал Владимира звучит эмоционально и вполне неплохо, но, честно говоря, до Глеба ему далеко. В любом случае, эксперимент интересный и добавляет ценности рассматриваемому ЕР. Лайв-версии “Eerie” и “Frozen Paradise” предсказуемо хороши, так как концертное исполнение традиционно являются одной из сильных сторон Second to Sun.
В итоге мы получили самодостаточный, разнообразный и стильный релиз, к которому хочется возвращаться и не зазорно иметь в своей коллекции. Даже если вы ни разу не слышали Second to Sun, эта скромная по продолжительности работа весьма показательна, так как даёт достаточно полное представление о группе. Рекомендую.
|
| |
|
|
|
|
|
| Doom rock – так наиболее точно можно описать стиль этой шведской команды, некогда созданной Лейфом Эдлингом, мастермайндом Candlemass. Сплав классического doom metal с ретро-хард-роком уже почти стал трендом, в котором Avatarium звучат достаточно сильно и уверенно. И хотя уход Лейфа заставил группу долгое время искать свой творческий почерк, а первые два альбома так и остались непревзойдёнными, всё же на предыдущем релизе «Death, Where Is Your Sting» (2022) гитаристу Маркусу Джиделлу и его супруге, вокалистке Дженни-Энн Смит удалось создать нечто реально интересное.
Новый релиз «Between You, God, The Devil And The Dead» (который, по словам музыкантов, может стать последним) не так разнообразен, как его предшественник, но, как ни странно, это идёт только в плюс. Он намного более мрачный, тяжёлый и однородный как по качеству, так и по стилистике. Здесь нет заигрывания с поп-роком, и даже самые мажорные «семидесятнические» припевы (как в бойком хите «I See You Better In The Dark») звучат уместно и даже стильно. Да и запоминаемость всего материала стала гораздо выше – в каждой песне есть какой-то хук, да и слабых моментов на альбоме я для себя не нашёл. Хотя, конечно, это вопрос вкуса.
Радует и звучание альбома, где «ламповость» сочетается с современным перегрузом, а хороший микс даёт насладиться всеми тонкостями аранжировок, наслоения акустических и электрических гитар, эпизодических клавишных, в том числе и пианино. Да и вокал госпожи Смит – это явный козырь группы. Её зрелый, взрослый тембр и различные эмоциональные оттенки исполнения не дают заскучать и радуют разнообразием. Комфортно работая в своём диапазоне, она то выдаёт роковый напор, то предстаёт убаюкивающее-грустной и даже слегка ноющей, зачастую не без доли драматизма.
Главное, конечно, что каждая композиция имеет своё настроение, варьируясь от мрачной думовой тяжести, как в «Being With The Dead» или «Until Forever And Again», размеренности и стилистического баланса, как в открывающей альбом «Long Black Waves» и некой отстранённой лиричности, как в последней на альбоме фортепианной (слегка отдающей джазом) заглавной балладе, чем-то слегка напомнившей мне… «The Raven That Refused To Sing» Стивена Уилсона. Плюс, трёхминутная инструменталка «Notes From Underground» также самостийна и креативна. Так или иначе, и любители Black Sabbath и Led Zeppelin, и фанаты классического дума могут найти в альбоме много интересного, хотя внимательное и вдумчивое погружение в музыку здесь крайне обязательно. Но если вы в итоге поймаете так называемый вайб этого релиза, он может вас впечатлить весьма и весьма сильно.
(Диск предоставлен компанией ФОНО).
|
| |
|
|
|
|
|
| Довольно непросто подступиться к рецензии на этот не самый обычный альбом. Сначала скажу, что, вероятно, вокалист Брайан Де Нефф (в прошлом — участник Medusa Oblongada, Morta Skuld и Cynic) решил тряхнуть стариной и возродить этот проект из ранних девяностых. Тогда, 30 с гаком лет назад, «Виогрессоры» валяли дэт-трэш, слегка нафталиновый уже по тем временам. Ныне же древнее прошло, теперь всё новое, как говорится в одной книге. Однако не совсем. Как описать то, что происходит на «3rd Stage of Decay»?
Самый общий термин может быть таким: «дэт-метал с фишками». Но если разворачивать сию весьма мало что говорящую дефиницию, то можно сказать, что это олдскульный дэт с сильным тяготением к средним темпам. Также на альбоме мелькают элементы техничного и прогрессивного дэта, завуалированная и ненавязчивая «мотивность» (на мелодик-дэт не дотягивает). В паре-тройке мест, когда банда ускоряется, слышно и звучание, которое при доле условности можно именовать приблэкованным. Встречаются на «Третьей стадии разложения» и акустические проходы-вступления, и чистый вокал.
Особую грань упомянутых выше фишек составляет ритмика этого песенного творчества. Авторы всеми силами жаждут уйти от «линейных», стандартных ритмов, которые часто строят в дэте стандартные же композиции с банальной долбёжкой. Но и средний темп от Viogression не сильно банален. Это не затягивания аккордов, как в дэт-думе; скорее его можно сравнить с змеёй, причудливо извивающейся, умело ускоряющейся. Куча сбивок почти в каждом трэке, всегда возможны резкие ускорения, иногда команда включает «рублёный режим». Характерно в этом плане начало «Death Dive»: тянучий аккорд и такой же вокал вдруг резко сменяются стандартной дэтовой стрельбой и агрессией с переходом на субсветовую скорость.
Есть и почти противоположные примеры. Вот «From Dust» большей частью катится в среднем темпе, который мощно рисуется ударными и гитарами, ускоряясь только в середине. В целом, именно благодаря умению менять скорости команда отчасти избегает столь характерной для многих банд жанра тотальной монотонности. Да, ещё в этом помогают не самые обычные созвучия в аккордах, который порой способны удивить. Viogression сохранили свой творческий почерк из начала девяностых, разве что стали чуть быстрее и солидно утяжелились.
На что похожи Viogression? Если вам будут чудиться гранды американского дэта из первой половины славных 90-х – вы не ошиблись. Перечислять не буду, скажу лишь, что вокал Брайана Де Неффа манерой схож с таковым у Джона Тарди, он весьма «драматичен». Самое же модерновое у Viogression ныне – звучание. Особенно даёт шороху потрескивающий бас. И да, за 30 лет они стали звучать куда дэтовее.
Среди хитов – упомянутая выше «From Dust»; скоростная и короткая «3 Skulls» c шершавым вступлением бас-гитары; наполненная той самой «рубкой» «Blood Stained Path»; неторопливо разворачивающаяся для тотальной атаки «Death Dive»... А также вещь под названием «Cipher», начинающаяся как баллада у костра, да так и звучащая, просто с тяжелыми гитарами... Финал «Sister of Iris» небесспорен, но интересен. А вот чего совсем не нужно было делать, так это завершать альбом акустической вещью, смахивающей на кельтский фолк.
Есть у музыки и свое общее настроение. Своего рода «драматичность», апокалиптичность, ужас, неизбежность... Что можно сказать в итоге? Кого-то может отпугнуть «мелодика», кого-то – «прогрессивность» и «нестандартность». Меня лично несколько смутила длительность в 55 минут. Но тем не менее, ради интереса послушать этот альбом вполне можно.
7,5*/10
|
| |
|
|
|
|
|
| Посмотрел на цифры 2025, заканчивается первая четверть 21 века. Ого, как летит время! И это время ознаменовалось интересным феноменом в музыкальной жизни России, о котором я уже неоднократно писал - NWORHM - New Wave of Russian Heavy Metal. Отчего и откуда - поразмышляют историки культуры.
А сейчас включим свежий альбом формации AMALGAMA, одной из ведущих команд этого тренда, группу, которая не ждала милостей от природы, а просто взяла всё, что ей было по плечу. Например, поучаствовала в глобальном турне, заявляя о Русском Металле на двух полушариях нашей богоспасаемой планеты.
«Icewind Tales» — это уже восьмой полноформат группы, теперь англоязычный - после альбома «Счастья нить». Иногда удивляешься скорострельности, работоспособности и креативности команды...
AMALGAMA начинает, как и положено, с добротного боевика «Midnight Fever», достаточно напряженного, чтобы показать истинные устремления группы — плотный, четкий, кайфовый Heavy Metal, открытый мелодике олдового металла и одновременно по-настоящему жесткий и динамичный. Тут же и вокал, как я слышу, приобретающий новые тембровые окрасы (!!! - по сравнению со старыми работами), поддержанный хоровыми партиями, а также скоростной, навороченной гитарной отработкой.
Команда прекрасно знает предмет и продолжает рубить интенсивный Heavy Metal, играя темпами и создавая моменты напряженности, как вокальные, так и инструментальные. Хоровые поддержки, кажется, - это брэндмарк альбома, они не раз придают эпичности и музыкальной зрелости. Хотя если про эпичность и смену настроения - это гимновая «Are You Metal?» с условными линками на Manowar, с проработанными вокальными подложками и «героической» основной линией. Напряженный трэк - не в последнюю очередь из-за мощи вокального посыла, который не раз вздымается в высоты.
Раздумчивая и «дорожная» композиция «Night Train» немного ломает скоростной напор альбома, но поезд понемногу набирает обороты, постукивая на стыках рельсов. Тут нужно сказать про ритм-секцию, которая не только приготовилась ко всем ритмическим коллизиям пластинки, но и исполняет с душой, тщательно отрисовывая каждый новый темповый рисунок.
Трудно не отметить гитариста, которому, по моему мнению, всё-таки дали развернуться на поле полноформата. Четко вписываясь в стилистику Heavy Metal, струнник неумолимо стоит на страже мелодического бастиона, в каждом треке отсыпая то лирического соляка, то взвихряя пространство песни замороченными риффовыми структурами.
Ко всему прочему AMALGAMA решила вторгнуться на территории рока 70-х, сочинив лирическую балладу «Wings of Hope», где дали возможность вокалисту показать свои возможности в этой непростой для певца теме.
Рекомендации? Весьма драматическая композиция «Hold Fast», где столкнулось несколько настроений: реально эпическое, чуть ли не викинговское, грустящее, угрожающее... Здесь же - вокальное многоголосие и гитарная дефибрилляция.
В «Piston Hurricane» парни от души дали Пристов и Скорпов в их лучшие годы. Дух альбомов «Painkiller» и «Blackout» так и реет над музыкальным полотном этой композиции. А на десерт предложена мощная павер-баллада «Icewind Tales» с монументальными хоровыми партиями и повествованием, заставляющим задуматься о вечном. Отличный закрывающий трек!
Пора уже вспомнить бойцов невидимого фронта — звукоинженеров, которые обеспечили сложный, но весьма доступный звук, отработав с каждым инструментальным слоем, дав слушателю возможность реально услышать то, над чем собственно корпели музыканты в студии.
|
| |
|
|
|
|
|
| Виды из неизвестного пространства в стиле Де Кирико, напоминающие набиравшие в ту эпоху популярность 2,5D-игры от первого лица и задумчивая богемная дама изображены на картине сюрреалиста Герхарда Клопфа "Загадка Мысли" (нем. Das Rätsel des Gedankens), которую австрийский художник (гусары, молчать!) благодушно представил своему брату Патрику Клопфу для оформления второго альбома Disharmonic Orchestra. Новая работа нуждалась в смене одёжки на что-то, что бы походило на пощёчину общественному вкусу. Конфронтация успевших за несколько лет превратиться в ортодоксов адептов масокишкокрови с теми, кто не чурался крепить на дэтовый остов вычурные музыкальные кузова, была весьма остра. Взяв в начале 1991 года штурмом Шульдинера, эта антанта техникалов, прогрессивщиков и авангардистов получила неоспоримое преимущество и первый шанс эскпансии на потенциально широкие массы слушателей. Каринтийцы DIsharmonic Orchestra ранее издали "Expositionsprophylaxe" - работу с подпольным грайнкорным звучанием и при этом крайне нестандартным направлением. Вскоре Клопф и Ко. пришли к пониманию, что их огромное ржавое чудище пора пустить на металлолом и двигаться вперёд, и непременно семимильными шагами. "Not to Be Undimensional Conscious" - характерный продукт постиндустриального мира, и даже для возвращения "к корням" на "The Return of the Living Beat" понадобилось хип-хоп-подкрепление. Шаг рискованный, многие из-за этих 30 секунд выкидывали в утиль сразу всё - вот бы мне такие крепкие принципы!
Ещё более странно то, как австрийцы подошли к найму по технической части. Sunlight Studios Томаса Скогсберга - кузница, где были выкованы одни из лучших альбомов европейского дэта, да. Но это точно не то место и не тот человек, к которому в поиске более утончённого и даже мягкого звучания кто-либо побежит в первую очередь. Здесь Томас продемонстрировал версатильность и смог найти беззупречный характер звучания, позволивший запечатлеть не столько новое лицо группы, а непосредственные моменты метаморфоз. Данная работа, похоже, была жизненно необходима Скогсбергу для разнообразия в портфолио. Гитарный звук всё ещё кусачий, вполне агрессивный, но явно не инфернальный, как ранее. Часто гитарный тон принимает слегка кружащий голову, коррелирующий с сюрреалистическими настроениями пластинки вид. Искусное владение флажолетами превратилось из приёма устрашения в украшающий спецэффект. Самые значительные изменения претерпел басовый элемент. Ранее роль баса в DIsharmonic Orchestra ничем не отличалась от роли баса в большинстве других групп. Здесь же Хервиг Замерник исполняет виртуозные партии, которые ранее было едва ли возможно представить в дэте как уместные. В "Groove" вообще возникает ощущение, что бас в миксе выдвинут вперёд гитары (!), и во многих случаях гитара лишь повторяет партию баса. Действительно кажется, что бас подразумевался как основа музыки в половине песен, и гитара воспринимается как инструмент самого первого плана только в силу привычки и непреодолимых акустических особенностей. Мартин Месснер, на прошлом альбоме продемонстрировавший лютое рубилово, смог адаптироваться под новую музыку. Играет он хорошо, но при этом чувствуется, что манера игры очень металлическая и заимствований из джаза, как у многих других "особенных" дэтстеров, тут мало.
Нерастолкованные сюрреалистические тескты появлялись уже на второй половине "Профилакса", а здесь в таком ключе выдержаны по сути все песни. Затрагиваются темы любви, самоощущения. Есть некий лирический герой, но его саморефлексия напоминает запутанный бубнёж, чистый поток сознания. Это можно сравнить с рядом непреобразованного двоичного кода, но в виде отдельных обрывков мысли человеческой, словно кто-то вскрыл исходный код некоего конкретного мозгового процесса. Что-то будто бы чёткое и социально-направленное читается только в последнем, наиболее жёстком треке "Mind Seduction", но форма высказывания абстрактна. Песня заставит призадуматься, но не в том смысле, которого хотели бы достичь австрийцы, если бы действительно задумывали трек как политически окрашенное высказывание. В целом альбом великолепно работает как единое целое, но особо удивить способны те самые части где мелодия становится "головокружащей" и чисто сюрреалистической: "Addicted Seas with Missing Pleasure", "Groove", "Idiosyncrasy", "Like Madness From Above". Ну и, конечно, приступ чего-то между тотальной меланхолией и близкому к предсмертной эйфории чувству в "Time Frame".
Данная работа является одной из самых захватывающих и безусловно уникальных в жанре. Название "сюрреалистический дэт-метал" как нельзя точно описывает и музыку, и её назначение. В дальнейшем творчество Disharmonic Orchestra стало ещё более недэтовым на "Pleasuredome", а затем по большей части развеялся и тот самый сюрреалистический флёр. Эпохальность этой работы в том, что ребята перекроили себя, рискнули и сочли несочетаемое. При этом всё равно при прослушивании заметно, откуда идут корни у данной работы и как музыканты трансформируют сюрреалистические образы. Это если бы Роберт Саакянц рисовал свою "Лисью книгу" после "Кнопки", а не наоборот.
|
| |
|
|
|
|
|
| В эпизоде ситкома от BBC "Красный карлик" персонаж Арнольд Риммер упоминает секту "Seventh Day Advent Hoppists" - прямую пародию на адвентистов седьмого дня. Эти "попрыгисты"-члены семьи Риммера читали Библию, где наборщик поставил "hop" вместо "hope" в 13:13 Первого послания к коринфянам, и из-за опечатки посвящали каждую субботу усердным священным прыганиям и призывали ко квадробингу во славу Господа. Эпизод вышел в 1989 году, тогда же, когда образовались Jumpin' Jesus - "Прыгающий Иисус", причём название это всегда пишут с характерным южно-штатским G-droppin'ом. Увы, более вменяемых теорий происхождения этого нелепого названия, чем эта, у меня нет. Да и у других тоже. Многие любители дэт-метала считают этот альбом одним из самых худших в жанре. Обложка выглядит также весьма отталкивающе, но скорее из-за кривоватого, кажущегося наивным с высоты лет стиля. Диск немцев относят к представителям техникал-дэт-метала. Это повышает ожидания от материала, ведь соотечественники из Atrocity в 90-м выпустили один из самых смелых дисков в Европе на то время - "Hallucinations". А поскольку Германия не была в жанре законодателем мод, то для сцены ещё один тяжеловес был бы в кассу. "Искусство распятия" на обложке содержит далеко не распятие и далеко не Иисуса, что намекает, что и содержанием может быть какой-то мухлёж и спекулятивные ходы.
Назвать эту работу Jumpin' Jesus (которая, увы, так и осталась у банды единственной) халтурной нельзя. Зато чувствуется, что в музыке группе удалось развить те тенденции звучания немецких трэшевых команд по типу ранних Kreator и ранне-средних Sodom, за которые часть обывателей их причисляет к дэту, и превратить их в настоящий дэт. Самое мясо начинается обычно тогда, когда стартуют части с бластбитом, а таких тут много. Барабаны Бобби Фердулы прут бульдозером, а скоростные гитарные риффы заходят на территорию, где обитает брутал-дэт. Кроме этого, отличительной фишкой риффов на этом альбоме является наличие техничных риффов под шумный, часто наполненный звуками пытки бас-бочек и тарелок, ударный качовый ритм. Риффы сменяются в просто безумных количествах на неимоверных скоростях, а гитарные соло, которые впихнуты сюда также в превышающих норму количествах, доводят до головокружения. Миро Павелич отвечает за весьма глубокий основной вокал и за до комичного неказистый высокий ор, которым альбом и завершается ("The Preacher"). В таких песнях, как "Braincramps", "Chaingang" и "Burnt Offerings" его появления усиливают накал страстей. На диске полно интересных моментов, включая жуткий вступительный рифф "Cloning The Future" и шторм из ускоренных трэшевых риффов и соло в "Out of the Unknown". Вишенка на торте - работа за пультом Энди Классена, ещё одной легенды немецкого трэша, которая вносит хоть какие-то рамки в это безумие.
"The Art of Crucifying" сложно сравнивать с современными ему дэтовыми работами. У него есть свой шарм, явно не безобидный, который не всем по душе, но к которому вряд ли можно остаться равнодушным. Альбом явно опередил время на года два-три, и даже Atrocity с Mangled Torsos не смогли довести дэт до такого монструозного вида, который бы был эндемичен в стране, где царствовали едва тронутыми травоядный пауэр и ноосфера трэш-метала. Однако случилось то, что случилось, и Jumpin' Jesus в том же году, после выпуска дебютника, сами вскоре обратились в ископаемое.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый управляемый хаос группы.
Дебют годом ранее скорее был чем-то похож на подражание классике того времени, а на "Fun House" уже преподнесен тот стиль, который будет доведен до апогея спустя пару лет.
Запись действительно непохожа ни на что сделанное до нее - беспорядок и нетипичность звука, кричащая манера исполнения Игги, на первый взгляд простые до абсурда ритмы, и даже никакого намека на мелодичность.
Весь альбом это целенаправленная бессмыслица, но как говорится "он прекрасен в своем уродстве".
Самое главное, что основной идейный вдохновитель Дэйв Александр принимал участие в такой записи, с его тягой как раз к экспериментам другого рода. Как раз Эштоны и Поп как никто подходили под такой формат музыки, со своей где-то бездарностью, а где-то просто банальным неумением.
Это грязная проба пера на обломках шестидесятых и ставшая впоследствии культом, принятая и понятая далеко не всеми.
Нет нужды словами описывать эти 35 минут звука. Это монумент, это Дикая Орхидея, это бриллиант... но только монумент, измазанный краской... Орхидея, политая дихлофосом... бриллиант, искупавшийся в цементе.
|
| |
|
|
|
|
|
| Вскоре после воссоединения под вывеской Eure Erben, немецкая thrash metal банда Darkness приступила к активной деятельности, выступая на концертах и записывая EP ("Eure Erben" (2006) и "Eure Fäuste"(2007)). Уже тогда зашла речь о новом альбоме, но работа над ним всё время по разным причинам откладывалась. Наконец в середине 2009 года парни объявили, что работают над следующим альбомом и что он скоро выйдет. В начале 2010 года было объявлено название - "Terror 2.0", но только в самом конце года диск наконец-то вышел.
Всё это время в группе шел спор, под каким названием выступать и выпускать релизы. По разным причинам парни не хотели использовать прежнее название, Darkness, тогда как новое, Eure Erben, никто не знал. И при записи и выпуске этого альбома было принято необычное решение. "Terror 2.0" представляет собой двухдисковое издание на разных языках - английском и немецком. Также альбом имеет разные обложки - английскую, с логотипом Darkness, и немецкую, с логотипом Eure Erben. По сути, это сплит двух групп, играющих одни и те же песни на разных языках.
Что до самого материала, то он очень хорош. Попытка вернуться к корням и играть бескомпромиссный thrash metal с одной стороны, не отбрасывать современное звучание с другой, использовать все те идеи, что так неудачно были опробованы в далеком 1989 году на «Conclusion and Revival», а также, в немалой степени, отличная запись - всё это, вместе взятое, делает данный релиз хорошим подарком любителям этой группы. Здесь звучит Darkness. Та самая немецкая thrash metal группа Darkness, что многие слушали в восьмидесятые и возвращение которой с таким нетерпением ждали. Уже открывающий трек сделан в лучших традициях жанра и группы, заложенных еще на "Death Squad" (1987). Далее следует убойнейший номер "Deus Lo Volt", безусловно лучшая композиция альбома. Начиная с "Amok", темп не спадает, но песни становятся похожи одна на другую, и уже к "Reach The Limit" (на немецкой версии "Hart Am Limit") безудержно клонит в сон. Это единственный минус альбома - однообразие, неизбежно порождающее скуку. "Kreuz" (на немецкой версии "Burn Us In Hell)" пробуждает от сна, завершающий трек тоже неплох. В целом "Terror 2.0" производит приятное впечатление даже сейчас, хотя это далеко не шедевр на все времена и даже не альбом года.
Впечатления от диска, купленного сразу после выхода, отличаются от того, что чувствует человек, слушающий его спустя 14 лет. Тогда "Terror 2.0" был для меня чуть ли не альбомом года, теперь же это просто хороший альбом. Двухдисковое издание от Scare Records приятно держать в руках. 8 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Первый полноформат немецкая thrash metal группа Darkness выпустила спустя три-четыре года после выхода первого демо. За это время вышли несколько отличных демо-кассет и было сделано немало живых записей. Может быть, поэтому, а может из-за переполнения музыкантов отличными идеями, первый полноформатный альбом под названием "Death Squad" (1987) получился просто отменным.
После спокойного гитарного интро следует сорокаминутный кошмар, где есть всё, что характерно для thrash metal образца 1987 года. Скорость, тяжесть и жестокость с вкраплениями акустики, оригинальный вокал, неплохие мелодии (где они есть) выделяют этот альбом среди многочисленных thrash metal групп из Германии, таких как Assassin, Deathrow и многих других. Дебютник Darkness достойно выглядит и на фоне работ Destruction и Kreator. Особо нужно отметить две известнейшие песни, что группа исполняет на концертах по сей день: это ураганная "Faded Pictures" и относительно спокойная "Burial At Sea", с красивым акустическим началом. Обе вещи были перезаписаны и вошли в неудачный "Conclusion And Revival" (1989) и были выпущены на немецком языке в 2006 году под названием Eure Erben. Остальные песни тоже хороши, вообще весь альбом слушается на одном дыхании. Этой пластинкой было положено начало группы Darkness, теперь, после впечатляющего дебюта, нужно было закрепить успех... что и было сделано на следующем альбоме.
Что в итоге? "Death Squad" (1987) - очень сильный альбом, обязательный для ознакомления не только фанатам группы, но и поклонникам жанра вообще. Нельзя сказать, что этот диск лучше других работ 1987 года в thrash metal, но он как минимум выделяется среди остальных. 9 баллов.
|
| |
|
|
|
|
|
| Водун - не только истинное обозначение религии Вуду на территории западной Африки, но и по совместительству название отличной музыкальной группы из Великобритании, созданной в 2013 году на осколках психоделичного стоунер-рок коллектива Invasion. Из которого, собственно, и вышла большая часть участников Vodun, а именно вокалистка Шанталь и барабанщица Зел. Доукомплектовав свой дружный женский дуэт давним знакомым гитаристом по имени Линдсей, сформировавшееся трио принимает решение продолжать играть психодел-рок, но уже полностью сосредоточившись на тематике магии Вуду - как в лирическом, так и в музыкальном выражении. Вещь весьма экзотическая, да и не особо заезжанная, особенно в музыкальном пространстве. Ну а если во главе всего этого безобразия еще и стоит темнокожая певица, у которой дедушка являлся проповедником, то некий опыт и багаж знаний в этом предмете весьма располагает к подобному творческому выражению. Чем, собственно, и занялись музыканты, разукрасившись в аутентичный макияж, и донося до своих благодарных слушателей некую часть аспектов и тонкостей этой, чуждой абсолютному большинству, религии. Начали с выпуска небольшого EP и нескольких удачных синглов, а первый полноформатный альбом появился только в 2016 году, после трех лет активной музыкальной деятельности.
"Possession" - изумительная запись, олицетворяющая собой эклектику наследия мирового рока, где комбинируются тяжелые хард-роковые и пентатонические стоунер-гитарные риффы, каноничные рок-н-рольные и абстрактные психоделичные соло-партии, и разумеется тематические элементы афро-этники и музыки в стиле соул. С учетом того факта, что в данной группе за музыкальную составляющую отвечают всего два человека, используя по сути минималистичный набор инструментов (ударные + электрогитара), звучит всё это весьма убедительно и профессионально. Здесь определенно чувствуется огромный багаж опыта и знаний за спиной музыкантов, есть понимание того, как должен звучать подобный стиль музыки, которому, к слову, они посвятили довольно-таки продолжительное время, играя нечто подобное в своих ранних музыкальных проектах. Доведенное чуть ли не до максимального искажения (в рамках жанра) фуззовое звучание электрогитары подчеркивается не менее агрессивными партиями ударных, за которые отвечает невероятно талантливая барабанщица Зел Кат, которая отлично справляется как с динамикой, так и с перкуссией, ну и с достаточно нетривиальными барабанными ритмами. Можно сказать, такой своего рода Брэнн Дэйлор (Mastodon), но только, что называется, "в юбке". Ну и отличительным финальным аккордом и ярко выраженным инструментом здесь выступает, конечно же, впечатляющий голос вокалистки Шанталь Браун. Певица, которая определенно впитала в себя уникальные гены своих родителей, кстати, весьма именитых соул-исполнителей, которые работали с такими мэтрами, как Стинг, Эрик Клэптон, Элтон Джон, Джо Кокер. Постоянно развивая свои вокальные данные, Шанталь добилась поразительных успехов в отрасли певческого мастерства, начиная с уличных исполнений, заканчивая профессиональной музыкальной сферой, связанной не только с оным бизнесом, но также и с теле-радио дубляжом и преподаванием вокального мастерства в колледже. По всей видимости, некая истинная любовь к некоммерческой музыкальной сцене занимает немалую долю души певицы, которой не чуждо, например, поучаствовать в проектах в духе стоунер-рока или дум-метала. Но конкретно в Vodun вокалистка определенно чувствует себя, как рыба в воде, тонко улавливая вайб и выкладываясь буквально на полную катушку, умело расставляя акценты и используя свои голосовой аппарат по максимуму. Своим динамичным и отлично контролируемым вокалом Шанталь (которая здесь скрывается под псевдонимом Oya) поднимает не только темы, посвященные духовным практикам Вуду, тонкостям одержимости и эйфории метафизической трансцендентности, но также не забывает и затрагивать нюансы исторических фактов, посвященных борьбе с данной религией. На схожем контрасте выстроена и музыкальная основа группы Vodun, где лиричные умиротворительные проигрыши сменяются жесткими и динамичными музыкальными гармониями, слегка хаотичными, в меру тяжелыми по звучанию и полностью пропитанными этническим флёром.
Дебютная пластинка англичан, которая уже скоро разменяет свой первый десяток лет, и сегодня однозначно звучит вполне свежо и интересно, а учитывая тот факт, что за свою творческую деятельность коллектив выпустил всего два полноформатных альбома, и вовсе хочется надеяться услышать от них какой-нибудь новый материал. Поскольку они в действительности слишком уж хороши, в меру амбициозны и очень профессиональны - потерять такого рода феномен современной нео-психоделии было бы по-настоящему обидно и грустно.
|
| |
|
|
|
|
|
| Кто бы мог подумать, что в 2019-м уже изрядно поседевший титан прогрессивого металла Dream Theater сможет полностью реанимироваться после концептуальной СТАТРИДЦАТИМИНУТНОЙ зевоты альбома трëхлетней давности?
Кто бы мог подумать, что "Distance Over Time" неожиданно станет крайне серьëзным конкурентом на звание обладателя лучшего прог-метал альбома 2019 года, соперничая с не менее грозными соперниками из Tool, Leprous и Opeth?
Кто бы мог подумать, что Петруччи и Co. окажутся способны в свои годы грамотно воспользоваться модерновой тяжестью лучше многих современных банд и своими наработками с лонгплея 2013 года сократить хронометраж альбома почти втрое, впервые С ПРОШЛОГО ВЕКА не растянуть песни до десяти и более минут, и при всëм вышеперечисленном не лишиться своей марки, своего фирменного звучания?
Кто бы мог подумать, что такие песни, как "Paralyzed", "Fall Into The Light", "Pale Blue Dot", будут смотреться свежо и вовсе не нафталиново, хотя они и не предложат публике ничего кардинально нового?
Кто бы мог подумать, что такие откровенные и рискованные эксперименты, как баллада "Out Of Reach" и модерново-хардо-прогрессивная "Viper King", окажутся бриллиантами в, и так уже пëстрой драгоценными камнями, диадеме альбома?
Кто бы мог подумать, что направление текстов группы не окончательно развернётся в неуклюжую наивность, и вновь вернёт тот самый драматизм жизни, уж было совсем потерянный на "The Astonishing"?
Кто бы мог подумать, что и с другим Майком на барабанной установке музыка Dream Theater может оказаться захватывающим и воодушевляющим путешествием по живописному миру, где устой и новшество единятся, а не являются лишь бессмысленным буйством технического мастерства?
Кто бы мог подумать?!
|
| |
|
|
Добро пожаловать в раздел рецензий!
то вы можете высказать их по этому адресу.